Técnicas de guitarra solista

Aprender licks y solos de otros músicos puede ser útil en este sentido. Obviamente querrás desarrollar tu propia voz, pero ningún músico existe en el vacío y definitivamente es útil aprender y analizar (incluso inconscientemente) el tipo de cosas que han tocado los músicos que admiras. Dependiendo de su estilo y de la dirección que quiera tomar, puede ser útil concentrarse también en otros instrumentos (he transcrito solos de saxofonistas y trompetistas para ayudarme a tocar la guitarra, y he tratado de aprender las voces de los acordes de pianistas siempre que sea posible).

De hecho, probablemente sea útil pasar algún tiempo con estilos de música totalmente diferentes a los suyos, para aprender la amplitud y amplitud de las técnicas disponibles. Piense en la forma en que Bach desarrollaría una frase a través del contrapunto y la interacción de frases similares. Escuche la Quinta Sinfonía de Beethoven y la forma en que desarrolla un motivo simple de cuatro notas en el transcurso de una pieza musical de media hora. Piense en la multitud de formas en que Wagner, Copland, Coltrane, Clapton, etc. han abordado este concepto de desarrollo de frases o motivos. Cada uno de ellos produjo la música de toda una vida para explorar y aprender.

Intente, también, pensar en ello en términos de desarrollar una frase. Las ideas no suelen venir completamente formadas a un músico que improvisa. En cambio, tomaremos una frase, ya sea inventada o del contenido de la melodía, según sea el caso, y la expondremos, usando la variación y la invención para traer nuestra propia visión e ideas al marco en el que estamos trabajando. Me olvidé de mencionar esto al principio porque parece obvio, pero asegúrese de conocer la melodía . Los guitarristas somos particularmente propensos a aprender los cambios pero no la melodía de la canción. Si tienes la melodía bien a mano y en mente, te ayudará a mantener tu improvisación "en contexto", por así decirlo, y será un recurso rico para las ideas melódicas.

Hay, por supuesto, muchas cosas técnicas en las que pensar en la mezcla, ideas que realmente pueden abarcar todo el espectro de la música. Una breve selección de mis favoritos podría incluir:

• Fraseo/Ritmo : Piensa en cómo se desarrollan tus frases. ¿Estás tocando notas negras/corcheas/corcheas rectas? Tal vez podrías introducir algunos trillizos en la mezcla, o incluso algunos polirritmos más complejos si te sientes ambicioso. Dedica algo de tiempo a la evolución de estos patrones a través de tus frases. Construir desde declaraciones melódicas más lentas o simples a otras más rápidas o complejas es una técnica común. Intente eso, o intente subvertirlo. Piense también en la longitud de sus frases, en la síncopa, en el uso de silencios o notas sostenidas para romper una frase. Otra cosa útil, particularmente para los guitarristas (y de hecho para los que tocan cualquier instrumento que no esté soplado), es tratar de ser más consciente de su respiración al planificar la duración y el ritmo de sus frases. Esto puede dar un aspecto más "natural"
• Melody : ¿Qué formas usas para tus melodías? Si siente que está ejecutando escalas, intente practicar arpegios e intente dividirlos, cambiando de dirección, repitiendo solo ciertas notas. Imagina un contorno (no necesariamente preciso) de tu melodía. ¿Es repetitivo, es ascendente, es descendente, está por todas partes? Intenta dibujar una línea ondulada en una hoja de papel y luego improvisa una melodía siguiendo el contorno de esa línea. Hazlo de nuevo con una forma diferente. Aprende cómo esas formas pueden afectar los sentimientos expresados ​​en tu frase.
• Armonía : ¿Cómo se relaciona tu melodía con la armonía de la pieza? ¿Podrías hacer una elección diferente que lo hiciera más interesante? Como músico de jazz, uno de mis trucos favoritos para "salir" es tomar un motivo corto y repetirlo en un intervalo arbitrario. Tal vez podría elegir notas del modo dórico en lugar del menor natural sobre este acorde. Obviamente, esto dependerá un poco de tus conocimientos teóricos musicales y del estilo en el que estés tocando.
• Articulación : ¿Cómo golpeas las cuerdas? ¿Estás tocando legato o staccato? ¿Estás doblando las notas un poco, mucho o nada? Obviamente experimente con esto por su cuenta para encontrar sus preferencias. Esta es un área en particular donde escuchar y transcribir a otros músicos será de gran ayuda. ¿Por qué Chet Atkins, Leo Kottke, Yngwie Malmsteen y Stevie Ray Vaughan suenan tan claramente diferentes entre sí? Tampoco te esfuerces y digas "equipo", intenta tocar una frase de la forma en que crees que lo haría un jugador, luego otro jugador.

Definitivamente también dedique algún tiempo a escribir frases en papel. La improvisación sigue siendo composición, después de todo, y se aplican las mismas técnicas. Abordar el proceso de manera más deliberada definitivamente ayudará a ampliar la gama de herramientas intelectuales a las que debe recurrir cuando descubra que su intuición "natural" para la improvisación está al límite y, con el tiempo, encontrará que esas herramientas se integran en esa intuición natural.

Con cualquier solo, quieres contar una historia. Los licks, riffs y grooves son tus palabras. Los escritores estructuran las historias como arcos narrativos.

Un arco narrativo suele ser:

• Exposición: La introducción, la historia en la que se presentan los personajes, se revela el escenario.
• Acción Creciente: Una serie de eventos que complican las cosas para el protagonista, creando un aumento en el suspenso o la tensión de la historia.
• Climax: El punto de mayor tensión en la historia y el punto de inflexión en el arco narrativo desde la acción ascendente hasta la acción descendente.
• Falling Action (Anticlímax): después del clímax, el desarrollo de los eventos en la trama de una historia y la liberación de la tensión que conduce a la resolución.
• Resolución: El final de la historia, típicamente, en el que se resuelven los problemas de la historia y de los protagonistas.

En las buenas historias suele haber una serie de acciones ascendentes (y leves acciones descendentes) que gradualmente se hacen más grandes hasta el gran clímax y la resolución de la historia.

Entonces, una historia de un solo de guitarra podría ser así:

• Exposición: Reafirmar el gancho o algún otro fragmento melódico

• Rising Action 1: Empieza a mutar el fragmento cambiando notas, ritmo u octava.

• Acción de caída 1: Vuelva a decir el gancho o toque una pequeña melodía de acorde del fragmento o incluso deténgase brevemente.
• Acción ascendente 2: continúa mutando el fragmento. Ponte más nervioso, agrega algunas notas o acordes que no encajen en la escala. Hazte más fuerte. Comienza a usar efectos.
• Falling Action 2: reproduce el fragmento mutado de forma limpia y sencilla
• Rising Action 3: comienza a tocar un fragmento melódico completamente diferente
• Falling Action 3: vuelve a tu fragmento original original o mutado
• Rising Action 4: Comience a combinar partes del fragmento original y el nuevo fragmento y cambie entre los dos. Esto es diálogo y conflicto e interesante. Rebana y corta en dados, cariño. Tal vez toque un fragmento alto y el otro bajo. Haz que discutan.
• Acción ascendente 5: siga combinando, cambiando, rebanando, cortando en cubitos y efectuando hasta que la declaración combinada ahora sea realmente intensa, difícil de jugar y ocupada.
• Acción de caída: Saque las partes de la jarra (u omita este paso)
• Climax: agregue su salsa especial, lo que sea que haga que los oyentes digan "¡Woo!"
• Resolución: Indique su fragmento original y luego vuelva a la melodía.

(Puntos de bonificación para los nerds que notaron que este solo de guitarra es una sonata).

El conflicto en las acciones ascendentes generalmente se describe como "tensión y liberación" y la tensión puede ser cualquier cosa que no esté resuelta: ocupado versus escaso, funky versus heterosexual, silencioso versus ruidoso, jugando arriba y abajo del cuello, agregando más cromático. notas o incluso tocar en una tonalidad diferente a la de la canción, tocar detrás o delante del compás, lento o rápido, etc.

Hay dos aspectos importantes de los solos: el fraseo y la selección de buenos tonos objetivo . Pasa tiempo con la escala pentatónica trabajando estos dos aspectos. La escala pentatónica funciona sobre la mayoría de los acordes de la tonalidad, por eso es el mejor punto de partida. Trabaje en hacer frases "significativas" con la escala pentatónica, usando tonos específicos que elija de esa escala como objetivos para enfatizar y terminar o comenzar las frases.

Además, puede consultar un libro llamado "Blues Scales: Essential Tools" de Dan Greenblatt. Esta es una muy buena ayuda de aprendizaje para empezar a improvisar. Date cuenta de que una escala de blues es en realidad una escala pentatónica con una nota azul añadida. Entonces su trabajo en escalas pentatónicas y de blues vale la pena.

Esto es un poco como esta publicación:

¿Cuál es la mejor manera de aprender escalas para mejorar la improvisación/escritura de partes de guitarra principal?

Mi respuesta fue 'obtener inspiración' de otros guitarristas o de ti mismo (decidiendo cómo sonará tu solo de antemano). Por lo que describes, tienes conocimientos de escalas y técnica. Sin embargo, simplemente hacer las "cosas que sabes" parece simplemente usar tu memoria muscular sin aplicar realmente ningún estado de ánimo. Puedo decir esto porque a veces me deslizo exactamente en la misma situación. Mi respuesta fue ser un poco más deliberado acerca de cómo quieres que suene tu solo: ¿suave, suave o áspero y abrasador? ¿O una mezcla? y ¿qué estado de ánimo te gustaría transmitir? ¿Melódico? ¿O contundente?

Otra cosa que he encontrado funciona muy bien al tocar solos en vivo: ¡Asegúrate de que puedes escucharte a ti mismo! A veces, si te estás ahogando un poco, no hay espacio para 'encontrar' un buen solo y prevalecerá la memoria muscular. O lo hace conmigo de todos modos.

No repetiré las respuestas en la publicación que he vinculado, pero espero que ayude :-)

Creo que deberías mejorar tus habilidades hasta un nivel en el que puedas tener la melodía del solo en tu cabeza y poder transponerla directamente en la guitarra.

Esto requiere mucha práctica.

Como dice mi profesor de guitarra "La música no sale de los dedos, sale de la cabeza". Así que subir y bajar la escala no significa/hace nada (es decir, no deberías jugar solo con los dedos y esperar que salga algo).

Entonces, practica las escalas, escucha las notas que estás tocando en tu cabeza y ten la melodía del solo en tu cabeza cuando comiences a tocarlo. Con el tiempo, deberías ser capaz de transponer ese solo a la música... de nuevo, con suficiente práctica.

TL;RD:

Aprende los solos que te gustan. Practica las cosas que son importantes para ti. Sigue practicando.

La lección número uno que aprendí al tocar la guitarra es que la práctica funciona, pero toma tiempo y no hay atajos.

Versión más larga: lo que funcionó para mí fue aprender los solos de otras personas que me gustaban. Y continúa practicándolos.

Uno de los primeros en los que comencé a trabajar fue Sultans Of Swing porque me encantaba lo suave que era Mark Knopfler en todos los rellenos de esa canción. Luego pasé a Call Me The Breeze (la versión de Skynyrd) porque era mi canción favorita en ese momento (años 70 :).

Repetí este patrón cada vez que escuchaba algo que quería aprender y mi nivel de felicidad con mi improvisación mejoraba. Algunas cosas en las que me concentré fueron en hacer las curvas correctas, frases simples y la capacidad de cambiar entre púa y dedos.

Lo que me ayudó fue pensar en términos de la melodía vocal para obtener ideas para el solo. Utilice la melodía vocal como punto de partida y la improvisación será mucho más fácil a medida que tenga un punto de partida. El oyente escuchará fragmentos de la melodía en el solo que le darán una sensación de cohesión con la canción. Con suerte, esto le dará un punto de partida para basar su solo y llevarlo a nuevas alturas en función de la melodía de la canción.