El patrón de melodía+acordes en perspectiva

1. La mayor parte del tiempo en clásico, pero no siempre - a veces el compás termina siendo más importante (longitud de frase irregular).

2. No siempre en gran parte de la música clásica. No tienes que buscar muy lejos para encontrar piezas en las que las voces internas son absolutamente esenciales, y no solo como relleno armónico, sino como puntos focales: solo mira algunos de los quintetos de cuerda de Mozart. Las voces internas avanzan como figuración armónica, y luego una o dos melodías surgen sigilosamente de la figuración, a menudo como melodía principal, con la misma frecuencia como contramelodía (o contramelodías). A Mozart se le reprocharon en vida voces interiores demasiado ocupadas. (Se puede decir lo mismo de la música tan tardía como Brahms, incluso de los primeros Schoenberg).

   El hecho es que, hasta mediados del siglo XIX, la armonía no se enseñaba comúnmente como una materia separada. A Haydn, Mozart, Beethoven e incluso Chopin se les enseñó principalmente el contrapunto de especies , es decir, el arte de dirigir la voz. Se sabe que Chopin, el de las bellas melodías y armonías, criticó los novedosos cursos de armonía en el Conservatorio (pero claro, la dirección de la voz de Chopin era más lineal de lo que la mayoría de la gente cree). Todas estas personas se criaron con Bach (y antes, incluso con Froberger).

   Cuando regresas a la época de Bach, la armonía tal como se enseña actualmente no existía. A la hora de improvisar un acompañamiento, lo sustituía el contrabajo, es decir, los intervalos (tanto armónicos como no armónicos) indicados sobre una línea de bajo, en contraposición a los acordes de una partitura principal bajo una melodía. Incluso la música completamente escrita (un solo de teclado, por ejemplo) tendía a actuar como intervalos realizados sobre un bajo.

   La idea de acordes en los grados de una escala solo surgió con los trabajos teóricos del contemporáneo de Bach, Jean-Philippe Rameau (y sabemos que la familia Bach conocía a Rameau y no estaba muy de acuerdo). El énfasis en la armonía de bajo completo estaba en cómo se llegaba del punto A al punto B, y las notas no armónicas podían ser tan importantes como las notas armónicas. Este énfasis en la conducción de voces va con una concepción de la armonía como un marco para las voces, lo cual tiene sentido si se considera que las formas contrapuntísticas todavía tenían un lugar bastante importante en el repertorio. Realmente no creo que uno conciba una fuga en forma de hoja de plomo. (Sé que no.)

3. Sospecho que también fue Rameau quien fijó la idea de los modos como escalas. Antes del dominio completo de mayor y menor, los modos podían verse mejor como colecciones de notas con rangos característicos, finales (equivalentes a una tónica), tenores (equivalentes a una dominante, pero no necesariamente una quinta por encima de la final) y notas auxiliares. notas ( subtonio para ampliar el registro inferior en ciertos modos auténticos; media entre la final y el tenor, no necesariamente una tercera por encima de la final; participante, una nota auxiliar que variaba de un modo a otro). En ciertos modos, B/B♭ era una nota mutable, una especie de mi-fa móvil dependiendo de si el auxiliar actuaba como un tono principal superior o inferior. Es decir, los modos tendían a implicar ciertas fórmulas melódicas (que es como tienden a funcionar en la música no occidental, piense en ragas).

   Para cuando llegas a Bach, mayor y menor están prácticamente en su lugar, pero todavía aparecen restos y fórmulas del antiguo sistema modal y, en efecto, Bach trata mayor y menor como modos. Es realmente discutible que Bach viera el modo menor como una amalgama de tres escalas separadas. Es más probable que viera las alteraciones como tonos auxiliares mutables. En muchos casos, todavía vale la pena considerar los acordes cromáticos como resultado de mutaciones modales en lugar de modulaciones transitorias.

4. El ritmo armónico se controla en la música clásica del período de práctica común. Puede ser una armonía por compás, claro, pero se puede usar un rango desde tan pequeño como semicorcheas hasta más de 16 compases (¡el final de la quinta de Beethoven - 29 compases de tríada en Do mayor pura!), con cambios durante el transcurso de la pieza. , dependiendo de lo que se necesite para impulsar o ralentizar la música. Es completamente posible crear una ambigüedad de niveles en el ritmo armónico creando una ambigüedad de tonos armónicos/no armónicos, como en "¿Tenemos un ritmo armónico lento, con algunas de esas notas más rápidas no armónicas, o porque esas notas más rápidas están haciendo progresiones lógicas en sí mismas, ¿son armónicas?" La respuesta a menudo puede ser "Ambos"..)

5. Los puntos de cadencia marcan los finales de sección en la música clásica, sin duda, pero las progresiones específicas pueden o no ser críticas. Las progresiones de acordes repetidas definen formas como la chacona, el passacaglia y el passamezzo (y la progresión del passamezzo todavía define mucha música pop), y a veces un tipo de progresión definirá una pieza (tercios descendentes en la fuga de Hammerklavier, por ejemplo), pero principalmente la forma se define por áreas tonales más que por progresiones específicas.

No diré que el pensamiento de la partitura principal no existe en la música clásica (mucha ópera verista parece implicarlo), pero para lograr texturas más complejas se requiere que el compositor tenga al menos una idea de las voces armónicas como voces desde el principio . comienzo.

¡Idea interesante! Es un poco 'huevo y gallina'. Una secuencia de 4 o 5 notas puede tener varios acordes que las subyacen. Del mismo modo, una secuencia de acordes puede tener cualquier cantidad de melodías tocadas sobre ellos, ¡pregúntele a cualquier jazzista! Para algunas secuencias de notas, habrá un conjunto predominante de acordes que se ajustará mejor. Del mismo modo, viceversa.

Algunos, si no la mayoría. los compositores, en algún momento antes de componer correctamente, habrán hecho un boceto, ya sea en un manuscrito o simplemente en sus cabezas. Con obras orquestales esto se vuelve bastante complicado, con mezclas instrumentales, etc. Pero creo que es más fácil despertarse con una melodía sonando. a través de tu cabeza que una secuencia de acordes. Agregue letras a esta ecuación, y comienza a volverse complejo. A menudo vienen primero, al menos el primer verso, que luego genera la melodía, guiada por el ritmo de esas palabras, y los acordes probablemente vienen al final. Pero aun así estoy de acuerdo en que probablemente haya un 'modelo' en forma de 'hoja de guía' la mayor parte del tiempo.

NOTA: Aunque la pregunta suena específica, se trata de una discusión mucho más amplia. Considere mi respuesta como notas sobre el tema.

"Melodía" canta sobre "armonía". La música instrumental de tipo "armonía" se origina principalmente a partir de la imitación de canciones con instrumentos que ya tienen formas de canciones. La música instrumental posterior desarrolló estructuras más complejas con respecto a las técnicas de instrumentación y orquestación y algunos otros avances.

La forma de la canción no es la única forma de ser una base para la cultura de la música clásica. Por ejemplo, también hay otras formas en la música clásica basadas en "Contrapunto" y "Danzas folclóricas".

Al principio, esas y otras técnicas similares tenían su forma específica, pero luego se convirtieron en técnicas de composición que se usan de manera intercambiable, lo que da como resultado formas aún más complejas.

Después de la era clásica, los movimientos artísticos comienzan a cambiar más rápidamente, lo que da como resultado que surjan varias formas nuevas especiales para cada movimiento. Impresionismo, expresionismo, minimalismo, repetición...etc...

A principios del siglo XX, los compositores comenzaron a buscar técnicas y formas de escritura totalmente contrarias a las formas habituales enumeradas en la pregunta. Desarrollaron muchas técnicas diferentes basadas en la aleatorización, notaciones abstractas dejando la interpretación a los intérpretes, métodos matemáticos, mezcla de conjuntos... etc. En realidad este género se conoce como música contemporánea.

Un mundo cada vez más pequeño también se mezclan muchos estilos y formas provenientes de otras culturas lejanas. Las piezas polirrítmicas de la música clásica contemporánea son excelentes ejemplos de ello.

La música popular occidental contemporánea todavía se basa principalmente en formas de canciones. Esto es bastante natural ya que en su mayoría son música vocal escrita para un cantante y acompañamiento.

Me gustaría agregar un poco. (La mayor parte de esto se basa en algunos de los comentarios de Steve Latham en varios foros a lo largo de los años). Comenzamos con la partitura general de música popular (o lo que aprendí a crear para transcribir una canción de la radio). Hay una melodía encima de un montón de acordes. Esquemáticamente:

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etc. Las voces tenían que ser independientes pero combinadas para producir una armonía "agradable" y la voz más baja actuaba como una línea de bajo. Hace que la música suene genial. Las fugas barrocas (y posteriores) utilizan este patrón. Los acordes directos (como los himnos) se ven así: |||||||| He visto algunas transcripciones populares que usan este concepto. El bajo se indica con una barra inclinada y se usa un acorde separado para cada nota de la melodía. Personalmente, creo que esto conduce a acordes muy complejos (melodías melismáticas sobre un bajo ambulante) y oscurece la estructura de la composición. Pero expandir melodía más acordes a "melodía más acordes más bajo" simplifica bastante las cosas. (La sección rítmica, al menos aquellos con instrumentos sin afinación como tambores, güiros, cencerros, etc., se sientan de forma independiente, pero aún tienen que combinarse bien). Esto lleva a una estructura como:

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(La tipografía no es la mejor, tal vez :)

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El punto es considerar una canción (o aria o sinfonía, cualquier cosa con una textura principalmente homofónica) como una línea melódica, una línea de bajo y algunos acordes (voces internas, por así decirlo). Al esbozar una pieza musical, me gusta escribir saca la melodía y el bajo por separado y luego rellena con acordes más tarde. Una melodía de movimiento rápido sobre un bajo ambulante mostrará el movimiento de la melodía y el bajo, pero no necesitará acordes separados para cada nota de la melodía. Las melodías tienden a moverse rápidamente en comparación con el movimiento armónico de los acordes, al igual que el bajo. (No siempre, pero sobre todo). Descubrí que pensar en piezas de esta manera era bastante fácil.

Tenga en cuenta que la línea superior de "melodía" no necesita ser un solo instrumento y cuando la música se escribe para un conjunto grande, los instrumentos pueden entrar y salir de la línea de la melodía. Del mismo modo para el bajo. Esto es principalmente una cuestión de arreglo.

La melodía y el bajo realmente necesitan escribirse en un buen contrapunto de dos partes (cualquier especie). Esto mantiene la música en movimiento. Debido a que el bajo y la melodía están "expuestos" (generalmente tanto más altos como más bajos que el acompañamiento), los errores en estos dos se escuchan fácilmente. Encuentro útil simplemente tocar (o hacer que la computadora toque) el bajo y la melodía como dos solos y verificar el sonido. Las "líneas de acordes" a menudo son tocadas por un grupo de instrumentos, guitarra rítmica, piano, grupos de cuerdas o vientos, etc., por lo que se necesita un contrapunto menos estricto.

Últimamente termino con una estructura como:

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donde la línea superior es una flauta, un clarinete, una trompeta o un trombón (o la voz cuando tengo letras), las líneas de acordes son en su mayoría piano con cualquier instrumento que no esté tocando la melodía y el bajo sea un bajo acústico. (Mi material pone mucho trabajo en el bajista.) Por supuesto, el bajo puede llegar a tocar una melodía (a dúo con otro instrumento de vez en cuando) y el piano se hace cargo del bajo para esa sección. Los asteriscos representan un grupo de tambores (generalmente congas, bongos, timbales, cencerros, maracas, güiro, claves o una selección de estos).