Digamos que he escrito una canción con la progresión de acordes I-IV-V en la clave de A (solo como ejemplo). Entonces, los acordes que estoy tocando son ADE. Al tocar un solo sobre este ritmo, ¿qué notas debo seguir sobre cada acorde? Es decir, al tocar un acorde de A, ¿debo ceñirme a las notas que componen el acorde? ¿Existen reglas sobre qué notas suenan bien sobre qué acordes? Cuando me muevo a D, ¿hay notas que debo evitar o continuar?
Lo pregunto porque tengo una melodía que me gusta y me gustaría acompañarla con una guitarra rítmica, pero no estoy seguro de cómo elegir los acordes (básicamente al revés de cómo hice la pregunta, pero me gustaría Me gustaría saber ambos). Estoy empezando a aprender teoría musical y no estoy seguro de cuál es la mejor manera de formular mi pregunta.
No hay una respuesta definitiva a esta pregunta además de "Intenta ser Paul McCartney". Dicho esto, aquí hay algunas pautas que espero sean útiles:
No use solo tonos de acordes (es decir, notas que están en el acorde que está tocando en este momento) y no use solo tonos que no sean de acordes. Los tonos que no son acordes le darán a su melodía una sensación de impulso y tensión, mientras que los tonos de acordes le darán a su melodía una sensación de estabilidad y liberación. De los tonos de acordes, las raíces y las quintas tienen la mayor estabilidad, mientras que las terceras y las séptimas logran un buen equilibrio. Demasiado de cualquiera de los dos no es bueno: demasiada tensión e impulso, y corre el riesgo de que su melodía se salga de control, lo que finalmente se siente caótico. Demasiada estabilidad, y su melodía sonará aburrida y aburrida.
Básicamente, esto significa que su melodía no debe saltar demasiado; algunos intervalos grandes están bien y pueden ser realmente dramáticos, pero la mayoría de las veces, su melodía debe apegarse a unir notas que están cerca unas de otras. De lo contrario, es difícil para el oído del oyente mantenerse al día.
Por ejemplo, supongamos que está tocando la progresión de acordes ADE que mencionó. C # es el tercero del acorde A, y D es la raíz del acorde D (obviamente). Entonces, una melodía que toca el C# y luego el D está empleando la dirección de la voz.
Así que tienes el desafío opuesto: elegir acordes para adaptarse a una melodía. Como antes, no hay una forma correcta de hacerlo, pero nuevamente, aquí hay algunas pautas:
"Eleanor Rigby" --- "Rig" y "by" son tonos de acordes, y la melodía aterriza en "by" como una roca. Esa nota es la raíz del acorde, y le da mucha estabilidad a la melodía, lo cual es bueno porque la siguiente línea es...
"Recoge el arroz en una iglesia donde ha habido una boda" --- "Rice" y "church" no son tonos de acordes, y tienen mucho impulso. Esta línea es casi como una montaña rusa: "Recoge el" es el ascenso inicial, seguido de un punto de tensión sostenido brevemente en "arroz", luego una caída rápida, un ascenso rápido y luego otro punto de tensión sostenido brevemente en "iglesia", otra caída, etc. Termina en "estado", que es un tono de acorde para el siguiente acorde (el acorde IV). Estabilidad y liberación después de la tensión y el drama de la montaña rusa. Pablo sabía lo que estaba haciendo.
Podría seguir, pero llevaría mucho tiempo, y esta es la idea principal. ¡Buena suerte y disfruta de la aventura de la composición!
No soy muy bueno en la teoría, pero dejaré mis observaciones aquí. Hay algunas maneras de abordar este problema:
Tengo melodía, quiero acordes
Tengo acordes, quiero melodía
Método alternativo
Sé que este hilo es antiguo, pero para las personas que lo encuentran a través de Google, quiero agregar este artículo. Es bastante fácil de leer (en cuanto a la teoría) y está bien documentado.
David Temperley, El divorcio melódico-armónico en el rock http://davidtemperley.com/wp-content/uploads/2015/11/temperley-pm07.pdf
La esencia del artículo es que la música rock tiene dos modos melódicos: uno en el que los tonos de la melodía concuerdan con la armonía de forma tradicional, y un segundo en el que la melodía se mueve independientemente de los acordes. Le llevará varios pasos más allá del típico método de 'cómo escribir una canción pop' de hacer coincidir la melodía con los tonos de los acordes con algunos tonos que no son de acordes embellecedores.
Este es un sólido análisis de teoría musical sin condescendencia hacia la música rock.
La mayoría de la música moderna usa una versión un poco más simple de algo llamado "teoría de la escala de acordes". En este sistema, las notas de la melodía que están “permitidas” están determinadas por la escala. Si un acorde no contiene notas fuera de la escala, puede tocar cualquier nota de la escala sobre el acorde. En este caso, todos los acordes están dentro de la escala, por lo que solo tocarías notas de La mayor.
Este no es siempre el caso. Por ejemplo, una progresión de acordes algo común es C,E7,Amin. E7 contiene un G#, que no está en Do mayor. En la teoría de la escala de acordes, si hay una nota en el acorde desde fuera de la escala, esa nota reemplaza a la nota en la escala. Entonces, en este caso, tocarías en Do mayor con G#.
También hay algunos conceptos a tener en cuenta llamados "tonos de guía" y "notas para evitar".
Los tonos de guía son notas que suenan bien sobre un acorde, normalmente la 3ª y la 7ª. Sobre el acorde A en su ejemplo, estos serían C # y G # (con el G # prestado de la escala). Sobre el acorde E, estos serían G# y D (con D tomado prestado de la escala).
Las notas a evitar son notas que suenan extra disonantes sobre un acorde. Esto implica cualquier nota que no esté en un tono de acorde o un paso completo por encima de uno. En su ejemplo, eso sería una D sobre el acorde A, o una A sobre el acorde E. Estos generalmente se evitan o se juegan rápidamente.
La palabra de moda con la que baila su pregunta es conducción de voz. Búsquenlo en sus libros de texto.
La respuesta literal a su pregunta es "puede que no haya ninguna relación". Por ejemplo, las variaciones "Goldberg" de Bach incluyen unas cuantas docenas de instancias de las mismas progresiones de acordes (acordes rítmicos), cada una con melodías muy diferentes.
Cuando se toca un acorde junto con una melodía, la mayoría de las notas de la melodía que no están en el acorde crearán "tensión" y querrán moverse hacia uno de los tonos del acorde (generalmente el más cercano). Cuando una melodía pasa de un tono de acorde a un tono que no es de acorde, la tensión aumentará significativamente; cuando pasa de un tono que no es de acordes a un tono de acordes, la tensión disminuirá significativamente. Si bien algunos tonos de acordes pueden tener un poco de tensión asociada, el movimiento entre los tonos de acordes generalmente solo tiene un efecto mínimo en la tensión.
Mucho de lo que hace que la música sea interesante es la creación y liberación de tensión. Algunas piezas crean tensión al comienzo de cada compás y la resuelven rápidamente, mientras que otras liberan la tensión y el comienzo de cada compás pero luego la vuelven a imponer rápidamente. En muchos casos, incluso tocar la melodía sin acompañamiento puede crear una sensación de tensión y liberación; en melodías en las que eso es cierto, generalmente se debe tratar de colocar acordes para que encajen con las notas "no tensas" de la melodía. Si una melodía no tiene un sentido claro de las notas "tiempo" y "no tiempo", puede ser necesario experimentar. Algunas melodías se pueden armonizar para crear un patrón de "tiempo-relajación" o "relajación-tiempo".
Cuando estoy improvisando la armonía de una melodía, el tono del quinto acorde rastrea las notas armónicas de la melodía (generalmente las notas del primer y tercer tiempo de cada compás) excepto las Resoluciones (acorde I) al final de los versos, Turnarounds (acorde V7). ) para configurar el siguiente verso y Break (acorde I7) para configurar el puente. Además, dado que la mayoría de los puentes comienzan en un acorde IV y terminan en un acorde V, esos son los que uso para comenzar y terminar los puentes. A esto lo llamo "seguimiento del tono de quinto acorde".
Aquí está mi respuesta a la pregunta de StackExchange "Decidir qué acorde usar":
Dado que los acordes I, IV y V a menudo funcionan para la mayoría de las melodías, es mucho más fácil aplicar esta misma idea de la siguiente manera: toque las notas fundamentales en intervalos de 1, 3 o 5 notas DEBAJO de cada nota melódica tocada en los tiempos principales principales. . Estos tres intervalos de notas de bajo melódico funcionarán la mayor parte del tiempo, especialmente para canciones sencillas. Sobre todo, puede usar este esquema simple para identificar las notas fundamentales simplemente mirando y reflejando cualquier nota que esté tocando con la mano derecha (con poco o ningún esfuerzo mental).
Para encontrar el acorde, toque la nota de bajo y las notas en intervalos de 3 y 5 notas ARRIBA de la nota de bajo (o 1-5-10). Después de tocar tres o cuatro canciones sencillas (p. ej., villancicos navideños tradicionales), preferiblemente todas en la tonalidad de do o do menor, aprenderá rápidamente qué intervalos de notas bajas y melodías (incluidos otros intervalos de notas) en momentos, lugares y estados de ánimo específicos. dentro de una canción.
david jacoby
Anónimo
usuario28