Además de tocar la batería, juego con software para crear música. El problema es cuando necesito avanzar más. Puedo tener algunos buenos, digamos "riffs" (o piezas, melodías o ideas), y soy bastante duro con todo lo que creo (hasta que estoy realmente orgulloso de ello, es una mierda para mí), pero tengo ni idea de cómo hacerlo más largo. Tengo muchas "muestras", melodías cortas, pero no puedo hacer que duren más.
¿Hay alguna manera de hacer que la creación de música sea un poco más fácil? ¿Algo de teoría musical? ¿Y cómo conectar piezas, cómo extender una existente? Esas son cosas que realmente me interesan.
Estaría muy agradecido por cualquier respuesta. Me encanta tanto la música como crearla, pero la falta de capacidad para "continuar" me está deprimiendo.
Y sé que había hilo para componer, pero estaba dirigido a la guitarra, y estoy buscando consejos más generales.
Escuche tanta música como sea posible en tantos estilos como sea posible y oblíguese a escuchar música con la que no esté familiarizado o incluso que no le guste . No se puede progresar desde un punto sin referencia. Como cuando aprendes a hablar, aprendes vocabulario de la práctica y emulando a otros. Luego, una vez que haya desarrollado un vocabulario amplio, puede comenzar a hablar como usted mismo. Lo mismo ocurre con la composición (o tocar para el caso).
Técnicamente hablando, la teoría ciertamente no hará daño. Si aprende formas probadas y aceptadas de hacer las cosas "bien", entonces puede tener más confianza cuando rompa esas "reglas" teóricas. Pero recuerda, todo sigue siendo teoría. Tienes que dejar que tu propio oído te guíe.
Además, no pases todo tu tiempo escribiendo en la computadora si puedes evitarlo. Una computadora es una gran herramienta y ciertamente puede aliviar mucho el dolor al escribir, pero es solo una herramienta. La música todavía viene de ti. Usa lápiz y papel y verás la diferencia. Ambos tienen sus lugares.
Finalmente, para practicar, trata de escribir todos los días, incluso cuando te resulte difícil. Si solo puedes escribir un par de compases en un día, eso es mejor que nada. Si necesita alguna estructura alrededor de eso, intente simplemente escribir melodías y no preste atención a la clave o incluso a un compás. Solo trabaja en la melodía. Si haces eso y lo practicas, comenzarás a aprender a incorporarlo en tus composiciones de manera práctica. La melodía es el rey.
Escribo música rock, pero también escribo música clásica. Un conjunto de técnicas que utilizan los compositores clásicos para crear mejores melodías también le permite comenzar con una idea simple y crear algo mucho más grande. Utilizo estas técnicas para escribir música rock. Este conjunto de técnicas se denomina desarrollo de motivos .
Esta es una lista larga, pero puede elegir solo un par para empezar. Una vez que los hayas dominado, puedes aprender algunos más y así sucesivamente.
Un ejemplo de desarrollo de motivos sería el quinto de Beethoven. El famoso, da, da, da, dum al principio se llama motivo. Es como la versión de música clásica de un riff. Beethoven solo tenía cuatro notas en ese motivo, sin embargo, según el tercer enlace en la parte inferior, escribió 506 compases al desarrollar ese motivo de cuatro notas . Entonces, si quieres "estudiar con un maestro del desarrollo de motivos", echa un vistazo a la música de Beethoven.
No dijiste si lees música. Si no, no te preocupes. Todavía puedes usarlos.
La jerga puede hacer que esto suene complicado, pero es solo una lista de formas de modificar un motivo, reorganizando las notas de varias maneras, como un rompecabezas. Después de familiarizarse con algunos de estos, probablemente se le ocurran algunos propios.
Primero escribes un motivo . Es solo un pequeño grupo de notas que crees que suenan bien.
Luego repetirá ese motivo después de que haya sido cambiado por una o más de estas técnicas. Luego lo cambias de otra manera y lo repites de nuevo. Puedes escribir mucha música de esta manera. Beethoven fue un maestro en esto.
La primera técnica es simplemente una vieja repetición . Simplemente repites el motivo.
La siguiente se llama secuencia . Lo repites pero lo has cambiado de tono más alto o más bajo. Así escribió Beethoven ese tema de apertura de ese movimiento. Movió esas cuatro notas hacia arriba y hacia abajo para crear la mayor parte de esa música.
Cambio de intervalo Un intervalo es la distancia entre dos notas. C a D es un intervalo de un paso completo. Cuando lo cambia para pasar de C a Db, ha contraído el intervalo a medio paso. Si pasa de C a Eb, ha ampliado el intervalo a un tercio menor.
- El cambio de intervalo es cuando repites el motivo pero cambias la distancia entre las notas en uno o más lugares del motivo. Si Beethoven hubiera seguido da da da dum con da da da doo, sería un cambio de intervalo.
El siguiente se llama cambio de ritmo . Cuando lo repites, cambias el ritmo.
El siguiente se llama fragmentación . Es donde repites solo una parte del motivo. Podrías seguir eso con una pieza diferente del motivo. Si su motivo es lo suficientemente largo, puede crear una melodía usando solo esta técnica.
Lo siguiente es la extensión . Aquí es donde agrega material nuevo (un nuevo conjunto de notas) antes de la última nota del motivo cuando lo repite.
La compresión es donde elimina notas del medio de la secuencia.
La expansión es donde agrega algún material nuevo (un nuevo conjunto de notas) después de la última nota del motivo cuando lo repite.
La inversión es donde volteas tu motivo al revés. Donde el motivo sube de tono, la inversión baja de tono y viceversa. Esto es bueno para una llamada en respuesta. La "respuesta" (la inversión) es lo suficientemente similar al motivo original para sonar como una respuesta a la "llamada" del motivo.
La introversión es donde rompes el motivo en fragmentos que tienen sentido musical en sí mismos y cambias el orden de los fragmentos para crear el motivo introvertido.
La disminución es donde acortas todos los valores de las notas. Las medias notas se convierten en negras. Las negras se convierten en ochos y así sucesivamente. El motivo modificado es el doble de rápido.
El aumento es donde alargas todos los valores de las notas. Las medias notas se convierten en notas enteras. Las negras se convierten en blancas y así sucesivamente. El motivo modificado es el doble de lento.
La ornamentación es más difícil de explicar. Mantienes el mismo motivo básico, pero le agregas dispositivos elegantes llamados adornos. Podría ser tan simple como agregar notas adicionales entre las notas del motivo a cosas más elegantes como trinos y giros. Para sus propósitos, piense en ello como vestir el motivo para hacerlo más elegante.
La última técnica que tengo para ti es el adelgazamiento . Aquí es donde eliminas las notas. Beethoven hace esto en el primer tema donde reduce da, da, da, dum a notas individuales al final del tema. Puede eliminar cualquier número de notas.
Puedes combinar estos. Puede hacer dos o más de estos cuando repite su motivo la primera vez. Por ejemplo, podría repetir un fragmento en un tono más alto con un ritmo ligeramente diferente.
Cuando haya encontrado la combinación correcta, sonará bien. Funciona. Sonará orgánico, como si perteneciera al motivo.
Para mí es inspirador cuando esto sucede. Mi proceso es dar vueltas probando cosas, pero nada me inspira. Luego, uno o dos días después, algo se solidifica y luego me alegro de haber aprendido estas técnicas.
Si aprende estas técnicas, comenzará a escucharlas en todo tipo de música. Muchos compositores hacen estas cosas intuitivamente.
Te deseo suerte con tu composición.
Si desea saber más sobre el desarrollo de motivos, consulte estos enlaces:
Estos dos enlaces son los que uso para recordarme cuáles son las técnicas y son mi fuente para esta lista:
http://jkornfeld.net/motive_development_1.pdf
http://jkornfeld.net/motive_development_2.pdf
Aquí hay uno que encontré que usa la quinta de Beethoven como ejemplo:
http://tobyrush.com/theorypages/pdf/0210motivicdevelopment.pdf
Además de la buena respuesta de tptcat:
además de solo escuchar música, puede intentar copiar música para usted mismo: grabarla o escribirla. Esto te obligará a observar todos los detalles de la música que estás escuchando. Y cuando hayas copiado una canción (lo mejor que puedas), piensa en qué riffs, piezas, melodías o ideas hay (que podrías haber hecho) y cómo el compositor las amplió o las conectó. Esto podría darle ideas para construir y desarrollar su propio material.
La armonía es el rey , aprende a escribir música 'improvisando', 'ensayando' en un instrumento real.
Al contrario de @tptcat, no escribo música en papel. Y no creo que pueda ser fácil para un baterista que no toca un instrumento multitonal (cuerdas o teclas).
La armonía es el hecho de juntar varias notas. Por ejemplo, manejar una línea de bajo y una línea de melodía, ya es armonía. El pan y la mantequilla de muchas melodías occidentales.
Mis instrumentos favoritos para la composición son la guitarra y el piano o sintetizador. Aunque toma años dominarlos, sucede rápidamente que uno puede tocar piezas simples en ellos muy rápido. Tocar una línea de bajo y una línea de melodía, por ejemplo (progresión de 2 notas).
Pero lo mejor es intentar una progresión de 3 notas, para aprender instintivamente y sentir en las entrañas los movimientos entre los modos, básicamente el círculo de la quinta , que da (dado un punto de inicio, digamos un Do Mayor) las otras 5 posibles acordes que podrías tocar en el siguiente paso casi a ciegas y que siempre sonarán bien (Am, GM, Em, FM, Dm)... aunque a veces no lo suficientemente exóticos o sorprendentes ;-)
Entonces podrías interesarte en todos los modos, Major, Minor por supuesto, pero también Ionian, Dorian, etc... que podrían mostrarte caminos para hacer melodías.
Creo que antes de imaginar música en tu cabeza (eso es escribir con lápiz y papel, y significa años de entrenamiento para mí), tienes que sentir la música en tus dedos, como si tocaras la batería.
Por otro lado: el argumento de @tptcat de escuchar cualquier tipo de música para mejorar la audición... sí, ese es un muy buen consejo. +1.
Intenta cantar una de tus canciones favoritas fuera de tono. Luego cántalo en clave. Pregúntese: ¿qué hace que funcione? Cambia algunos compases de tu canción favorita y mira lo que obtienes. No te preocupes si lo destruyes en el proceso. Simplemente agregue algunas barras propias y continúe. Trate de aprender a improvisar? Pregúntese qué funciona para usted (no para mí)? Pruebe este ejercicio incluso si no tiene ganas de hacerlo (todos los días).
Creo que las composiciones se generan a partir de las experiencias de la vida de uno. Vive tu vida al máximo, el descanso vendrá persiguiéndote. Deja que tus sentimientos te guíen por un tiempo y verás la diferencia.
Lo importante es que siempre aprecies tu composición si surge de tus experiencias de vida y el sentimiento que surgió dentro de ti al pasar por eso.
Finalmente, ¡sigue practicando!
Otra forma potencialmente útil de componer:
Echa un vistazo a las diferentes formas que se utilizan en la música clásica y utilízalas como guía para tu propia música. Por ejemplo, tome la forma ternaria: https://en.wikipedia.org/wiki/Ternary_form donde el patrón es ABA.
Cree una melodía A interesante, luego tal vez realice un cambio de clave a una nueva melodía B, luego regrese a A con algunas cosas adicionales agregadas. Junta esas melodías una tras otra y tendrás una pieza musical con un desarrollo interesante. O puede probar la forma binaria, la forma de 32 barras, etc., etc.
Más información sobre diferentes tipos de formularios aquí: https://en.wikipedia.org/wiki/Musical_form
Nota: Tome lo anterior con pinzas. Apenas estoy empezando a recomponerme.
Bueno, supongo que te refieres a canciones con una línea melódica y no a solos de batería. Por lo tanto, sería mucho más fácil para usted, creo, escribir en qué está trabajando si tiene un instrumento afinado a mano. (Toco la batería, pero nunca he escrito una canción con ella. Sin embargo, la guitarra, el piano y la trompa me han llevado a algunas ideas interesantes). Software como MuseScore, Finale y Sibelius son una ayuda definitiva al escribir canciones menos para mí) por muchas razones. Lo siento si esto no es útil...
Y no te preocupes si te bloqueas como compositor; De hecho, estoy saliendo de un episodio de eso y es bastante emocionante, en realidad. ¡Simplemente no te rindas!
Bueno, una forma de hacer una melodía más larga sería "encadenar" algunas de esas melodías cortas que tienes. Un poco de teoría ayudaría mucho en ese sentido, porque es posible que necesites hacer algo de transposición y/o modulación, si quieres que todo esté en la misma clave o si quieres hacer algunos cambios de clave.
Si desea poder conjurar algo de música de la nada, una forma de simplificar el proceso es establecer un conjunto de parámetros, dentro de los cuales puede jugar hasta que se le ocurra algo. Elija una clave, decida si quiere menor o mayor, tal vez elija un modo, decida un compás... usted es baterista, así que ahora aproveche ese hecho; invente un patrón simple en el tipo de compás que eligió, luego escriba las notas. Puedes usar eso como base para la melodía, simplemente usando la sincronización de esas notas y los silencios; luego asigne una nota real a cada golpe de batería. Te puede gustar lo que escuchas o no, pero ahora tienes un punto de partida, puedes jugar con ese patrón melódico hasta que te guste o empezar de nuevo desde cero...
Llega tarde a la fiesta, pero me gustaría ofrecerte este sincero consejo de todos modos:
APRENDE UN PEQUEÑO PIANO
No importa qué más hagas como baterista, productor, músico, aprende un poco de piano.
Como mínimo, consigue un teclado barato, toma algunas lecciones, llega al menos al punto en el que puedas tocar algunos acordes con la izquierda y una melodía simple con la derecha. No tomará mucho tiempo, pero hará una gran diferencia para ti, a partir de ese momento, no solo en la composición, sino en muchas otras formas.
nada101
Antonio
Remy