Cómo entender la estratificación de múltiples elementos en una composición (pop/jazz)

Un enfoque tradicional de la composición es tocar/escribir todas las partes para el piano y crear lo que se llama la partitura de reducción para piano. A partir de esto, extrae y asigna partes para el conjunto. Una analogía con la pintura: dibuje la forma básica en el lienzo y luego trabaje cada parte (generalmente desde el fondo hasta el primer plano) con color, sombra, reflejos, etc.

En tu caso estás componiendo para "Piano, Batería y Bajo". Sugeriría primero trabajar la melodía, la armonía y el ritmo en el piano. Una vez que hayas traducido tus patrones en tiempos, notas y compases, comienza tu grabación desde el principio. Eso sería primero la batería, luego el bajo, luego el piano. Si prefiere hacerlo de otra manera, al menos proporcione una pista de 'clic' como referencia de ritmo para que pueda mantener el tiempo mientras descansa en las pistas restantes. Cuando haya terminado de grabar todas las partes, simplemente elimine o silencie la pista 'clic' antes de hacer la mezcla maestra.

Cuando compongo, trato de imaginar todo como sonaría cuando esté terminado o puede que ya tenga esta imagen en mi mente y me encuentre desarmándola para ver cómo se puede construir. Otro enfoque es comenzar con una melodía simple y desarrollarla para crear la armonía (acordes o voces adicionales) y el desarrollo como variaciones o versos, coros o elementos de puente, todo según el estilo, etc. Un buen ejemplo del método aditivo sería sean las fugas, cánones o preludios de JS Bach.

Dado que su objetivo es Pop/Jazz, no olvide que en el jazz tradicional, todos los miembros del conjunto pueden hacer un solo. Creo que esto depende de cuántos jugadores hay en el grupo y su habilidad para tocar solos e improvisar. No recomendaría a todos tomar un solo en una banda de 12 piezas. El solo puede ser diferente cada vez, o el compositor puede dejar instrucciones sobre cómo establecer algunos límites musicales en el solo, o incluso deletrearlo. Otra cosa genial de esto es que puedes hacer de esto una parte variable de la pieza, por ejemplo, puedes tener 2 minutos adicionales para matar para completar tu set, así que ¿por qué no extender la pieza con más improvisación y solos?

Como históricamente el piano ha sido una herramienta de composición muy útil porque puede cubrir tanto el rango de notas de la orquesta como la dinámica ("silencioso" a "fuerte", también conocido como pianoforte), también lo es el sintetizador moderno con un dispositivo de grabación multipista. /software puede ser una extensión de esto. Un buen sintetizador actual tendrá teclas contrapesadas como un piano y ofrecerá una acción compatible con la adición de voces extendidas (1000). Conectado a una máquina de grabación multipista o a una computadora que ejecute software de grabación, el compositor puede ahora modelo, y mezcla su idea con más claridad que con una partitura de piano.

Otro enfoque es usar software de notación automatizada con muestras de sonidos como Sybelius o Finale, que permite la notación y la audición y hace que todo el proceso de copiar partes para cada intérprete sea mucho más rápido y fácil que contratar a un copista.

A menudo, el proceso de composición se trata más del proceso del compositor y de cómo el compositor ha desarrollado el flujo de trabajo óptimo para lograr su visión. Por lo tanto, cada artista se enfrenta al aprendizaje de una metodología que abraza su viaje. Todos comenzamos aprendiendo el mismo proceso, pero terminamos cambiándolo para adaptarlo a nuestra forma personal de hacer las cosas.

¿Podría ser que necesites la progresión de cada elemento para evolucionar en el tiempo entre sí?

Bueno, normalmente ni siquiera hablarías de diferentes progresiones de acordes; es simplemente LA progresión de acordes, sobre la que tocan todos los instrumentos. Los modos suelen ser globales. Entonces, un flujo de trabajo típico si está satisfecho con una primera parte de un solo instrumento sería extraer los modos de esa primera parte y convertirlos en la base de las otras partes. De hecho, rápidamente comenzará a hacer esto de forma bastante automática con un poco de práctica. También puede simplemente improvisar en la primera pista en bucle, comenzando con unísono de la parte anterior (o lo que se puede tocar en el siguiente instrumento) y evolucionando a algo diferente.

También depende del tipo de canción que estés tratando de escribir. Si su estilo de música está más basado en el groove (es decir, más soul, funk, hip-hop, dance, soul-jazz o incluso algo de hard-bop), entonces generalmente comienza con el elemento central de ese groove. Por ejemplo, Cantaloupe Island de Herbie Hancock en Empyrean Isles (1964) probablemente escribió esa canción alrededor de la parte de piano. La música de Another One Bites the Dustde Queen probablemente comenzó con esa famosa línea de bajo. Una vez que tienes ese elemento central del ritmo, simplemente construyes las otras partes instrumentales alrededor de eso en función de lo que apoya el ritmo pero no se interpone en el camino. Para desarrollar la canción, coloca capas de otros instrumentos que encajan en el ritmo, elimina instrumentos, cambia el volumen, agrega más o menos notas al ritmo para desarrollarlo, o simplemente agrega otras secciones a las que va y luego regresa al ritmo. . Si es un buen surco, la base no necesita cambiar mucho.

Si está escribiendo un estilo bop, cool jazz o Blue Note de los 60, esas canciones generalmente comienzan con un conjunto de cambios de acordes de 12, 16, 24 o 32 medidas y luego escriben la melodía o visa-verso.

Mucha música rock/country se basa en un par de acordes repetidos para el verso, otro par de acordes repetidos para el estribillo y luego algo más para el puente.

Finalmente, mucha música se basa en ganchos pegadizos y todo lo demás es muy simple. Nadie nota la simplicidad porque el gancho es muy bueno.

Una manera fácil y divertida de aprender a hacer esto es tomar una canción con una estructura que te guste y comenzar a modificarla. Cambia un ritmo, cambia acordes, agrega notas, agrega partes, agrega instrumentos, lo que quieras hasta que nadie pueda decir que era la canción original. Incluso si nunca usas eso para nada, todavía has tenido una buena lección en el desarrollo de una canción. Una vez que haya hecho eso un par de veces, puede comenzar a hacerlo con sus componentes originales y modificar/crear desde allí.