¿Cómo cambiar drásticamente el sentimiento de una canción manteniendo la melodía prácticamente igual? Digamos que tenemos una canción pop alegre y optimista y queremos convertirla en una canción triste (o viceversa). ¿Es generalmente posible? ¿El sentimiento de una canción depende más de la melodía o de la armonía?
Si se puede hacer, ¿existen reglas generales o patrones comunes que podamos seguir? Alguien que tenga tiempo puede explorar infinitas formas, pero las reglas generales pueden servir como buenos puntos de partida y ayudar a aquellos con poca experiencia en composición.
Sería bueno si pudiera proporcionar un ejemplo de dos pasajes con la misma melodía pero sentimientos opuestos o muy diferentes, y explicar brevemente las diferencias estructurales de los dos pasajes.
Aclaración : La transposición de la melodía de mayor y su relativa menor es un cambio demasiado grande para mí. Si es posible, me gustaría conservar el tono relativo de las notas en la melodía (pero tal vez cambiar radicalmente otras cosas, como la armonía).
Hay algunas formas muy sencillas de transformar el estado de ánimo de una canción mediante ligeras alteraciones en la melodía, la armonía o ambas.
Una transposición de la melodía a la relativa menor (por ejemplo, de do mayor a la menor) o a la paralela menor (por ejemplo, de do mayor a do menor) son formas muy sencillas de retener el material melódico, mientras cambia drásticamente el sonido. .
Hay una pieza divertida de Mozart, 12 variaciones sobre "Ah, vous dirai-je, maman" KV 265 que ejemplifica este concepto. La melodía es "Twinkle Twinkle Little Star". En la octava variación transpone al paralelo menor. Si escucha todos los adornos adicionales que agrega Mozart, encontrará el tema simple.
Al usar el relativo menor, uno podría simplemente cambiar la armonía y dejar la melodía completamente intacta. Tome Amazing Grace por ejemplo. Si estuviera tocando la canción en sol mayor, generalmente armonizaría con I, IV y V (sol mayor, do mayor y re mayor). En su lugar, use i, iv y v en los lugares apropiados desde el relativo menor. (Mi menor, La menor y Si menor.)
La escritura creativa e inteligente puede ayudar mucho con lo que estás hablando. En general, si mantiene intacta la identidad rítmica e interválica de la melodía original, obtendrá resultados positivos.
Seguramente se puede hacer y se usa en gran medida, por ejemplo, en juegos para señalar cambios de humor al oyente sin dejar de transmitir la "idea" original de la canción.
Tomemos como ejemplo la banda sonora de Final Fantasy VI (Final Fantasy III en los EE. UU.). El tema principal de Terra , uno de los protagonistas, es una canción fuerte pero melancólica con énfasis en la línea de la melodía pegadiza. Esta línea se explora en varios momentos a lo largo del juego, como en Metamorphosis , donde el estado de ánimo es oscuro y amenazante, o en Awakening , donde es pacífico y relajante.
La interpretación de los estados de ánimo de las canciones es mía, pero creo que en su mayoría podemos estar de acuerdo. Ahora, ¿qué hace que estas canciones sean tan diferentes?
Percusión y ritmo: las secciones rítmicas son muy diferentes para cada melodía. En el primero tenemos tambores "marchando", en el segundo solo un ritmo lento tipo rock y en el tercero no tenemos percusión en absoluto, solo un ritmo lento arrastrado implícito por los instrumentos, especialmente las cuerdas. En mi opinión, este aspecto es uno de los más definitorios en el estado de ánimo de la canción. Una sección "más completa" y más rápida (no un tempo más rápido, solo un ritmo con más notas. No sé si hay una palabra mejor para denotar esto) hace que una canción sea más alegre y enérgica, mientras que las más lentas y restrictivas transmiten más oscuridad. o sentimientos más tranquilos.
Acompañamiento: estas canciones comparten el mismo tema, pero tienen acompañamientos muy diferentes. En el primero son sobre todo algunos acordes "marchando" junto con el ritmo. El segundo es muy complejo y abusa de la escala cromática para crear cierta tensión mientras no llega la línea melódica. Finalmente, el tercero utiliza las cuerdas y algunos arpegios para dejar las cosas "tranquilas" y dar algo de espacio a la línea melódica. No creo que haya una regla general aquí, tendrás que escuchar canciones que transmitan los sentimientos que quieres y prestar atención a su acompañamiento.
Instrumentos: Como puedes ver, cada canción utiliza un conjunto diferente de instrumentos, en los juegos esto es muy común. En esta área, las cosas se vuelven muy subjetivas y quizás culturales, pero es obvio que solo cambiar los instrumentos puede generar diferentes estados de ánimo. Una vez más, recomiendo la experimentación y el estudio de diferentes piezas que transmitan las sensaciones que buscas.
Modos: no puedo precisar esto en estas tres canciones específicas porque no he transcrito ni mirado las partituras para ellas, pero explorar los modos de las escalas que estás usando también se puede usar para expresar diferentes estados de ánimo. Simplemente cambiando la melodía a otra parte de la escala, le dará al oyente la sensación de que algo es diferente, aunque piensen que la canción es prácticamente la misma. La gente tiende a considerar a Aeolian como triste, Ionian como feliz, Locrian como malvado y así sucesivamente... pero, de nuevo, la subjetividad es el nombre del juego. Tendrás que estudiar los modos y las canciones empleando sus variaciones para encontrar los sentimientos que deseas. Una sugerencia para el estudio son estas dos canciones de Super Mario World: Overworld y Castle. El tema es compartido, pero las notas y los estados de ánimo son ligeramente diferentes.
Para envolverlo todo. No hay un solo conjunto de reglas para hacer este tipo de cambios en las canciones, tendrás que escuchar, emular, comprender y estudiar varias canciones. Lo más importante, sigue tus sentimientos como compositor y no tengas miedo de innovar y romper las "reglas" para obtener las canciones de la forma que deseas.
Tienes una gran cantidad de opciones. Algunos:
Estas opciones pueden (y probablemente deberían) combinarse.
Algunos ejemplos que se me ocurren:
Hay otras transformaciones además del cambio a relativo menor, pero comienza a depender del tipo de melodía con la que estés tratando.
Si la melodía cubre solo un rango corto de la escala, puede alterar cualquier nota que no toque. Por ejemplo, si la melodía solo oscila entre 1-2-3-4-5 de la escala, puede cambiarla a 4-5-6-7-8 de la menor melódica ascendente (esencialmente, aplanando el 6 y 7 de la melodía). no estoy usando de todos modos).
Puede cambiar la progresión de acordes al menor relativo manteniendo la melodía igual. Intente tocar Twinkle-Twinkle- en C, pero con un atronador A-menor debajo; cambie a F cuando la melodía llegue a la A alta; luego E-menor, D-menor, G-7, A-menor para el giro. Ninguna de las notas de la melodía ha sido alterada, pero su función en la escala ha cambiado. Y puedes hacer esto con cualquier modo.
La orquestación de Stravinsky de The Star-Spangled Banner sería un buen ejemplo de cuán lejos puedes llevar esto. En un momento dado suena eufónico, pero las cadencias son todas raras.
También hay alteraciones rítmicas. Si su melodía está en 3/4, puede extenderla a 4/4 insertando un cuarto de silencio o alargando una de las notas de la melodía.
Un ejemplo es el tema de Misión: Imposible. Originalmente en 5/4, lo estiraron a 8/4 para la versión disco cuando salió la primera película. Todo lo que tenían que hacer era estirar el resto en la melodía y doblar las cifras de 3/8 en el ritmo. ¡Maricón! ¡disco!
Esto se puede lograr mediante moderaciones de tempo y estilo. En la película animada "Pinchcliffe Grand Prix" (título original en noruego: "Flåklypa Grand Prix") hay un ejemplo de esto. El tema de Theodore aparece dos veces en diferentes estilos con la misma melodía, pero con diferentes sensaciones. La primera aparición es cuando Theodore lo interpreta de una manera muy melancólica:
Al final de la misma película, se toca el mismo tema en un modo muy alegre y ligero. El tempo se duplica y las notas son más ligeras y animadas. Lamento decir que no encontré una pista de sonido en línea para mostrarte esto...
Tal variación temática ocurre en la mayoría de las películas producidas en los últimos cincuenta años. Simplemente elige uno que te guste, apaga el video que te distrae y escucha. El tema de Darth Vader cambia cada vez. (Este truco proviene del teórico del cine Michel Chion ).
Por supuesto, el abuelo es el ciclo de cuatro óperas de Richard Wagner El anillo del Nibelungo: catorce horas de música compuestas por docenas de 'temas' entretejidos. Estudia eso y serás recompensado.
Un par de ejemplos..
Si comparas la versión de "Sweet Dreams" de Marilyn Manson con la versión original de Eurythmycs, obtienes una sensación bastante diferente para la misma melodía.
En "Fill my little world" de The Feeling hay un poco hacia el final donde la voz principal canta "I'm going pass you by" en un estilo completamente diferente al resto de la canción. La mayor parte de la canción suena como pidiendo atención, pero esa línea es asertiva e impaciente.
Hay algunos trucos que me vienen a la mente, pero dudaría en usar la palabra "reglas" ya que la música las rompe constantemente (¡provocando muchas sonrisas!). Entonces ... sin cambiar la melodía o la clave, etc.:
Ritmo: puede reducir a la mitad el ritmo de una canción, manteniendo el tempo igual, de modo que la melodía y el tiempo permanezcan iguales (podría verlo como solo la batería tocando a la mitad de la velocidad), lo que le da a la melodía una sensación más pesada y puede hacerlo sonar triste o serio en el contexto de una melodía alegre.
Tipo de instrumento: si cambias de una guitarra acústica rasgueante a una guitarra distorsionada, sonará enojado. Si cambia a violines, puede sonar triste (o puede sonar eufórico, depende de la melodía y las octavas utilizadas)
Estilo vocal: creo que esto es muy poderoso para afirmar un estado de ánimo. El canto alegre y alegre (un poco de esfuerzo/alcanzar una nota, muy afinado) frente a los murmullos malhumorados pueden cambiar por completo el carácter de una canción cuando todo lo demás permanece igual.
Tiempo: no tanto el compás, sino la duración de las notas y cuán "perezosas" suenan, ya sea que las deje mezclarse entre sí (perezosas/enojadas/enojadas) o tal vez las detenga justo antes de que comience la siguiente nota (generalmente un sonido vibrante, amapola) o algo intermedio. Un riff chuggy amortiguado (estoy pensando en la guitarra) puede sonar bastante "animado" y feliz, pero lo mismo tocado sin amortiguación puede sonar enojado o despreocupado, mientras que las notas individuales con vibrato pueden sonar funestas y tristes.
Volumen: Silenciar una canción, vaciarla de plenitud (es decir, reducir el número de instrumentos) y cantarla con más suavidad puede hacer que suene íntima y triste. Hay un gran ejemplo de eso hacia el final de 'Romeo y Julieta' de Dire Straits: los últimos versos.
Efectos: si elimina algunos de los efectos 'pop' tradicionales como excitadores, compresión, coro, etc. en una pista vocal, suena relativamente plano y 'bajo' (porque todos esos efectos están destinados a iluminar y mejorar una voz). La reverberación adicional también puede hacer que una voz más pequeña suene solitaria en un espacio vacío, o que una voz más poderosa suene enorme e imponente.
¡Probablemente hay muchos otros trucos! Tengo muchas ganas de ver lo que otros publican :-)
Puede pasar y pasa. Creo que la regla principal es qué tipo de canción estás tratando de hacer. Cuando el sentimiento de una canción cambia, es más común en canciones como en películas, teatro, videojuegos... La canción cambia para ir con la escena o el argumento.
Lo que puedes hacer manteniendo la misma melodía es, déjame darte un ejemplo. Digamos que tienes una melodía en la escala de do mayor para tener un sentimiento feliz y cambiar a una sensación triste o mala si vas a una escala de do menor y mantienes la misma melodía pero sustituyes la nota mayor por la nota menor. espero que mi ejemplo te ayude
No diría que es cuestión de sentimiento sino de la PURA ESENCIA de la melodía.
Me di cuenta del papel clave de la armonía sobre la sensación de las melodías principales porque la melodía vocal de la canción de Julia de los Beatles comienza con algo así como 20 notas "G" sobre la progresión C-Am-Em. Prueba a cantársela a alguien más sin pronunciar la letra y sin que estas apoyándose en la armonía a ver si la reconoce xD
Sin embargo, nunca dirías que estás cantando monótonamente. Porque el signo de la canción es la armonía detrás de esas notas, y se te queda grabada en la cabeza para siempre una vez que la escuchas. Si los acordes de fondo fueran diferentes, puedes apreciar fácilmente en esta canción que sería una canción completamente nueva.
Sucede más que a menudo. Quizás las canciones modales son fáciles de identificar y menos dependientes de la armonía cuando se cantan solas, especialmente si tienen un armónico menor o una mezcla modal, ya que dibujan un poco la armonía verticalmente a través de la línea (greensleeves, por ejemplo).
caracol mecanico
Robbie Goodwin