¿Cuándo comenzar a señalar un cambio en la música pop?

Como compositor, a menudo escribo canciones que utilizan más de un motivo. Sin el cambio al otro motivo, la canción sería demasiado corta o se hundiría en el aburrimiento.

La mayoría de las teorías que he leído eran sobre progresiones de acordes y melodías, usando acordes dominantes y notas principales, etc., pero me faltaba material en la parte del tiempo del rompecabezas.

Por eso busco teoría sobre las proporciones de los motivos y secciones musicales, y sobre la música popular en particular. (Popular en el sentido de no clásica, incluida toda la música basada en versos y estribillos, cantada e interpretada).

Tengo el presentimiento de que la cantidad de compases necesarios para construir un cambio rítmica y tónicamente puede relacionarse con la cantidad de compases antes del cambio, pero tal vez me estoy desviando. Demasiado menos y el cambio se sentiría como un bache, demasiado y es posible que no tenga un motivo claro.

También en algunos casos hay un opuesto de construcción, más como un motivo "tiene un sentido de final" que hace que el oyente sienta curiosidad por otro motivo.

Entonces, ¿existe una regla empírica general/teoría bien investigada sobre la acumulación/cambio de señalización en las composiciones pop?

¿Qué palabras clave debe usar para buscar materiales que lo discutan?

(Siéntase libre de editar mi pregunta con respecto a la jerga: aprendí mi teoría principalmente en húngaro).

Usé motivo muchas veces en mi pregunta, pero no estoy seguro de si es el término exacto para "barras" independientes de ritmo, melodía y acordes juntos, esa es una unidad musical.
Si descubres cómo evitar todos los "baches", habrás descubierto cómo escribir música de ascensor. ¡ La vida (y la música) necesita algunas sorpresas para que sea interesante!
Bueno, en mi vocabulario "golpe" es una "sorpresa" que no salió bien. Un "truco". La pregunta es sobre cómo "preparar" las sorpresas, para que sean un viaje salvaje sin volar por la ventana delantera de su automóvil. Si escuchas atentamente, las sorpresas aún tienen reglas, el 99,9 % de las veces no cambiarás en 3,14 de un compás de 4/4.
No estoy seguro de si puedo hacer de esto una respuesta completa todavía, pero entre otras formas musicales en la música no clásica, está el blues de 12 compases (repita la misma progresión de acordes de 12 compases varias veces, pero a menudo con diferentes melodías en superior) y forma de 32 compases (secciones AABA; cada sección tiene 8 compases de largo). También existe la noción de una sección de "cabeza" en la música de jazz: el líder de la banda señala (a veces apuntando a su cabeza), luego todos tocan la melodía inicial nuevamente. Por supuesto, una vez que te diriges a cualquier subgénero "progresivo" (de rock, jazz, metal, pop, etc.), todas las apuestas están canceladas.
@Dekkadeci Las secciones de la AABA no señalan cambios sino tradiciones. "Tenemos una sección, está bien para repetir, pero se volvió aburrida, así que hay algo ligeramente diferente". El señalamiento físico tampoco funcionará cuando solo escuches música. :)
Para entender la pregunta, si todo lo demás falla, recomendaría escuchar lo que hacen los bateristas antes de un cambio: el descanso puede estar rodando en los timbales, endureciendo el patrón que tocaron y muchos trucos. Sin embargo, un tom roll de 4 semicorcheas después de 8 compases puede no ser suficiente. O tal vez. Esa es la pregunta.
@atoth, ¿estás preguntando si hay un equivalente pop del solista de música clásica tocando un trino largo para señalar el final de la cadencia (para que la orquesta pueda tocar el final del concierto)?
@Dekkadeci tipo de sí. Sé que hay un equivalente pop de esto, los bateristas definitivamente lo hacen. Así que la pregunta no es si está ahí , sino cómo y cuánto . ¿Existe una relación entre la duración del tramo anterior y el tiempo necesario para que funcione la señal? Por ejemplo, su trino largo mencionado puede ser solo un trino largo sin que las personas sientan que es el trino largo el que termina la sección. Así que hay más cosas en el trabajo que un trino largo.
@atoth para mí, tu comentario sobre los rellenos de batería es la respuesta. La mayoría de las veces en la música pop no hay ninguna preparación en absoluto, solo un relleno (tambor o de otro tipo) y luego listo. y como saben, estos suelen ser solo uno o dos latidos.
@Dave Creo que los bateristas sin duda son conscientes de esto, pero no diría que es lo único que se necesita. Lo usé como un ejemplo de romper un patrón para introducir uno nuevo.

Respuestas (2)

No conozco ninguna teoría orientada al pop en particular. Pero no evitaría la teoría 'clásica' sobre la forma musical. Creo que mucho de eso se puede aplicar a la música pop. Para las palabras clave, intente: bridge , period , cadence . Estoy pensando en las terminaciones de frase como un dispositivo de señalización. En cuanto a las proporciones, además de contar compases, intenta buscar un ritmo armónico . En este caso, estoy pensando en cómo un puente a veces puede implicar un cambio en el ritmo armónico. Todos estos son términos obvios para buscar, e imagino que probablemente ya los conozca, la clave puede ser examinar cómo crean expectativas para el oyente y cómo puede explotar esas expectativas para señalar cambios.

Los finales de frase (tanto melódicos como rítmicos) y el ritmo armónico pueden ser los dos que busco. Entonces, ¿puedo reformular mi pregunta como si hubiera teorías, pautas para construir terminaciones de frases sólidas ?

No hay teoría porque no es mecánica, es artística. Diferentes tipos de transiciones y modulaciones hacen declaraciones artísticas diferentes, así que tienes que ir con lo que funciona para la canción.

Algunas canciones no tienen transiciones armónicas, las secciones están delimitadas por cambios melódicos, rítmicos y/o tímbricos. Dos ejemplos que me vienen a la mente son What I Got by Sublime y Who Do You Love? por Bo Diddly. El blues de 12 compases podría incluirse en esta categoría.

Algunas canciones tienen muy poca o ninguna preparación para la modulación, y el tipo de modulación es obvio y marca una transición casi discordante. La modulación de "conductor de camión", donde toda la progresión de acordes se reproduce en una clave que es de uno a varios semitonos hacia arriba, es un buen ejemplo. Probablemente el mejor uso efectivo de un cambio de camionero que se ajusta a la prosodia de la canción está en Love Story de Taylor Swift.

La mayoría de la música popular (como una especie de género, no el significado normal de popular) se extiende a ambos lados de la línea entre la inclusión de material fuera de clave, como acordes prestados, y la modulación directa a una clave diferente. Cuando hay una modulación, generalmente se suaviza y se prepara con material tomado de la clave de destino.

¿Cuánto material? Entonces es tu pregunta, supongo. Bueno, depende del artista. Algunas canciones han tomado material prestado como parte de la progresión de acordes inicial para que pueda interpretar la preparación como si comenzara justo al comienzo de la canción. Otros no tienen material preparatorio y tienen deliberadamente una modulación discordante o modulan a tonalidades estrechamente relacionadas (las relativas mayor/menor son las tonalidades de destino populares). Y como en mucho jazz, a veces el material prestado es tan frecuente que ni siquiera hay un establecimiento firme de una clave en el sentido tradicional, y diferentes teorías de armonía en juego.

Espero que la exploración de las opciones ayude un poco a disculparme por el hecho de que su pregunta no se puede responder de manera simple. Tienes que decidir en cada situación cómo quieres que se reproduzcan y suenen las transiciones en tu música. El mejor maestro sobre cómo manejar las transiciones es aprender a tocar y analizar mucha música diferente, de modo que tenga una gran biblioteca de ejemplos para elegir, así como un sentido de las convenciones que quizás quiera desafiar.

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