¿Cómo "probaban" los compositores su música?

No todos los compositores hoy en día escriben usando computadoras. Muchos todavía escriben a mano con tinta o lápiz.

Las obras para varios instrumentos (cámara, orquesta, etc.) se escribieron como lo que se conoce como "partitura para piano" o "partitura corta". Muchos, muchos compositores son / fueron pianistas y, por lo tanto, pudieron verificar su música tocando a través de la partitura de piano. Una vez que están satisfechos con la música, la orquestan al tamaño del conjunto para el que están escribiendo.

Para aprender a hacer esto, una práctica común en ese momento para los estudiantes era copiar a mano la música de compositores conocidos. A partir de esta práctica, aprenderían qué funcionaba para diferentes tipos de instrumentos. Durante aquellos tiempos, los instrumentos de viento de metal y de madera no eran tan avanzados tecnológicamente como lo son hoy en día, por lo que muchas de las partes de viento (especialmente los metales) no eran especialmente complicadas (aunque obviamente había virtuosos en esos instrumentos naturales, pensando en el concierto de trompeta de Hadyn o el de Mozart). conciertos para trompa).

Aparte de estas consideraciones, hay muchos sonidos desarrollados durante el siglo pasado que no se usaban. Por ejemplo, los avances en tecnología han permitido a los compositores experimentar con: muestreo, grabación, manipulación de sonido en vivo, música electrónica, música de ruido, artes escénicas y arte multimedia, por nombrar algunos. Como consecuencia de la ciencia (es decir, la electricidad), muchas de estas tecnologías no existían y por tanto los sonidos/medios de expresión no existían. Esto significa un nivel diferente de experimentación, lo que significa que las cosas están más estandarizadas, lo que significa que no es necesario verificar las cosas con tanta frecuencia.

Si estás involucrado con la música lo suficientemente profundo y durante el tiempo suficiente, te familiarizarás con los instrumentos, sus técnicas y los sonidos que provienen de ellos, lo que me lleva a mi último punto:

Experiencia. He tocado la trompeta aunque no me consideraría un trompetista. Cuando escribo para trompa, mi experiencia me dice a través del oído de mi mente cómo responderá la trompa en todo su rango a diferentes gestos musicales. No necesito ir corriendo a un trompetista cada vez que escribo algo para trompa. Dicho esto, si escribo algo y no estoy seguro de cómo saldrá, pediré ayuda a un trompetista; no se necesita toda una orquesta.

Otros compositores han hecho/hacen/harán lo mismo: utilizar la experiencia previa (errores) como guía y hacer preguntas a los intérpretes individuales cuando las necesiten. Muchos programas universitarios ofrecen "lecturas" orquestales para los estudiantes, que también pueden ofrecer retroalimentación invaluable.

Cuanto más escuchas y trabajas con la música, más "la escuchas en tu cabeza". Una vez que dominas la transcripción, es perfectamente posible ver una melodía escrita y "escucharla" en tu oído interno.

Hacer lo mismo para 2, 3... n voces es básicamente lo mismo, solo que más (y por supuesto requiere más práctica y experiencia).

De hecho, la respuesta real a esta pregunta varía según el compositor. Algunos tenían más o menos una orquesta cautiva o un coro con el que trabajar (como Bach durante gran parte de su carrera). Algunos, como Beethoven, ni siquiera podían oír (eventualmente) y, sin embargo, podían escribir. Algunos trabajaban principalmente en el piano, otros (como aparentemente Tchaikovsky) no eran particularmente buenos tocando nada.

A veces, también es instructivo mirar las partituras (no solo las clásicas) y ver cuánto, o qué tan poco, está pasando. A veces hay muchas partes entrelazadas, pero a veces, aunque hay una orquesta, no hay mucho contrapunto. Luego, el arte radica más en tener una idea melódica que se desarrolla y sigue siendo interesante, y habilidad para orquestar. Menos es (a veces) más.

En cualquier caso, todo se reduce al "oído interno" antes que nada. Sin esto, es poco probable que escriba algo que suene mucho mejor que aleatorio como punto de partida.

Primero, señalaría que cualquier compositor clásico competente probablemente conocía los conceptos básicos de cómo tocar todos los instrumentos para los que se está escribiendo. Es posible que el compositor no tenga una gran habilidad para tocar todos los instrumentos, pero cualquier buen compositor necesita comprender cómo los diferentes instrumentos producen sonido, dónde surgen las dificultades en la ejecución (p. ej., digitaciones difíciles, notas que estarán más desafinadas, etc.) , así como las capacidades del conjunto para el que se escribe.

Eso no quiere decir que los compositores siempre probarían partes en dichos instrumentos ellos mismos. (Podrían hacerlo, particularmente para pasajes más difíciles, tal vez incluso probando una parte solista con un solista experto en un instrumento específico). Pero los compositores experimentados, como se señaló en otras respuestas, tendían a "escuchar" música en su cabeza. . No es diferente a cómo la mayoría de las personas hoy en día comúnmente leen palabras escritas sin hablar. Tenga en cuenta que históricamente este no siempre fue el caso: hay alguna evidencia de que en la palabra antigua, leer en silencio era inusual y en algunos casos se consideraba notable. Pero, obviamente, con la práctica, la mayoría de las personas pueden aprender a leer un texto y comprenderlo sin vocalizarlo en voz alta. De manera similar, uno puede leer música, no solo líneas melódicas individuales, sino incluso grandes partituras con muchos instrumentos, y entenderlos.

Solo agregaría que un elemento fuerte de esto es la fluidez en la educación musical tradicional, que dio muchas reglas para producir música que "suene bien" siguiendo principios técnicos. Por ejemplo, si uno conoce las reglas detalladas del contrapunto renacentista (practicado por compositores como Palestrina y descrito en tratados como los del teórico de la música histórica Zarlino), es mucho más fácil escribir música que suene como buena música renacentista simplemente siguiendo las reglas. Eso no quiere decir que no haya otros elementos para hacer que la música suene artística e interesante, pero el simple hecho de seguir fórmulas y reglas automáticamente producirá algo que probablemente suene vagamente como "música correcta" en ese estilo.

De manera similar, cuando se trata de otros instrumentos y orquestas, a los compositores se les enseñaron los principios de la orquestación: qué instrumentos combinan bien, qué instrumentos contrastan, cómo crear equilibrio (dinámicamente, tímbricamente, etc.) dentro de un conjunto, cómo crear una buena voz. acordes usando diferentes instrumentos, etc. Al principio, la mayoría de estos principios se transmitieron de manera informal de maestros a estudiantes, pero a principios del siglo XIX, algunos maestros escribieron libros detallados sobre orquestación.

Una vez más, estos principios no pueden garantizar que lo que escriba sea interesante., pero seguir estas ideas y comprender estos conceptos permitirá a un compositor experto crear combinaciones orquestales e interacciones entre los instrumentos que generalmente sonarán competentes. Hoy en día, los orquestadores de cosas como las bandas sonoras de las películas a menudo todavía utilizan conceptos similares: el "compositor" real de una película puede esbozar las ideas de melodías, temas, instrumentación general y luego un boceto de la pieza general, pero los orquestadores pueden llenar en los detalles utilizando principios estándar. En este caso, los orquestadores suelen ser especialistas que se preocupan por los detalles reales de la interpretación en el mundo real. Las trompetas y flautas tocando juntas en una partitura computarizada pueden parecer bien, pero en el mundo real, es posible que no puedas escuchar las flautas en absoluto. O, ¿qué pasa con el hecho de que los jugadores de viento necesitan respirar? Él'

Los compositores reales, incluso hoy en día, necesitan poder evaluar la música fuera de la simulación por computadora, particularmente cuando escriben para grandes conjuntos. Mi experiencia trabajando con muchos estudiantes que crecieron en la era de la escritura musical computarizada es que tienden a escribir muchas cosas que parecen estar bien en la pantalla y en la "reproducción", pero que nunca podrían funcionar en un sentido práctico. En algunos casos, las cosas que suenan razonablemente bien en la computadora sonarán muy diferente (o incluso mal) cuando ejecutadas en instrumentos del mundo real por artistas del mundo real.

Aún así, los compositores "probaron" su música en la interpretación. Hoy en día, tenemos un sentido más fuerte de una "obra musical" terminada de lo que solía ser cierto históricamente. Es más probable que los compositores en el pasado sigan revisando una obra en función de la experiencia (y las cosas que notaron que no funcionaron tan bien), pero también en función del evento, el conjunto específico, incluidos los intérpretes/cantantes disponibles, etc. Mire las muchas versiones del Mesías de Handel , por ejemplo, donde la pieza se modificaba con frecuencia de un año a otro en función de los tipos de solistas que pudieran estar presentes. En el mundo real, los detalles del desempeño, incluso los jugadores específicos disponibles, pueden marcar la diferencia en lo que es más exitoso.

Y no son solo los compositores históricos los que necesitaban "probar" su música. Si está orquestando una partitura para una película de Hollywood hoy en día, el tiempo de estudio con una orquesta completa es increíblemente costoso. No puedes darte el lujo de darte cuenta en medio de una sesión de estudio: "vaya, esta mezcla no suena como en mi computadora" o "wow, los armónicos de ese instrumento están en conflicto con esos otros instrumentos en la parte superior". registro" o "No me di cuenta de que un fagot tendría mucha dificultad para tocar ese trino en particular, seguido de ese salto". Dichos errores pueden costar literalmente cientos o miles de dólares en tiempo perdido. Eso no quiere decir que nunca sucedan: las sesiones de estudio harán cambios a medida que se graban.

Algunos escriben con un piano para probar ritmos y progresiones de acordes. Algunos simplemente guardan todas las sonoridades en sus cabezas.

Pero en cuanto a su punto sobre las obras orquestales, he tenido el placer de tocar piezas previas a la publicación en campamentos musicales de verano u otros lugares, a menudo dirigidos por el compositor. El compositor a menudo modifica la versión final después de tales "ejecuciones de prueba". De hecho, si lee suficientes "notas de línea", encontrará que muchos compositores clásicos reorganizaron sinfonías u óperas después de las representaciones públicas publicadas inicialmente.