¿Cómo puedo hacer que las voces se destaquen mejor en la mezcla al grabar?

Bueno, esta es una gran pregunta, así que permítanme comenzar con una gran respuesta: http://www.amazon.com/Mixing-Secrets-Small-Studio-Senior/dp/0240815807/ref=sr_1_1?s=books&ie=UTF8&qid= 1426508544&sr=1-1&keywords=mezcla+secretos

Ahora para la respuesta más pequeña más apropiada para este formato.

1. Una buena mezcla comienza con el arreglo incluso antes de grabar. Si los violines ahogan la parte vocal más importante, no toque (o silencie) los violines en esa parte.
2. Si tienes que tener los violines ahí, haz las voces más fuertes o los violines más bajos o ambos. Si desea que los niveles relativos sean diferentes en diferentes secciones, para eso está la automatización . O puede copiar la grabación del violín en una pista diferente, configurar los diferentes niveles de volumen para las dos copias y luego silenciar y reactivar el sonido en los momentos apropiados.
3. Si la configuración de nivel no es suficiente, entonces es hora de EQ. Cortar EQ es fácil. Intente cortar las frecuencias altas del violín, o corte con un filtro variable y luego bájelo en frecuencia hasta que comience a agacharse detrás de las voces. Impulsar el ecualizador es mucho más difícil de hacer bien y requiere mucha práctica. Puede intentar realzar alguna parte de las voces, pero puede hacer que suenen peor y no mejor.
4. ¿Necesitas mas? Pongámonos en 3D. Haz que los violines vayan hacia el final de la mezcla dándoles más reverberación con un pre-retardo más corto (0 a 30 ms aproximadamente). Si quieres algún verbo en las voces para endulzarlas, asegúrate de que tengan un pre-delay más largo que los violines (50 a 500 ms o incluso hasta 2000 ms si suena bien). Si está tratando de enviar algo lejos, realmente ayuda reducir los agudos y agregar reverberación. El espacio de aire natural corta los máximos, por lo que en la vida real los máximos se reducen con la distancia.
5. Me salteé el 2D, ¿no? Bueno, la panorámica es un arte. A veces puede sonar realmente desordenado. El estilo moderno es que las cosas más importantes siempre están al centro (más o menos). Así que deja las voces en paz. Tira los violines hacia un lado o hacia el otro, pero no muevas nada completamente a la izquierda oa la derecha a menos que estés haciendo algún efecto especial. Si tiene más de una pista de violín, panee pistas separadas a los lados, lo que también puede hacer que los violines rodeen un poco al oyente, lo cual es genial.

Sí, usar diferentes micrófonos en diferentes instrumentos marca la diferencia, pero lo que realmente estás haciendo es hacer estos trucos de mezcla incluso antes de mezclar. La elección del micrófono y el preamplificador, la distancia y la ubicación del micrófono, y todo tipo de otras opciones de grabación son básicamente formas creativas de hacer niveles, ecualización, reverberación y panorama durante el proceso de grabación en lugar de durante la mezcla. Con ese fin, desea usar su mejor y más brillante equipo en la pista vocal, microfonear al cantante en el eje con una distancia bastante corta (4" - 12"), aumentar el escenario adecuadamente, etc. El objetivo es obtener todo el posible sonido que pueda del cantante para que lo tenga si lo necesita. Para las cosas que se supone que están en segundo plano, haz lo contrario. Use un micrófono más antiguo con menos respuesta de frecuencia, colóquelo más lejos, apúntelo fuera del eje, etc.

Un truco más que se usa a menudo en los coros: haga una doble pista de las partes importantes que aún no desea que dominen el sonido. Eso significa tocar y grabar la misma parte dos veces y reproducir ambas en la mezcla. Querrá que cada pista sea de 3 a 6 dB más baja en la mezcla cuando las duplique. Puede panoramizarlos a lo ancho o mantenerlos juntos para que suenen más pequeños. Reverb y EQ como arriba, etc. Básicamente, las diferencias de fase en las interpretaciones reducirán la claridad y el dominio de esas partes.

¡Que te diviertas!

Puede probar a través de varios micrófonos y ver qué diferencia hacen en presencia del cantante. Sin embargo, trabajar con ecualizadores produce un sonido "antinatural". Si bien los micrófonos también influyen en la respuesta de frecuencia, lo hacen de una manera bastante consistente.

Pero parece que lo que básicamente estás tratando de hacer aquí es ponerle lápiz labial a un cerdo. Un violín tiene el mismo rango que las voces femeninas (comenzando prácticamente idéntico a un alto y cubriendo a un soprano). Tiene un tono continuo, un rico espectro de armónicos proveniente de su acción de cuerda básica similar a un diente de sierra y un cuerpo resonante de tamaño similar a las estructuras vocales. Es uno de los instrumentos más populares precisamente porque sus cualidades tonales recuerdan a la voz humana y, por lo tanto, es capaz de evocar una respuesta emocional similar.

Como resultado, no querrás que un violín compita en el espacio melódico con una cantante. Es un poco diferente para toda una sección de violín: como textura , puede fusionarse mejor con el fondo y también será un poco más fácil de ecualizar sin sonar extraño.

Por supuesto, hay excepciones: el "Agnus Dei" de la misa en si menor de Bach tiene un cantante alto y un violín como instrumentos solistas. Sin embargo, notará que sus frases solistas se mantienen en su mayoría separadas, una tiene notas largas o una pausa mientras que la otra tiene frases más complejas. Cuando de hecho son paralelos, la parte vocal tiende a estar en tonos más dominantes y el violín tiende a copiar los movimientos y acciones vocales y actúa más como armonización.

También ayuda que esos dos instrumentos sean los únicos que compiten en ese rango de tono: aparte de eso, solo hay un bajo. Entonces uno tiene una mejor oportunidad de escucharlos a ambos por separado, básicamente la esencia de escuchar la polifonía barroca. Pero ese no es el tipo de habilidad/atención continua que se espera de un oyente de música popular.

¿Estás grabando "en vivo" o construyendo la canción pista por pista (quizás con la idea equivocada de que esa es la forma "profesional" de hacerlo?) ¿Puede el violinista escuchar a la cantante mientras toca su parte (y está ESCUCHANDO?) Cuando los buenos músicos tocan con sensibilidad, se necesitará muy poca "mezcla".

Una grabación estéreo real podría ser excelente: coloque a todo el grupo en una habitación con un buen sonido y un par de micrófonos estéreo frente a ellos. Tal vez solo un micrófono extra para el vocalista, en el centro panorámico. Sin embargo, en estos días es más habitual darles a todos un micrófono cercano y algunos instrumentos alejados del centro. ¡No es tanto una técnica común como una esencial!

Se le ha ofrecido una selección de soluciones técnicas para una combinación de problemas. ¡Le sugiero encarecidamente que vuelva a la fuente y resuelva cualquier problema musical primero!

¿El cantante tiene buena dicción? Tal vez no puedas escuchar las palabras porque no las está cantando con claridad. Los vocalistas a veces necesitan ser persuadidos de que la "sensación" no se destruye con una dicción clara.

Un último pensamiento. A veces, un vocalista, que no tiene confianza en su propia voz, pide que lo BAÑO con reverberación y otros efectos. ¡Esto no ayudará!

Algo está sentado donde deberían estar las voces. Tienes que averiguar qué es para cada parte de la canción . Intente silenciar a todos los sospechosos y combinaciones de ellos hasta que descubra cuál es su problema. Ahora, para cada sección de la canción, debes saber por qué hay un problema. Puede ver la mezcla como la organización del sonido en una sala 3D donde los 3 ejes son Paneo (lados), Frecuencia (altura) y Volumen (profundidad) . También está el "tamaño" de cada elemento, relacionado con los efectos del tiempo. Aquí hay algunas posibilidades y soluciones:

• Soluciones relacionadas con Volumen:

La más obvia sería subir las voces y bajar el resto, pero hay más en el volumen que eso. El rango dinámico de las voces puede ser demasiado grande. Esto significa que las partes de alto volumen son mucho más fuertes que las de bajo volumen. El problema aquí es que si subes el volumen de tu voz para poder escuchar las secciones silenciosas, las más fuertes sonarán demasiado. La solución a esto es la compresión , ya que reducirá el rango dinámico. Este es probablemente el consejo más importante para incluir voces en una mezcla . También puede probar efectos de saturación como overdrive y distorsión (también reducen el rango dinámico) en lugar de un compresor. Experimente con la compresión y la saturación.

• Soluciones relacionadas con Panorámica:

Esto probablemente no va a resolver su problema, pero puede ayudar. Si las voces son una parte clave de la canción, y probablemente lo sean, debes mantenerlas centradas, pero puedes tratar de dejar tus problemas a un lado para que no estorben, siempre que suene bien.

• Soluciones relacionadas con la frecuencia:

Esto es realmente importante. Mencionaste que la voz del cantante tiene frecuencias altas. Intenta sacarlos de los violines, por ejemplo. Además, intente identificar más fuentes de problemas y qué frecuencias tienen en común con la voz . Si dedica algún tiempo a identificar todas las fuentes de problemas y evaluarlas correctamente, los resultados serán realmente buenos. Intenta trabajar principalmente con ecualizadores sustractivos: no aumentes demasiado las frecuencias.

• Soluciones relacionadas con Time FX:

Tal vez la voz debería ser más grande dentro de la pista. O más pequeño. Esto varía mucho según la canción en la que esté trabajando. Si la pista de voz ya tiene retrasos, reverberaciones o cualquier efecto espacial, deshágase de ellos. ¿Suena bien? Intente reintroducir la reverberación o el retardo hasta que encaje bien.

Recuerde: 1. Identifique la fuente del conflicto; 2. Pruebe estas cuatro categorías de soluciones, una por una; 3. Pase a otra fuente.

Junto con el filtrado, la ecualización y la reverberación (probablemente en orden inverso de prioridad para el género folk) existe una forma bastante buena de crear el tipo de separación que busca, si no tiene miedo de perder parte de su la cuerda 'cuerpo' si la mezcla alguna vez se reproduce a través de un sistema de audio monoaural.

Primero, copie la parte de cuerdas de la competencia en dos pistas [panorámicas totalmente a la izquierda/derecha respectivamente], y en una de ellas, compárela entre 2 y 4 ms (con un retraso, completamente procesada, sin señal seca en el canal retrasado). Luego, en el canal retrasado, invierta la fase (muchos DAW y mezcladores tienen un botón para esto directamente en la consola). Para tu voz, déjala más o menos centrada en una sola pista. De esa manera, las cuerdas ganarán la ilusión de extenderse por la habitación, mientras que las voces permanecerán firmes y enfocadas en el medio.

Tendrás que ajustar meticulosamente cada detalle de este método, desde el retraso utilizado hasta cómo usas la reverberación y el ecualizador para volver a mezclar los resultados. Los resultados, sin embargo, valen absolutamente la pena el tiempo invertido y hay muchas formas de mejorar la técnica general.

Puede encontrar un resumen general de las técnicas y cómo se pueden aplicar de manera compleja aquí: http://www.independentrecording.net/irn/resources/phasepol/content/txt_wrap_stereo.htm

Esto es lo que intentaría:

1) Eq: si puede reducir los tonos más penetrantes del violín (¿rango medio superior?), Permitirá que la voz toque un poco. Esto es probablemente lo más fácil de probar si tiene un ecualizador paramétrico en su mezclador.

2) Panoramizar los violines a cada lado: como sugirió Todd Wilcox, esto puede dar como resultado que los violines sigan 'en la mezcla', pero las voces sonarán más definidas en el medio. Sin embargo, el efecto se pierde si se escucha en mono.

3) Compresión. Puede aplicar esto en toda la pieza o solo en los violines y las guitarras. Los compresores de estudio a menudo tienen una entrada separada para el sonido que impulsa la compresión (a veces llamada señal de 'disparador'). No escuchas eso en la mezcla resultante, es solo una señal de activación. Si está aplicando el compresor a toda la mezcla, puede configurar la señal de disparo para que sea toda la canción, pero con la voz más alta en la mezcla para que sea más persuasiva sobre lo que hace el compresor.

De ello se deduce que la mezcla que entra en el disparador no es la misma que la mezcla principal, por lo que podría haber algunos trucos de mezcla para hacer allí. Usualmente uso un envío de efectos de repuesto para hacer esto.

Así que en pocas palabras:

• Aplique compresión sobre toda la mezcla (al menos al principio)
• La señal de activación para el compresor es la mezcla completa más un poco de voces adicionales
• También puede intentar aplicar la compresión solo sobre violines y voces, o sobre algún subconjunto de la mezcla.

El resultado será que la voz intentará "sentarse" justo por encima del resto de la música en volumen, ya que el compresor utiliza un poco más de voz que el resto para determinar el volumen general.

Aunque hay que tener cuidado con esto. Si obtiene demasiada voz en la señal de activación del compresor, puede terminar con una voz demasiado dominante y terminar con un efecto de "voz como una bocina de niebla". Un ejemplo se puede escuchar en "And I will always love you" de Whitney Houston justo después del cambio de clave, donde su voz prácticamente ahoga el resto de la música. También los DJ usan compresores de esta manera para que cuando hablen sobre un disco, el disco se apague automáticamente y puedas escuchar su -er- sabiduría. Sin embargo, ese es un ejemplo bastante salvaje. ¡Probablemente quieras algo mucho más sutil que eso!

Para que un vocalista se destaque en la mezcla, debe hacer lo siguiente:

1. Use un compresor en la pista vocal, con una relación de compresión fuerte. Este es realmente un paso esencial en cualquier pista vocal. Solo asegúrese de poner también una puerta de ruido para eliminar las partes en las que el cantante está en silencio.
2. Ecualizador en la pista vocal: utilizando buenos altavoces de referencia, su objetivo es primero hacer que el cantante suene como si estuviera cantando frente a usted, lo que significa corregir realmente la pista grabada para que suene lo más parecido a una actuación en vivo. Realmente no puedo decirte cómo hacer esto aquí porque eso depende mucho del tipo de micrófono y la respuesta de frecuencia en la que graba. Tendrás que resolver esto tú mismo. Y luego, una vez que haya hecho eso, coloque un eliminador de silbido (este suele ser un compresor multibanda que está configurado para comprimir el rango de 4Khz + de gama alta para eliminar los sonidos "SSS" de los saltos), y luego - agregue brillo a los agudos ( 3khz - 8khz) rango para hacer que el cantante suene más "al frente", y una pequeña reverberación.
3. No es necesario, pero puede beneficiarse mucho si tiene este equipo: coloque un compresor de cadena lateral o un ecualizador de cadena lateral cada vez que el cantante cante para "esquivar" cualquier instrumento que interfiera como los violines o similares.

Esto debería hacer el trabajo.

Un primer paso básico sería usar filtros/EQ para cortar las frecuencias de la voz con los instrumentos en conflicto (y quizás un poco de los bajos de la voz). Pruébelo con filtros básicos de paso alto/bajo y verá en unos minutos si esto ayuda. Si es así, puede tomar más tiempo ajustarlo para que se corten la menor cantidad de frecuencias posible y aún así hacer que suene bien.

Es un proceso tedioso, pero la práctica te ayudará mucho y te hará mejor y más rápido.