Ha estado en mi cabeza durante tanto tiempo.
Soy artista visual, animador, hago gráficos en movimiento, obras de arte en 3D y la mayor parte de mi trabajo se realiza visualmente. Estoy desconcertado por esta pregunta. Artistas visuales, se inspiran en la vida cotidiana. su visión. Cosas que vemos o incluso imaginamos. Algo dentro de lo que vemos es tan profundo y verdadero, que cuando se traslada al papel, al lienzo, al mundo digital, tiene perfecto sentido y la gente siente esa belleza. Por supuesto, podemos manipular lo que vemos. interpretarlo
Lo que no entiendo es dónde encuentran los músicos y compositores increíbles sus partituras y melodías. Quiero decir, si no fuera por la televisión, el mundo digital, los periódicos, las revistas de arte, etc., un artista visual aún tendría sus ojos para experimentar nuestro mundo y tener algo que interpretar. ¿Pero la música? Aunque puedo ver patrones de ritmo en la naturaleza... ¡No puedo escuchar música en la naturaleza! (que es puramente matemático AFAIK, las notas tienen un orden preciso con una definición matemática de la longitud de onda entre ellas)
¿Cómo y dónde se les ocurren esas asombrosas melodías y obras de arte?
Pero hay ritmos, armonías y melodías en la naturaleza.
Cuando caminas, estableces un buen ritmo sólido. Dos tiempos por compás, en su nivel más básico, pero ajustando tu modo de andar o la forma en que cuentas, puedes pensar en cuatro tiempos, o tres, o tantos como quieras. Saltar trae diferentes ritmos.
Los intervalos musicales que componen las melodías se basan en propiedades físicas fundamentales de la naturaleza. Una octava es lo que obtienes cuando divides a la mitad la longitud de una cuerda (u otra fuente de vibración tonal). Un quinto es lo que obtienes de un tercio de los largos. Estos armónicos están presentes en los tonos de la naturaleza.
Cuando el viento sopla a través de las rocas y los árboles, puedes escuchar los tonos y sus armónicos, entrando y saliendo del foco. Esos tonos también "se caen" de los instrumentos: la primera vez que estira una cuerda a través de una caja de resonancia y comienza a tocarla, los encontrará.
Por supuesto, también hay aportes culturales. El habla alimenta la música, influyendo tanto en la melodía como en el ritmo. Es bastante fácil ver cómo el habla conversacional lleva al canto y la poesía, que lleva al canto, que lleva a la melodía.
Luego agregue milenios de retroalimentación cultural y tecnología. Todo tipo de cosas entran en la mezcla, desde el goteo de agua en una cueva, hasta el ritmo de un telar tirado por caballos, el ruido de las ruedas del tren contra las vías, hasta los sonidos que se producen cuando un oscilador basado en transistores se alimenta a través de un altoparlante.
Cuando se le preguntó acerca de cómo se crean las "obras maestras", Nadia Boulanger , una pedagoga de composición francesa durante el siglo XX, dijo lo siguiente:
"Puedo decir si una pieza está bien hecha o no, y creo que hay condiciones sin las cuales no se pueden lograr obras maestras, pero también creo que no se puede precisar lo que define a una obra maestra. No diré que el criterio porque una obra maestra no existe, pero no sé lo que es".
Por supuesto, la pregunta original es específica de las melodías maravillosas, pero en realidad, las melodías no son diferentes del proceso de composición que cualquier otra cosa, y al igual que el proceso de composición varía mucho de un compositor a otro, también se discute ceremoniosamente la voluble criatura de la inspiración. y se sometió por un momento.
Para compositores como Mozart, Mendelssohn y Schubert, escribir era muy fácil y se producía de forma intuitiva. Otros compositores como Beethoven, Brahms y Joan Tower trabajan sin descanso, desgarrándose en la búsqueda de su arte.
Brahms escribió una vez que habría dado cualquier cosa por escribir la melodía del Vals del Danubio Azul , pero escribió la melodía de la "canción de cuna" que todos cantamos cuando somos niños.
Scriabin describió la escritura como si estuviera mirando detrás de una cortina mística a una tierra de posibilidades insondables. Picasso describió la pintura como vómitos e indigestión. No tiene nada que ver con la música, pero encuentro su descripción hilarante.
Como han señalado otras respuestas, los músicos se sienten atraídos por los sonidos que los rodean, ya sean naturales o sintéticos. Nos pasamos la vida tratando con el sonido. Entonces, ¿la señora que está hablando japonés junto a nosotros y que estás ignorando? Sí, estoy distraído. Casos como el que acabo de mencionar pueden atribuirse a la teoría de las inteligencias múltiples, de la que soy un firme defensor.
Al igual que usted se ocupa de las imágenes todos los días y entiende naturalmente el equilibrio, pero está igualmente confundido con la composición musical, un músico podría responder con la misma agudeza a su profesión de la misma manera. Es justo lo que hacemos.
Cuando la gente ha escuchado una pieza mía para un conjunto grande, digamos una orquesta, pueden decirme después: "¿Cómo pensaste en todos esos sonidos? ¿Cómo escuchaste todos esos sonidos?"
Al igual que el dibujo, la arquitectura, la pintura u otros medios, comienza con trazos amplios, bocetos amplios y agrega gradualmente más detalles a medida que avanzan las cosas. Sucede en capas y no sucede de izquierda a derecha, de la misma manera que no se esculpe de arriba a abajo un trozo de roca con un acabado completo.
En mi comentario, aludí a esperar la inspiración y la audición, de lo que hablaré más adelante en el próximo salto de página.
Aunque habla de melodías en su pregunta, su pregunta en realidad es sobre inspiración. Limitaré el alcance de mi respuesta para abordar las melodías, aunque mis comentarios pueden extrapolarse para incluir también otros elementos.
La inspiración para melodías puede ser evidente en varias formas:
Esta lista no es exhaustiva, pero debería proporcionar una buena base. Creo que la mayoría de los elementos anteriores se explican por sí mismos, pero describiré brevemente el aleatorismo y el serialismo con más detalle.
El aleatorismo es un proceso mediante el cual los compositores se liberan del control y permiten que el universo "elija" por ellos. Esencialmente, es lo mismo que lanzar una moneda. Este estilo se hizo popular en gran medida con la Escuela de Nueva York a mediados del siglo XX con John Cage , pero la investigación académica respalda que incluso Mozart jugó juegos de dados no solo para escribir melodías sino también para decidir cómo ordenar las secciones dentro de sus piezas.
Serialismo por el contrario, todo lo contrario. En este estilo, el compositor puede asumir un control total sobre el tono, el ritmo, la dinámica, las articulaciones, etc. En este sentido, la música se puede fabricar esencialmente, y varios compositores se hicieron muy, muy famosos por hacerlo, aunque por diferentes razones.
Ahora que se ha cubierto, me gustaría agregar aquí que los compositores también toman decisiones con frecuencia mientras trabajan en las piezas. Un compositor puede planear que una pieza vaya de cierta manera, pero en realidad, cuando toca su trabajo en el piano o en una computadora, su oído puede estar guiándolo en una dirección diferente. Este tipo de procedimiento de filtrado interfiere dentro de la idea germinal original, pero es necesario y bueno y evita que los compositores escriban mucha música mala y que el público escuche mucha música mala.
Aquí está el resultado final, y probablemente no le guste:
Componer una melodía es crear arte y nadie, repito, nadie aún comprende completamente cómo los seres humanos escribimos la música que hacemos, desde la idea germinal hasta el producto terminado. El proceso para cada individuo es único y depende de su estética personal y artística, su cultura y su educación. Dentro de eso, cada pieza es única y especial para cada compositor, como un niño pequeño.
Apreciamos el arte porque no lo entendemos y nos es ajeno. Si hubiera una tienda para comprar melodías manufacturadas, el arte se devaluaría ya que la profundidad de su significado se ha traducido a bienes tangibles, mundanos, y por lo tanto habla poco del tiempo, la pasión y el compromiso. Es la misma razón por la que la comida casera sabe mejor y los regalos hechos a mano son más sentimentales.
Desafortunadamente, no puedo decirle exactamente cómo se escriben las "grandes" melodías, porque sin culpa de su propia virtud, el alcance de la pregunta es filosófico y demasiado amplio para responder simplemente. Sin embargo, he descrito algunas de las formas y técnicas en las que operan los compositores, lo que debería proporcionar una comprensión más clara de la cuestión, así como de sus propias actividades.
Aparte, he escrito bastante extensamente sobre este tema y me complacería discutirlo con mayor detalle a través del chat.
La mejor de las suertes.
La música no es una especie de cosa mística al azar que está más allá de toda comprensión; tiene sus reglas y regulaciones, y en cierto modo, más restricciones estructurales que otras formas de arte. Puede y, por lo general, debe ser algo predecible y, en realidad, solo existen unas pocas combinaciones de ritmos: todo se trata de cómo los juntas y qué notas les pegas.
Ahora, esa es una forma extremadamente cruda de decirlo, pero en realidad, a pesar de que su pregunta se ha hecho innumerables veces a lo largo de los siglos, todavía es extremadamente difícil de responder para una sola persona (¡incluso en StackExchange! :)) porque bueno , el proceso de creación real es diferente para todos.
Debido a esto, no puedo hablar por todos los compositores, etc., pero puedo hablar por mí al contar mis propias experiencias personales. No digo que sea un buen compositor, o un excelente ejemplo de nada. Solo digo... eso es realmente todo lo que sé.
Escribo muchas canciones jugando con el piano. Muchas de estas canciones se derivan de mí jugando con mi última obsesión por los acordes, o simplemente inventando una secuencia de acordes en mi tonalidad favorita (que cambia de vez en cuando; en este momento es E o B, pero solía ser D, y antes de eso era F y Bb). Luego, una vez que me encuentro con algo que suena genial o bonito o algo así, desarrollo más la melodía o muevo la forma de la mano del patrón alrededor de diferentes inversiones de diferentes acordes, revisando constantemente la pieza todo el tiempo.
También he escrito canciones en guitarra. Esto no sucede a menudo, muy probablemente ya que no soy muy bueno con la guitarra (y tampoco toco a menudo, por lo que probablemente no ayude), pero en raras ocasiones como esta , surgiré con algo con lo que podría trabajar y convertirlo en algo apetecible (¿orejable?). No sé cómo sucede esto... todo lo que sé es que un día estaré tocando, y de repente, de la incomodidad surge la insatisfacción, y trato de ver si puedo hacer la melodía. Puedo escuchar una especie de unos tiempos por delante salen del instrumento. Literalmente. Eso es realmente todo lo que hago. (¿Lo que podría explicar por qué es bastante mediocre?)
Otras veces intento que una canción encaje en una obra preexistente. Para octavo grado hice un proyecto para La Tempestad de Shakespeare. Era una pieza de varios movimientos que utilizaba un instrumento de banda de concierto diferente para cada personaje (flauta para Miranda, clarinete para Próspero, saxo para Ferdinand, trompeta para Gonzalo, trompa para Calibán, trompeta sorda para Trínculo, vibráfono para Ariel, etc.) y para cada escena, los instrumentos involucrados tocarían un tema que yo sentía que encajaba con los eventos que ocurrían durante esa escena de la obra. (Por ejemplo, en la escena en la que Gonzalo está emocionado por aterrizar en la playa o algo así y Sebastián y sus amigos se burlan de él a sus espaldas, se alterna entre la trompeta tocando una frase a modo de fanfarria y el oboe y el barítono repitiéndola en un tono distorsionado. , ornamentada y repleta de pitch bend.)
Para otra canción que escribí para el proyecto de mi amigo en un libro llamado Clockwork Angel(que involucra a una niña, demonios y una torre de reloj gigante), decidí que la introducción debería comenzar con solo campanas tubulares tocando corcheas con un patrón de acento sincopado sobre un compás cambiante, con toques ocasionales de acordes de campanillas en acentos particularmente importantes. Mi pensamiento detrás de esto era que sería como, "¡Oye, torre del reloj! ... Pero algo no está del todo bien aquí". Agregué a esa sensación cuando los instrumentos de la era victoriana (el escenario del libro) y los misteriosos sintetizadores se unieron después de los golpes de piano súper graves y estruendosos... resultó bastante bien, en realidad. Así que ese fue mi pensamiento detrás de eso.
Para esta canción (falta toda una parte de guitarra; la grabé pero olvidé incluirla cuando las combiné), el motivo principal en el que se basa toda la canción (la parte inicial) me vino a la cabeza por casualidad un día (es una larga historia). Pero durante todo el camino a casa me la tarareé para no olvidarla. Luego jugué con él en la guitarra y luego un poco más en Finale, lo grabé durante las vacaciones de primavera en el primer año y... ¡aquí está!
Para el interesante interludio de piano en este arreglo [nota: no terminado], básicamente solo estaba tratando de mantener la canción en marcha pero haciendo una transición lenta hacia todo el patrón de acento de "Carol of the Bells", etc. (Es un dúo de piano y trompa , en caso de que te lo estés preguntando... ¡no hay acompañamiento aquí!)
Escribí esta canción [regresaría y arreglaría el recorte, pero soy demasiado flojo] hace tanto tiempo que todavía no puedo creer lo fácil que me vino todo. No es tan bueno, así que no hay nada de qué enorgullecerse aquí, pero yo mismo todavía no tengo idea de cómo se me ocurrieron las letras y la melodía al mismo tiempo, ya que solo pensé en la canción en mi cabeza.
Continuando con todo el asunto de las letras, algunas veces primero se me ocurren las letras y luego les escribo música. Tengo varios ejemplos de esto, pero ninguno de ellos vale la pena escucharlo.
Antes de recibir muchos votos negativos porque "esta es una músicay definitivamente hay habilidad involucrada en el uso de estas cosas para capturar la belleza y la genialidad pura incluso en las cosas más simples. Creo que no es realmente con lo que empiezas lo que importa... es lo que haces con eso.
Al igual que en las artes visuales, esta habilidad viene con el desarrollo de la imaginación. La imaginación puede trabajar con cualquiera de los sentidos. Los perfumistas imaginan aromas. Los chefs imaginan sabores, texturas y aromas. Los músicos imaginan música.
El elemento tiempo es la única diferencia real entre la imaginación auditiva (o audición ) y estas otras imágenes más estáticas . Uno puede tocar una melodía en su cabeza, rebobinando, acelerando. saltando el solfago entre notas consecutivas.
Es básicamente lo mismo que te puede pasar cuando se te queda una canción en la cabeza . A través de la atención y la práctica, uno puede desarrollar una cierta cantidad de control sobre esta habilidad. Habiendo aprendido la letra y la melodía, tal vez también empieces a prestar atención a la batería. Repasando la canción una y otra vez, uno desarrolla la habilidad de escuchar la batería también, y cómo los ritmos interactúan con los ritmos vocales. Algún tiempo después, se agrega otra parte a la mezcla. Y otro. Entonces, simplemente con obsesionarte con tu canción favorita el tiempo suficiente, puedes hacer crecer un sintetizador/secuenciador multipista en tu propio fpga (neocortex).
Soy programador de computadoras y artista de música electrónica, así que tengo una visión diferente de la música de lo que todos describen aquí. Escribir una canción es muy parecido a escribir un programa para mí.
Cuando escribo un programa de computadora, empiezo sabiendo lo que quiero que haga el programa y teniendo que decidir cómo quiero que lo haga. La mejor manera de hacer esto es pensar en el programa en distintos componentes: pequeñas piezas de código que puedo manejar fácilmente. Por ejemplo, si hago un videojuego, escribiré un código que interactúe con el sistema operativo, otro que describa cómo actúan los diferentes personajes y otro que describa cómo dibujar todo en la pantalla. Cada fragmento de código es lo suficientemente pequeño como para sacarlo del programa por completo y ponerlo en uno diferente, y seguiría funcionando. Esto tiene un gran beneficio: cuando estoy trabajando en un código, puedo concentrarme completamente en lo que hace sin tener que recordar qué es todo lo demás.
Escribo música de la misma manera. Empiezo sabiendo qué tipo de emoción quiero retratar. Luego, decido qué "componentes" musicales quiero escribir. Podría elegir una armonía que tenga cierto sabor, un ritmo que sea silencioso o frenético, y una melodía que coincida con mi intención. Luego, a medida que escribo más de la canción, puedo modificar fácilmente o incluso reemplazar diferentes "componentes" de la canción con otros para explorar diferentes matices de la emoción que estoy tratando de representar.
Para abordar su pregunta específicamente, esto es lo que estoy pensando cuando estoy creando una melodía:
La mayoría de las otras respuestas aquí hablan de cómo los compositores obtienen ideas para los sonidos de la naturaleza y cómo el proceso de escribir música es realmente opaco e imposible de precisar. No estoy de acuerdo con ellos. Creo que la música se puede abordar de manera muy intelectual y deliberada, y un compositor inteligente comprenderá cómo las diferentes técnicas musicales afectarán su música.
EDITAR:
Si quieres saber más sobre los tipos de patrones que usan los músicos cuando escriben música, deberías buscar teoría musical. Este es un buen recurso para principiantes: http://www.musictheory.net/lessons
Si desea saber por qué la música "funciona" científicamente, este es un muy buen libro sobre ese tema: http://www.amazon.com/This-Your-Brain-Music-Obsession/dp/0452288525/ . Sin embargo, como compositor, no pienso en las cosas de las que habla directamente cuando escribo una canción. Una vez más, pienso principalmente en términos de teoría musical.
Como se ha dicho, la música probablemente se originó a partir de la imitación de los ritmos del caminar, la respiración, las melodías del habla, el canto de los pájaros, etc. etc. Hoy en día mucha música está bastante lejos de eso. Se ha abstraído y se han encontrado ciertas leyes de la música. Por ejemplo, las notas cercanas entre sí (de cualquier forma, como por frecuencia, tiempo, timbre...) suenan como si estuvieran juntas, mientras que las notas alejadas suenan distintas; el tempo tiene un gran efecto en la cantidad de energía que tiene la música, etc. Usas estas leyes para hacer que la música sea interesante y coherente.
Para mí, hacer música es de alguna manera similar a hacer arte visual abstracto . (Bueno, no tengo experiencia en eso, pero puedo imaginar...) El arte abstracto no representa necesariamente nada concreto. Simplemente usa las leyes de las formas, los colores y la psicología para crear una pieza que de alguna manera parece "funcionar". Diferentes personas lo interpretarán de manera diferente, o pueden no interpretarlo conscientemente en absoluto, sino que lo dejarán hacer lo suyo.
Puedes hacer música con prácticamente cualquier cosa, por ejemplo, cualquier pieza aleatoria de melodía o un acorde. Analizas tus ideas para ver en qué se pueden transformar. En mi opinión, "inspiración" es el sentimiento que se siente cuando analizas y experimentas con estas ideas hasta el punto en que comienzas a ver qué tipo de conjunto podría formar. El resto es mucho trabajo duro.
Se cree que Beethoven pensaría en una oración o frase, escribiría notas que coincidieran con el ritmo y la inflexión, y las usaría como motivo para una pieza. Nunca le dijo a nadie cuál era la frase, con dos excepciones en las que la imprimió en la música publicada: "Le - be - wohl" en la sonata para piano opus 81a, y "Muss es sein? Es muss sein!" en un cuarteto de cuerda.
Una vez intenté tomar una pieza aleatoria de prosa, leerla en voz alta y escribir una melodía para que coincidiera con el ritmo y la inflexión. Funciona, y si es largo obtienes algo más parecido a un primer tema de Schubert que a un motivo de Beethoven.
Toco la mandolina. melodías celtas. Los dedos siguen patrones de memoria muscular. Fideo con patrones conocidos. A veces cometo un error y pronuncio esas dos palabras famosas para los físicos: "Es gracioso". Y luego me pregunto si hice eso deliberadamente , ¿qué sigue después?
Fideos, fideos, fideos.
En los días del Brill Building había una frase "escribiendo de lado" Es decir, comenzando con una canción/melodía/tema existente y cambiándola pieza por pieza hasta que era algo nuevo. A veces, cuando estoy atascado, voy a un período que no está relacionado con lo que estoy tratando de escribir; para la música pop moderna, escucho a Debussy / Ravel. Para música de arte más "formal", escucho Philly Soul o los Beach Boys (tengo que ser yo), y espero hasta que una frase capte mi oído. Entonces estoy fuera y corriendo.
También improvisando sobre una armonía con la disciplina suficiente para dejar de tocar y empezar a escribir periódicamente. Graham Nash dijo que un título de frase verbal implicaría un ritmo.
Esta cita se atribuye a al menos media docena de personas y realmente creo que responde a su pregunta en el 90% de los casos.
"Los buenos artistas toman prestado, los grandes artistas roban".
En el caso de la música, para mí esto significa que los músicos obtienen sus ideas a partir de algo que escucharon de otros músicos. En música, esto es definitivamente cierto porque escuchas las mismas frases, combinaciones de notas repetidas una y otra vez en muchas canciones diferentes. Claro que hay variaciones con ornamentación, acordes modificados o cambios rítmicos, pero las similitudes y las progresiones de acordes son identificables.
Si bien no soy compositor de canciones, ciertamente he creado cientos de riffs que suenan geniales (para mí) y originales jugando mientras aprendo una nueva canción de otra persona. A veces me topé con los riffs simplemente tratando de variar las notas, otras veces por accidente. Y ese era yo, casi sin talento y con poco tiempo para convertirme en un experto en el área de composición de canciones. Solo podía imaginar lo que alguien que era verdaderamente talentoso, creativo, conoce las reglas y cuándo romperlas podría haber llegado a la misma conclusión con una frase que yo haría. Estoy seguro de que podrían crear una base para algunas buenas sinfonías solo con ese método.
El habla se compone de dos partes: las palabras, que contienen el contenido lógico, y la melodía, que contiene el contenido emocional. Considere cualquier frase hablada; cambiando la melodía, la imposición y el acento, el significado cambia, tal como puede cambiarse cambiando las palabras. Por lo tanto, la música es relevante para nosotros en nuestro discurso, y estamos expuestos a esta música todos los días.
Carlos Witthoft