¿Qué escala/modo menor usas para armonizar los acordes cuando improvisas en tono menor?

Ni la armonía ni la melodía son lo primero. A veces hay que cambiar uno para acomodar al otro. Por ejemplo: V7->i se resuelve más fuerte que v7->i. Esto se debe al tritono (G# y D en su caso) que crea tensión, y al tono principal G# que quiere resolver hacia arriba a la tónica. Pero si desea una solución débil, puede usar una v->i menor en su lugar.

Esto significa que tendrías que evitar tocar el G sobre este acorde. Nadie te dirá que no puedes descender sobre la menor melódica de la misma manera que subiste. Los músicos de jazz hacen esto mucho. De lo contrario, podría modificar la melodía para no usar G ni G#. Tocar el armónico menor para las melodías crea un sonido distinto debido al segundo aumentado. No lo recomendaría a menos que busque ese sonido específico.

Al improvisar sobre cualquier cosa, es importante ser consciente de cuál es el acorde predominante (y dónde es probable que vaya), por lo que en esa situación, mantengo todas las opciones abiertas. Como en clave Am - ABCDEFF♯ GG♯.

En una situación de jazz o blues, estaría feliz de usar G♮ o G♯ sobre una barra E. Aunque en una situación clásica tendría que ser G♯ sobre compases de E, pero G♮ funcionaría en otro lugar. E incluso puede haber un C♯ que encuentre su camino, sobre Am, justo antes de pasar a una parte de Dm.

Vale la pena considerar las notas para evitar (¡evitarlas!). Ese F♯ es uno para no tocar durante los compases de Dm, aunque en una pieza de Am, se puede presentar D mayor, momento en el que se convierte en una nota de "toca conmigo".

La forma en que vea esto puede depender de la tarea en cuestión. Si te dedicas a una tarea de composición, seguiría las reglas clásicas y me inclinaría por el uso del menor melódico, ya que para eso está. Pero usted ha preguntado acerca de la improvisación.

En general, estoy de acuerdo con la declaración de Tim sobre mantener abiertas todas las opciones, con ese fin, los trabajos cromáticos. El problema real es si entiendes la canción sobre la que estás tocando el solo. Nos ha pedido que le proporcionemos "las reglas" para esto o aquello y, de hecho, no hay "reglas". Lo que debe hacer es conocer la canción sobre la que está improvisando y tomar prestada del tema principal (la variación de un tema es improvisación). Intentar destilar este proceso creativo en una regla matemática simple de seguir no hace justicia a la música o la improvisación. Soy muy consciente de las tendencias actuales para hacer esto, pero mi experiencia fue diferente, ya que lo aprendí "en el trabajo" a fines de los años 70 u 80.

En lugar de pensar que la armónica menor armoniza "estos acordes", piensa si quieres expresar una idea musical que enfatice la cadencia en la tonalidad menor. Esto NO tiene que ir acompañado de la presencia del acorde V7 relativo cada vez. Tú, el artista, eres libre de pintar esa idea. La gente a menudo usa estas escalas alteradas incluso cuando los acordes correspondientes no están presentes en una melodía. Como ejemplo, piense en So What de Miles Davis. Es un vampiro de un acorde con un cambio cromático a otro vampiro de un acorde. Dado que fue escrito con la intención de jugar con el modo Dorian (transcribe el solo de Miles para más detalles), sería un tonto no usar Dorian. Pero muchos jugadores inyectarán el b6 (D eólico) o incluso la escala de Blues. También he escuchado a grandes jugadores deslizar una tercera mayor en una progresión menor. El sello distintivo del Blues es la yuxtaposición de b3 y b5 sobre el acorde de séptima. Incluso puede forzar estos tonos sobre un Maj7 y hacer que funcione. El hecho es que, si transcribe grandes solos, a menudo verá violaciones de "las reglas" por todas partes. Lo que cuenta es desarrollar una idea musical simple, usando secuencias y repeticiones, el fraseo también importa. Tenga en cuenta que siempre puede crear extensiones creativas para los acordes cuando lo desee.

Si está tratando de familiarizarse con los métodos de improvisación, le recomiendo que se inspire en la canción original.

Si solo está trabajando en los cambios a ciegas, le recomiendo que no lo haga hasta que haya dedicado algo de tiempo a la transcripción y otras actividades para aprender con el ejemplo cómo se hace.

Recomendaría encarecidamente el enfoque defendido por Jerry Coker en "Improvising Jazz" y mantendría un libro de licks que cree y practique convertir estos licks en melodías.

¿En cuanto a la disonancia G/G# específica? Depende de lo que hagas con él. El G funcionaría muy bien sobre el V7 de la clave menor como parte de un lick de blues. ¿Realmente estás planeando simplemente caminar a través de una nota por acorde? En el ejemplo específico que cita, la combinación sería V7 (b9), que es un acorde muy común (a menos que haya entendido mal su ejemplo).

Depende de qué acordes se utilicen. Depende de cuál era la melodía original, eso tendrá ALGUNA influencia en tu improvisación, espero, de lo contrario, ¿cómo estás improvisando en ESA canción en lugar de solo una secuencia de acordes? El punto de @Tim de volver a la idea de 'evitar' las notas es bueno. Tu elección está abierta, ¡pero probablemente no te apoyes DEMASIADO en la tercera mayor en una tonalidad menor!

Hay algunos procedimientos que se han utilizado a lo largo de los años para componer en tonos menores. Los procedimientos que uses (si los hay) dependen de tus ideas, si la improvisación es vocal o instrumental, el estilo de la música, etc.

La teoría de la práctica común trata el modo menor como una sola escala con dos notas mutables (notas 6 y 7). Trataré de usar números arábigos para los pasos de la escala y números romanos para los acordes basados ​​en estos pasos. También usaré el término "natural" y "elevado" para representar a qué versión de los pasos 6 o 7 se refiere.

Si la armonía subyacente es principalmente tónica (principalmente acordes I), las melodías tienden a usar la forma elevada de los pasos 6 y 7 en los pasajes ascendentes y la forma natural en los pasajes descendentes. A veces, esta combinación se llama el menor "melódico". Usar el 7 elevado también es bastante común en la música no vocal. (Solo el 7 elevado a veces se denomina menor "armónico" ya que el 7 elevado ocurre en el acorde V7). A menudo, las posibilidades se mezclan. Usar la forma melódica para el bajo y la forma armónica para la melodía es bastante común, aunque puede producir una relación cruzada (un 7 bajo en el bajo con un 7 elevado en la melodía).

Si la armonía subyacente es principalmente subdominante (predominantemente los acordes iv o ii0), las formas naturales de los pasos 6 y 7 se usan a menudo en pasajes ascendentes o ascendentes. (Hay excepciones si el compositor cree que suena bien).

Si la armonía subyacente es principalmente dominante (acordes V o vii0), los 6 y 7 elevados son comunes tanto en pasajes ascendentes como descendentes. (El 7 elevado solo también es común). También se usa un acorde V arpegiado (incluso en la música vocal, ya que el segundo aumentado es más fácil de cantar en un solo acorde) como pasos de escala 2, 4, 6, b6, 7 (repetido si deseada) forma un acorde de novena dominante (V9).

Casi lo único que se evita es usar el paso 6 elevado como un vecino superior del paso 5 (a los compositores les gustan los vecinos cromáticos). El acorde aumentado en el paso 3 (3, 5, #7) se evita en la música anterior, pero aparece a fines del siglo XX y más tarde. El paso 6 elevado parece ocurrir principalmente como un tono de paso entre 5 y 7 elevado. Ocurrirá en acordes ii (y el #4 ocurre en acordes II o II7 cuando se usa como el dominante de V).

Estas son tendencias y hay muchas excepciones. La mayor excepción (como se indicó anteriormente) es el uso de patrones menores melódicos en el bajo contra patrones menores melódicos en la melodía.

Hay muchos tipos diferentes de respuestas, así que agregaré la mía. Respuesta larga. No estoy seguro de poder escribir un TL; DR para esto.

En primer lugar, la idea fundamental de cómo veo las tres dimensiones principales de la música (armonía, melodía y ritmo) es que pueden estar completamente separadas e independientes solo en teoría . En la práctica, cada vez que creas un sonido, cualquier sonido, tiene algunas consecuencias e implicaciones en las tres dimensiones. Una melodía implica o describe algunas posibilidades armónicas, y la forma en que coloca las notas de la melodía en relación con el pulso rítmico percibido afecta la armonía implícita percibida.

Cada vez que tocas una nota, metes una baqueta en algún lugar de la máquina de acordes. Y cada vez que tocas un acorde, cambias el campo de juego por una línea de melodía, configurando paredes y obstáculos con los que chocar. Entonces, ¿qué es una escala? ¿"Existe" una escala si no estás tocando todas las notas al mismo tiempo? En mi opinión, la forma más importante de ver las escalas es simplemente como una cuadrícula de referencia.para razonar acerca de dónde están o podrían estar las notas sonoras. Otra forma de utilizar las escalas es como kits de construcción o paletas para obtener ciertos efectos armónicos. Particularmente en canciones en tonos menores, notará que cualquier escala que intente ver como el único kit de construcción o conjunto de notas para la canción, no parece ser suficiente. Menor natural... no funciona esta canción, aquí hay notas fuera de escala. Armónico menor... tampoco funciona, ¿¡todavía deja algunas notas fuera de escala!? "¿Cuál es la escala de esta canción?" Si hay un concepto erróneo, un mito o una idea equivocada sobre cómo mucha gente ve la música, ese es "cada canción está en una escala ". ¡No! Una escala es solo un punto de partida inicial, y luego las cosas comienzan a moverse.

¿Cómo improviso en un tono menor? Exactamente de la misma manera que improviso en un tono mayor. Pienso e improviso TODAS las dimensiones de la música que puedo, y cuánto puedo hacer en cada dimensión depende de las cosas que no puedo cambiar y decidir en el momento (en particular, mis habilidades son un factor restrictivo). Por ejemplo, si hay una pista de acompañamiento completa, fija muchas decisiones en piedra. Pero si solo hay un ritmo de batería, puedo crear una canción completamente nueva. Si hay una melodía sin acordes, que es básicamente la situación en el acompañamiento de canciones de forma libre, deja la mayor parte de la armonía y el ritmo abiertos para reinventarlos. (simplemente no confunda ni moleste al solista/coro/congregación)

Un ejemplo práctico.

• Digamos que la canción está en A menor y desea pasar de un acorde de Am a un acorde de Dm. Podrías simplemente hacer el salto, Am - Dm. Si estas son las únicas notas que suenan, supongo que dirías que la escala es A natural menor, aunque no se explicó nada sobre una nota G.
• Pero podría hacer una mezcla modal "VI en Dm": Am - A7 - Dm. ¿Qué pasó con la báscula? ¿Al menos la nota C se agudizó en su armonía durante el acorde A7?
• ¿Qué tal Am - Gm6 - A7 - Dm? Ahora, durante el acorde Gm6, su B es bemol, y durante el A7, la C es sostenida ... y luego, durante el Dm, estos cambios temporales se cancelan.
• Pero, ¿fueron esos los únicos cambios en la escala? ¿Qué tal si usas notas de la escala semientera disminuida sobre Gm6 y A7? Ahora tiene C y C #, o es Db. Pero también tienes D# y E y F#.
• ... pero dado que no se explicó una escala completa como notas, ¿eran realmente las escalas, las escalas completas y nada más que las escalas? ¡Es subjetivo! El compositor o el improvisador pueden estar pensando en una escala, pero si la explican solo en parte, el resto queda para la imaginación. Incluso con instrumentos de cuerdas, por lo general implicaslas cosas un poco, y cuando se tocan instrumentos no acordes sin acompañamiento, lo importante es implicar armonía. Puede pensar en una historia completa con situaciones detalladas, pero como narrador, debe decidir cuidadosamente (o instintivamente o "subconscientemente") qué detalles de la imagen necesita revelar al oyente. ¿Explica la armonía alto y claro y extensamente de una manera "para tontos", todas las notas posibles deben sonar, para que el oyente no pueda sacar conclusiones incorrectas? ¿O permites algún sentimiento de misterio?

Algunos ejemplos más:

• Si la canción está en La menor, y hay una melodía fija pero no se usa la nota F por un tiempo, puedo usar un acorde D o Bm de acompañamiento, creando una sensación de A Dorian.
• Si una sección rítmica está tocando Am y puedo improvisar la melodía, aún puedo esbozar un acorde de D mayor para el mismo efecto A Dorian.
• Si la melodía se ha detenido en A y puedo improvisar acordes de acompañamiento, podría tocar una secuencia de acordes: C, B, Bb. Si hay un solista y escucha estos acordes, tiene que reaccionar; por ejemplo, en el acorde Bb, lo más probable es que quiera evitar tocar una nota B.
• Si la canción tiene una tónica de A menor, podría tocar un Am6 o Am maj7. ¿Por qué? Porque me gusta cómo suenan esos acordes en relación con una tónica A.

Si tuviera que describir lo que pienso cuando improviso, diría que pienso en acordes completamente extendidos como mis puntos de destino, básicamente el sonido de una escala completa. ¡Pero las escamas son creadas, compuestas de partes! Lanzo notas y acordes a la sopa y se crea una escala. Lo que se llama una escala ... es irrelevante porque, de todos modos, se moldean como arcilla todo el tiempo.

Escuché varias canciones y practiqué con el piano después de leer las otras respuestas.

Aquí comparto mi observación sobre la famosa canción "Ne me quitte pas" del compositor belga Jacques Brel. Podemos encontrar las tres escalas mencionadas: menor natural, menor armónica y menor melódica ascendente.

• El primer verso dice algo así (transpuesto en Am):

    i    i      iv      V
    Am   Am/G   Dm/F    E
  or
    i    VII    VI      V
    Am   G      F       E
  
    [---------------]  [---]
      natural minor     harmonic minor 
     (only G, no G#)       (feat. G#)
  

  En este patrón (muy común en muchas canciones), parece que una posibilidad es usar:

  • menor armónico en la V (se requiere G# para tener el quinto grado mayor)
  • menor natural en otros lugares (G en todas partes)

• El verso "Moi je t'offrirai" ( 0'50" ) utiliza una escala menor ascendente melódica : EEF#G#A, que contrasta repentinamente con el comienzo de la canción, creando un sentimiento optimista.