Me preguntaba si alguien por ahí conocía alguna técnica asociada con la tradición minimalista. Me ha interesado mucho la noción filosófica del minimalismo durante los últimos meses y me gustaría empezar a desarrollar una base para una comprensión técnica.
¡Las recomendaciones de libros/compositores también serían extremadamente útiles!
Gracias
La lista anterior es un gran comienzo. Agregaré algunos nombres a continuación, pero primero permítanme hablar sobre la cuestión técnica. Hay algunas técnicas básicas que caracterizan el llamado minimalismo en la música. No todos los minimalistas o posminimalistas usan todo esto, y varios compositores que solían llamarse minimalistas han cambiado de estilo drásticamente a lo largo de los años, pero esta es mi lista corta:
Repetición pulsada. El sonido básico del "minimalismo" son motivos melódicos cortos repetidos sobre un pulso constante, como en In C (1964) de Terry Riley. Por lo general, estos motivos incluyen un ritmo cruzado o son rítmicos cruzados con el pulso básico; que le da a la música su sensación de swing. A menudo, se reproducen múltiples iteraciones del mismo motivo de forma superpuesta. Los patrones suelen ser tonales o modales, y a menudo suenan como riffs de jazz (muchos de la primera generación de "minimalistas" crecieron y eran devotos del be-bop y el jazz modal).
Ajuste de fase. El método descrito anteriormente implica una técnica para "generar" diferentes ubicaciones rítmicas de los motivos por encima del pulso. La primera técnica de este tipo fue "descubierta" por Steve Reich cuando dejó que dos bucles de cinta se desfasaran reproduciendo el mismo material musical. Sus primeras "piezas de fase" ( Piano Phase, 1967) fueron compuestas para permitir que los músicos imitaran el efecto. Una pieza de fase comienza con dos músicos tocando un patrón musical al unísono. Luego, un jugador acelera ligeramente y se permite avanzar lentamente, creando patrones de interferencia complejos, hasta que los dos patrones se "bloquean" con una unidad de tiempo de diferencia, creando una especie de canon cercano al unísono. A principios de Reich, esta técnica de fase se realiza sistemáticamente hasta que los dos patrones vuelven a estar en fase y la pieza se detiene.
Los compositores posteriores y el propio Reich exploraron otras formas de generar patrones entrelazados. Uno se llama "sustitución de tiempos por silencios". En esta técnica, comienzas con un patrón repetitivo sobre un pulso. Luego construye una versión del patrón uno o más tiempos "fuera" del original, una nota a la vez. El juego aquí no es introducir las notas en el orden en que aparecen en el patrón, sino elegir un orden que cree subpatrones interesantes y ritmos cruzados. Echa un vistazo a Música para dieciocho músicos si quieres una clase magistral de esta técnica.
Música para dieciocho músicos también demuestra otra técnica minimalista posterior. Para 1976, Reich había comenzado a agregar notas largas y sostenidas por encima y por debajo de los patrones canónicos superpuestos repetitivos. También comenzó a hacer piezas donde estas notas más largas estaban sujetas a expansión y contracción por múltiplos de dos o tres. Entonces, en una pieza madura de Reich, comienzas con un patrón repetitivo; generar múltiples copias a través de fases o reemplazo de latidos; y luego, cuando tenga una textura completa, comience a agregar notas largas que se dupliquen, redoblen y luego vuelvan a reducirse a donde comenzaron.
Philip Glass trabajó un poco diferente. También favorecía un pulso constante y patrones repetitivos. Pero en lugar de trabajar canónicamente con múltiples iteraciones de un patrón, comenzó con una sola línea, que variaba mediante sumas y restas. ( Música en quintas ) Glass comenzaba con una breve frase melódica, luego le agregaba notas, unas pocas a la vez, repitiendo cada versión un montón de veces, hasta que en la mitad de la pieza, cada ciclo implicaba un complicado cierre y abajo y arriba y abajo. Luego eliminaba sistemáticamente las notas que añadía hasta volver a la melodía original. Pieza terminada. En la década de 1970, Glass estaba trabajando con ciclos de acordes, agregando duraciones a cada acorde en un patrón de manera sistemática pero irregular, y luego quitándolas, para crear molinillos de sonido súper funky (Einstein en la playa ).
Y ese es el conjunto básico de trucos. Los compositores "posminimalistas" posteriores trabajaron con esta plantilla, pero aumentaron el nivel de disonancia en los acordes, hicieron que los patrones melódicos fueran más irregulares y agregaron más sabor al sonido. (Andriessen de la lista anterior fue una inspiración para muchos de estos compositores).
Algunos compositores interesantes de la próxima ola:
Hay otro lado del minimalismo, que es el lado de los drones (el lado de La Monte Young), pero a menos que realmente quieras escuchar sobre eso, lo dejaré ahí.
Hay muchos tipos diferentes de minimalismos, por lo que mi primera sugerencia sería explorar un grupo de compositores diferentes con los oídos extremadamente abiertos:
Philip Glass - Personalmente, mi obra favorita es su ópera Einstein on the Beach , pero sus cuartetos de cuerda también son geniales, y los estudios de piano pueden ser una buena introducción. Su trabajo tiende a operar aún dentro del universo de las estructuras tonales e incluso, hasta cierto punto, de las progresiones tonales, solo que con una gran cantidad de repeticiones. Después de escuchar lo suficiente, la repetición comienza a no sonar como una repetición, al menos para mí.
Steve Reich: sus primeros trabajos tienden a centrarse principalmente en la "fase" de múltiples elementos idénticos. Es decir, le gusta explorar patrones o melodías o progresiones de acordes en las que una copia (o copias) se desfasa con respecto al original. Los ejemplos clásicos son sus piezas de cinta It's Gonna Rain y Come Out , pero también echa un vistazo a algunas de sus piezas acústicas como Music for 18 Musicians . Mi pieza favorita de él es Piano Phase , en la que dos pianos tocan material idéntico, pero se alejan gradualmente el uno del otro en el tempo hasta que uno está solo una semicorchea por delante. Luego se mueven de nuevo hasta que uno está dos semicorcheas por delante, etc.
Terry Riley: solo estoy particularmente familiarizado con su obra más famosa, In C . La pieza tiene un marco fascinante en el que un grupo de músicos procede a través de una colección de fragmentos musicales, pero cada músico decide cuántas veces quiere repetir cada fragmento. El resultado es una alineación inicial y final, con un centro deliciosamente difuso.
Louis Andriessen - Si puedes, definitivamente consigue una copia del CD de Bang on A Can llamado Gigantic Dancing Human Machine . Creo que tiende a haber una cualidad especialmente visceral en su trabajo minimalista, y mucha gente no estaría de acuerdo con que lo incluyera en esta lista, pero echa un vistazo a Hoketus , donde dos conjuntos idénticos a cada lado del escenario (o cualquiera de los oradores) rebotan. notas de ida y vuelta.
Pauline Oliveros - Me gusta especialmente su pieza Sound Patterns . Su música es especialmente parecida a un dron y se basa en ideas meditativas y fascinantes. Lea algunos de sus escritos o conferencias sobre "Escucha profunda" si puede. Puede encontrar sonidos sorprendentes en lugares increíblemente improbables, como el sonido de los procesos vasculares dentro de un árbol acelerado y atenuado para que sean audibles. También hace algunos trabajos de escultura que pueden ser bastante fascinantes y que generalmente incluyen elementos sonoros sorprendentes.
John Adams - (No debe confundirse con John Luther Adams, quien probablemente también debería estar en esta lista, pero estoy menos familiarizado con su trabajo). Su pieza más popular es definitivamente Short Ride in a Fast Machine , y es muy divertida, pero me gusta especialmente su enorme pieza Harmonielehre . Extremadamente emocionante y, a menudo, bastante visceral, la música de Adams a menudo se ve como el ala neorromántica del minimalismo estadounidense y, por mucho que todas estas etiquetas puedan ser exasperantes, entiendo de dónde viene esa descripción. Utiliza declaraciones melódicas poderosas que logran una especie de cualidad elevada que puede ser realmente inspiradora.
Arvo Pärt: en el extremo opuesto, a veces se describe a Pärt como un "minimalista santo" porque su trabajo suele ser austero y se basa en temas religiosos. Armonías absolutamente hermosas. Recomendaría especialmente su popular pieza Fratres , particularmente en la versión para conjunto de violonchelo. Desarrolló una técnica de contrapunto muy específica llamada "Tinntinnabuli" o "Tinntinnabulation" que implica emparejar una línea melódica modal, en gran parte conjunta, con una o más voces "Tinntinnabuli" que siguen el mismo contorno general pero arpegian una armonía particular, generalmente una tríada menor. .
EDITAR PARA AGREGAR: debo señalar que, más allá de un ambiente muy general, es difícil señalar alguna técnica minimalista común en particular. Cada compositor tiende a tener su propio método de exploración, y ellos, en gran medida, no se consideran pertenecientes a ningún tipo de escuela única. Algunos exploran la repetición (a menudo con el objetivo de exponer pequeñas diferencias en el desempeño de las percepciones del oyente que hacen que una repetición sea nueva nuevamente) [Glass, Reich, Adams], algunos exploran drones [LaMonte Young, Oliveros, Pärt], algunos exploran restricciones compositivas [ Luther Adams, Andriessen]. Aparte de "phasing" de Reich, "Deep Listening" de Oliveros y "Tinntinnabuli" de Pärt, no creo que haya mucho que explorar en esa dirección como podría haber, por ejemplo, en Serialism.
EDICIÓN ADICIONAL: El sentimiento general del párrafo anterior es cierto, pero la respuesta de Robert Fink destaca algunas técnicas generales que son relativamente comunes. Grandes ejemplos.
Ely Eastman