¿Cuál es el punto de las teclas que no sean C y Am?

Las teclas son idénticas solo en los instrumentos de temperamento igual, pero eso es la mayoría de los instrumentos occidentales modernos como los pianos. Los instrumentos de viento que no sean el trombón están construidos para tener (en su mayoría) el mismo temperamento [EDIT: podría estar simplificando demasiado aquí, vea el comentario de David a continuación], pero los jugadores pueden doblar un poco los tonos. El trombón, todos los instrumentos de cuerda sin trastes y los vocalistas tienen más control sobre las pequeñas variaciones y solo deben tener el mismo temperamento si tocan con otros instrumentos que no tienen la flexibilidad.

Pero eso es bastante académico y teórico. Has dado en el clavo en tu segundo párrafo. El propósito principal de las teclas múltiples es la modulación dentro de una sola pieza, pero sí, algunos instrumentos suenan mejor o son más fáciles de tocar en algunas teclas que en otras. Cualquier vocalista tendrá tonos en los que se sienta más cómodo y suene mejor. Como regla general, los instrumentos de cuerda orquestales sonarán mucho más grandes y ricos en tonos como D-Major, A-Major y, en menor medida, C. -mayor y sol mayor. Esto se debe a que las cuerdas al aire de estos instrumentos son Mi, La, Re, Sol y Do, y todas estas cuerdas al aire vibrarán en simpatía con las notas que tienden a usarse más en esas teclas. En el extremo opuesto del espectro, Ab y Eb Major tienden a sonar un poco aburridos y confusos en esos instrumentos.

Algunas teclas caen bajo las manos más fácilmente que otras en el piano. Por ejemplo, los que no son pianistas a menudo se sorprenden al ver que F# y C# Mayor/menor son teclas relativamente comunes para la literatura solista, pero tiene sentido porque esas teclas tienden a sentirse bien bajo los dedos, especialmente cuando el pulgar puede simplemente tocar la tecla. tecla blanca ocasional mientras que los otros dedos se adhieren en gran medida a las teclas negras.

Estoy seguro de que otras respuestas hablarán sobre otras consideraciones importantes, pero eso es una muestra.

EDITAR: Ah, y debo agregar que todos los instrumentos tienen una nota más baja posible, y la mayoría tiene un rango de notas más alto posible, o al menos un estándar más alto. Escribir para violonchelo en si mayor suele ser frustrante porque, sin desafinar el instrumento, la nota más baja posible es un do. a diferencia de las teclas en las que puede hacer que suenen) en Db quizás no sea la mejor idea ya que su tono más bajo (que suena) es D natural. Etc.

Como alguien que escribe música, tengo que agregar esto: generalmente se me ocurren ideas para canciones improvisando en un piano hasta que se me ocurre una frase que realmente me gusta. Hace mucho tiempo, cuando comencé a improvisar, se me ocurrieron algunas ideas en ciertas claves (principalmente basadas en lo que me resultaba fácil tocar en ese momento) y, con el tiempo, las emociones en esas canciones se asociaron con esas claves para mí. A medida que escribía más canciones, estas asociaciones se hicieron más fuertes. Hoy, cuando escribo una canción realmente triste, mi primera inclinación es escribirla en Mi o La menor; una canción agresiva o amenazante, do menor o re menor; y una canción de jazz o alegre, en do o fa mayor.

Sospecho que otros compositores terminan desarrollando asociaciones similares como resultado de la música que escriben y analizan ellos mismos. Esto ciertamente no significa que haya algo intrínsecamente más triste en A menor o más agresivo en C menor. Simplemente es más fácil para los compositores usar por defecto lo que están acostumbrados y no causa ningún daño.

Una vez tuve que arreglar y grabar un disco para una artista (más bien inculta) que escribía sus propias canciones, y todas estaban en C. Después de dos o tres canciones en la misma tonalidad, las canciones restantes pierden gran parte de su potencia porque el oído se aburre. Para la quinta canción, simplemente no quieres escuchar más. (¡Al menos yo no!)

Tomó algo de trabajo, pero la convencí de transponer algunas. Tuve cuidado de seleccionar canciones que realmente se beneficiarían de la transposición al colocar su voz en un registro más efectivo.

Aquí hay una manera muy fácil de pensar en esta pregunta.

Escriba una canción en la clave de C. Ahora transponga esa canción 10 octavas hacia arriba. Todavía está en la clave de C, pero ¿suena igual "emocionalmente"? La respuesta es no (en realidad, probablemente no escuchará nada excepto un molesto gemido de tono alto)

Obviamente, las diferencias son más sutiles, pero subir una tecla 1 semitono es físicamente lo mismo que subir 10 octavas. Estás aumentando la frecuencia de vibración de las ondas de sonido, solo que en una escala más pequeña. Por lo tanto, sí, diferentes claves pueden tener absolutamente diferentes impactos emocionales.

En la música con voces, la clave suele elegirse para ajustarse al rango vocal del intérprete. Solía ​​tocar en una banda con una cantante principal. Cada vez que tocábamos versiones de canciones que originalmente cantaba un intérprete masculino, a menudo era demasiado bajo para ella. Subir la melodía vocal en una octava a menudo sería demasiado alto, por lo que transpondríamos la canción unos semitonos hasta que sintiera que podía cantarla cómodamente dentro de su propio rango vocal.

En teoría musical, probablemente tengas razón: para la música occidental es la misma escala transpuesta hacia arriba y hacia abajo en un intervalo determinado. Todas las matemáticas todavía funcionan así. . . por qué ?

Sin embargo, cuando llegas a jugarlo, es cuando se vuelve más evidente. Como esto :

• En un teclado, la clave marca la diferencia en la digitación de los acordes/melodía.

• En una guitarra, algunas teclas son excelentes para tocar ya que te dan la ventaja de las cuerdas al aire. Los guitarristas tienden a escribir melodías basándose en esto; por ejemplo, “Voodoo Chile” de Hendrix se basa en gran medida en una cuerda E abierta. Podrías tocarlo en otras claves pero no sonaría igual. Otras teclas son más difíciles como E♭: no puedes usar muchas cuerdas al aire y estás un semitono por debajo de la nota de guitarra más baja (tradicional), por lo que no puedes obtener una nota/sonido suave y profundo tan fácilmente.

• Los vocalistas tienen un rango cómodo, por ejemplo, hay una gran diferencia entre hombres y mujeres en este aspecto, o simplemente en el tipo de voz. Después de haber tocado con mucha gente, los hombres que cantan canciones originalmente de mujeres generalmente necesitan que se transpongan unos semitonos o más, y se aplica lo contrario, pero también algunos huys/chicas pueden alcanzar notas que otros no pueden.

• Algunas teclas resuenan más con nosotros, porque como humanos tenemos una frecuencia de resonancia natural (diferente para todos), pero existe la noción de que las frecuencias más bajas afectan a ciertas áreas del cuerpo, las frecuencias más altas a otras ("siéntelo en el pecho" vs. "perforación"). Glastonbury está lleno de libros sobre cómo la música afecta las diferentes áreas del cuerpo. Desearía poder encontrarlo ahora, pero parece que no puedo: encontré un sitio web que tocaba una pieza de música de piano, primero en C y luego en D como comparación. Aunque por lo demás es idéntica, la tecla D sonaba más edificante (como era el argumento del sitio). Probablemente esto sea muy subjetivo, pero en este caso los comentarios debajo de la publicación lo confirmaron.

Cita obligatoria de Spinal Tap: "Re menor es la más triste de todas las tonalidades". Solía ​​tener una cita de Frank Zappa de principios de los 70 en la que decía algo así como "te tiene que gustar mucho el re menor para tocar en nuestra banda".

Pero en serio... a menudo escribo canciones en tonos fáciles de tocar en la guitarra o el teclado, como Mi menor o La menor, pero cuando las grabo, las transpongo de acuerdo con los tonos más bajos y más altos que puedo cantar. Además, las posiciones de los acordes en una guitarra influyen mucho en la tonalidad de la escritura: hay ciertos acordes que suenan muy bien en una guitarra que son fáciles de tocar (como E7/9) que suenan bien en ciertas tonalidades (Re mayor) y mal en otras claves (do mayor).

Abordemos la pregunta de manera un poco diferente. ¿Para qué sirve una firma clave ?

En términos generales, hablando de manera muy general y simple, como humanos, esperamos que las canciones tengan movimiento, expresado a través de la tensión y la resolución. Incluso las personas que no tienen inclinaciones musicales o que se describen a sí mismas como "sordas para el tono" generalmente se quedan colgadas cuando alguien toca una escala desde la tónica hasta el tono principal y luego se niega a tocar la octava (do re mi fa so la ti... ...........???)

Si establezco una cierta tonalidad o clave alrededor de cualquier nota raíz que elija para el día, y toco un acorde V7, la mayoría de los oyentes esperarán que la canción eventualmente (y relativamente rápido) regrese al acorde I. La cadencia completa V7 -> I es la fuerza impulsora detrás de mucha música occidental, tanto que obliga a los músicos a usarla para salir de la clave por el bien de ese movimiento para aparecer en otros cambios de acordes.

Considere un blues de 12 compases que utiliza una serie de acordes b7. Si nos adherimos a la clase de teoría musical de la Sra. Oldface de la escuela secundaria, al ver un acorde de séptima dominante, esto debería ser una señal gigante de que uno está en una clave que es una cuarta perfecta más alta que la raíz del acorde (o ah, un acorde perfecto). quinto abajo , supongo, dependiendo de cómo te sientas). Pero cuando estamos en C, por ejemplo, y usamos C7 para 'predecir' el IV -- F -- solo para regresar al I y luego movernos a la V real, siendo G -- de repente estás en una tierra de tonterías en lo que respecta a Granny Oldface. Ese intervalo de séptima dominante no tiene nada que ver con media cadencia, pero, por supuesto, una progresión C7 -> F es totalmente normal, si estamos en fa mayor.. En otras palabras, si te apegas a la idea de que una clave debe gobernarlos a todos, la única vez que los fanáticos de la teoría musical del mundo "te dejarán salirte con la tuya" es cuando te estés moviendo de la V a la I.

Entonces, ¿la canción se moduló a F durante 4 compases? ¿Es ese un enfoque útil para tocar, arreglar o improvisar sobre el ejemplo del blues de 12 compases? O, en cambio, ¿el compositor/banda/quienquiera que sea simplemente aprovechó la noción de que cualquier acorde con un tritono puede usarse para 'tirar' del oído del oyente de donde está la canción ahora, hacia donde va la canción?

Ahora, los tritonos invitan a muchas discusiones tangenciales sobre otras ideas como la sustitución de acordes y eso (la tensión del intervalo BF se resolverá en C tan fácilmente como lo hace en F #) y no quiero simplemente extenderme por todos lados. Pero si nos preguntamos por qué una clave no es mejor o peor que todas las claves, considere por un segundo que las firmas de claves se descartan tan fácilmente como se adhieren, sin inducir cacofonía en el proceso.

Esto no explica por qué todas las canciones no están en C, ya que todo esto podría estar sucediendo en C y podríamos estar diciéndoles a las personas que se vayan cada vez que tocamos un Bb en una canción en relación con C mayor. Pero ilustra indirectamente que implicar una tonalidad estricta de "X Major" y su relativa menor es prácticamente una regla que está hecha para romperse, precisamente porque esa tensión V7 -> I y resolución es un método poderoso para informar al oyente sobre su próximo movimiento y, como tal, aplicarlo solo a G7 -> C por toda la eternidad sería desafortunado.

Por lo tanto, no es terriblemente difícil de imaginar, incluso si es un poco hipérbole en este punto, que en un mundo imaginario de 12 tonos pero solo 1 tecla, que un jugador en algún lugar pueda darse cuenta de la potencia de esa resolución de tritono y decirse a sí mismo , "Hunh. Puedo usar un I7 para señalar un movimiento hacia el acorde IV, me pregunto... Me pregunto a dónde más puedo ir..."

Los nombres de las teclas son realmente solo una forma de definir tonos estándar para instrumentos típicos de temperamento igual. A veces, cuando compongo con la guitarra, simplemente elijo una clave en función de la facilidad con la que puedo tocar un movimiento en esa clave. Escuché de un artista que intenta relacionar el espectro del sonido con el espectro de la luz, haciendo referencia al sonido con los colores. Como dijo "Mozart", el tono altera la emoción. Si pasa a tonos atonales, normalmente los tonos más altos suenan más "tensos" y los tonos más bajos más relajados, puede experimentar fácilmente con esto usando la escala de tonos completos, que es básicamente cómo se compuso la mayoría de la música para dibujos animados y algunos programas populares (estrellas). trek) a saber, ciencia ficción.

La forma en que me gusta ver las cosas es que C3 y C4 no son el mismo sonido, sin embargo, son la misma CLAVE. Al observar el espectro, notará que C3 (~ 130 Hz) es la mitad que C4 (~ 260 Hz) y C5 es el doble que C4. Cuando muchos compositores miran la música, solo ven 2 dimensiones en el círculo de quintas, sin embargo, cuando miro el círculo de quintas, veo más una espiral de quintas donde la misma nota de una octava más alta o más baja se cruza con su contraparte ( octava) a lo largo de la tercera dimensión en lugar de completar un círculo.

El tono es importante y, a menudo, es un concepto perdido en la teoría diatónica porque la teoría diatónica realmente explica todo sobre el tono. Más bien explica la disposición de las notas y cómo se relacionan en una serie (melodía) o en una instancia (armonía) en función de la intersección de las algas marinas y los valles de las ondas dadas, y la frecuencia de modulación de la onda combinada. Sin embargo, si examinas la teoría o teorías atonales, encontrarás algo de luz sobre el tema, y ​​si eres lo suficientemente atrevido como para investigar "El concepto cromático lidio de la organización tonal" para explicar mejor cómo difieren las tonalidades y por qué las notas no lo son. t necesariamente simétrica dentro de la teoría diatónica.

¡Qué pregunta tan interesante!

La razón principal es que, como se ha mencionado muchas veces, los compositores quieren modular en otras claves. Una pieza puede volverse terriblemente aburrida si está toda en do mayor. Por ejemplo, es muy común que una pieza en do mayor se module en sol mayor (la dominante), fa mayor (la subdominante) o la menor (la relativa menor), ya que estas tonalidades están estrechamente relacionadas con la original.

Sin embargo, hay otras razones. Hace un par de cientos de años, se pensaba que ciertas claves tenían varios significados (a veces contradictorios). Por ejemplo, C Major era "puro" o la "clave de la vida". Y debo confesar que, como compositor, tiendo a asociar diferentes emociones con diferentes tonos, aunque estoy seguro de que esto es en gran parte solo mi imaginación. Pienso en mi mayor como algo muy vivaz y alegre, incluso tonto a veces; Mi menor como travieso; do mayor como inocente y festivo; Bb minor como muy oscuro, amenazante o melancólico; Etcétera.

En tercer lugar, hay ciertas teclas que se usan con más frecuencia para ciertos tipos de música. Esto probablemente se deba a los instrumentos que normalmente tocan ese tipo de música. Mucha música popular está escrita en E, A, D, B u ocasionalmente G porque esas son las teclas más fáciles de tocar para los guitarristas con la afinación E estándar sin cejilla. Mucha música de violonchelo está escrita en C, G o D porque es más fácil tocar acordes con cuerdas al aire en ellos, y las cuerdas de un violonchelo están afinadas en C, G, D y A. Muchas marchas y otros tipos de música militar están en mi bemol y si bemol mayor, porque usan muchos instrumentos de metal. Las trompetas y las tubas suelen tener un tono abierto de Bb sin válvulas presionadas, por lo que es un poco más fácil tocar en esa clave. (En realidad, las trompetas en C también son muy comunes en estos días). Sin embargo, Encontraré que las marchas y la música de trompeta de hace 200 o 300 años a menudo se escribían en re mayor. Eso es porque la trompeta en D era muy común y no tenía válvulas en ese punto, por lo que solo podía tocar la D.secuencia armónica .

¿Una composición escrita en Do mayor suena emocionalmente diferente a una composición escrita en Re mayor (aparte de un ligero cambio en el tono)? En cualquier instrumento real hecho de material físico real como madera, metal y cuerdas, sí, absolutamente lo hace.

Cualquier instrumento físico real tendrá un montón de resonancias sutiles y no tan sutiles en tonos más o menos fijos que dependen muy poco de su afinación, y estos interactuarán con los armónicos de las notas que se tocan de manera que hacen el timbre de cada nota depende perceptiblemente del tono. Esta es la razón por la que un buen piano electrónico basado en una física vibracional cuidadosamente simulada suena como un piano, mientras que uno de mierda basado en muestras con tonos torcidos de un piano real suena un poco extraño, deformado y horrible.

Efectos similares ocurren por razones similares cuando se tienen en cuenta las resonancias en el propio cuerpo y los oídos del oyente y también en el cerebro auditivo. No todos estamos equipados con micrófonos de referencia perfectos de Bruel & Kjaer, y estas diferencias marcan las diferencias.

A los cantantes aficionados parece gustarles cantar en tonalidades alrededor de G. Si miras los libros de himnos, a menudo están en tonalidades como F, Gb, G, Ab y A. Rara vez están en C. Creo que los cantantes profesionales o entrenados han desarrollado lo suficiente rango que en su mayoría no les importa, pero el tipo de personas que encuentras en la iglesia un domingo por la mañana pueden no ser capaces de cantar notas altas o bajas.

Toco para algunos eventos de baile de Morris. Algunas de las melodías están en D y tienen palabras que los bailarines cantan antes de bailar. (Estoy pensando en The Fox de Ducklington, o Bonny Green Garters de Bampton, si sabes lo que eso significa). Cuando toco las melodías en D para que comiencen, no pueden cantar porque son demasiado altas. Entonces, los toco en G o A, y luego, cuando comienza el baile y termina el canto, cambio a D. Nadie sabe excepto yo, porque soy Johnny Cash. Además, los bailarines generalmente están demasiado borrachos para notar que la tonalidad ha cambiado, y la audiencia está demasiado asombrada de que las personas que están tan borrachas puedan pararse sin caerse. Eso es todo lo que sé.

1. Nos volveríamos locos con una sola llave.
2. Una pieza rara se queda en una clave.
3. Se requieren llaves diferentes para la tensión.
4. Diferentes teclas son más fáciles para diferentes instrumentos.
5. Lo más importante es que las llaves exhiben características afectivas. Lea este (libro: Una historia de las características clave en los siglos XVIII y principios del XIX y este sitio web aquí: Características de las claves musicales .

También hay ciertas conexiones con diferentes tonalidades, ya diferentes compositores les gusta escribir en tonalidades diferentes. Brahms, por ejemplo, amaba las teclas con muchos sostenidos o bemoles (do sostenido o sol bemol). Algunos compositores han utilizado esto con gran efecto, la séptima sinfonía de Sibelius, en do mayor, es una elección irónica, la aparente simplicidad disfraza una gran riqueza de complejidad.

El punto sobre los rangos de instrumentos está bien hecho, y es especialmente importante al escribir canciones, ya que el rango de diferentes voces puede hacer que las diferentes teclas sean particularmente fáciles o difíciles de cantar. Escribir en los rangos extremos de instrumentos y voces puede ser emocionante y tenso, y elegir la clave correcta puede ayudar a que esto suceda.

Los pianos y (otros instrumentos) no están "perfectamente" afinados. Comenzando con una nota (digamos C central) puede encontrar la frecuencia para una octava más alta duplicando la frecuencia. Puede encontrar las frecuencias de las otras notas en la escala mediante cálculos adicionales.

Pero el punto es que si luego comienza con otra nota y trata de construir la escala (comenzando con esa nota raíz), las posiciones/frecuencias de las otras notas en la escala serán ligeramente diferentes en comparación con los valores de frecuencia que calculó para la escala de Do mayor.

Si construyes un piano sobre estos principios que está perfectamente afinado para Do mayor (usando Just Tuning ), sonaría un poco "fuera de lugar" al tocar escalas en otras teclas.

La afinación moderna de pianos (y otros instrumentos) se basa en un compromiso que hace que todas las teclas suenen razonables, pero existen diferencias microscópicas en los intervalos de las diferentes teclas, lo que da como resultado una "sensación" ligeramente diferente para cada tecla.

Si la canción está orientada a la guitarra, la clave, suponiendo que no quieras usar un capo, determina el sabor de los acordes, ya que en una guitarra, diferentes acordes utilizan diferentes cuerdas al aire y diferentes combinaciones de notas de bajo a alto. Pero la respuesta real a su pregunta es 1) elegir una clave cómoda para cantar, 2) crear el ambiente más agradable (para usted) para la guitarra. Pero para acortar una respuesta larga, elige una clave porque simplemente le suena bien, y ese es el único criterio que necesita. Solo agregaría que con la guitarra, las afinaciones alternativas también son una posibilidad y pueden ser divertidas de explorar. Si desea tocar en Eb, por ejemplo, y aun así obtener la nota fundamental baja completa, puede afinar toda la guitarra en medio tono estándar hacia abajo, como se sabe que hacía Stevie Ray Vaughn. Drop-D, afinando la cuerda E baja un paso completo, se usa mucho para proporcionar una nota raíz baja en la clave de D. Ejemplos de esto son "Dear Prudence" de los Beatles, "The Chain" de Fleetwood Mac y "Ohio" de Neil Young. También hay afinaciones abiertas, G y E son probablemente las más comunes. Y luego está DADGAD, que es un mundo completamente diferente pero muy divertido de explorar. Esta es principalmente una afinación popular acústica, pero se usó con guitarra eléctrica en la canción "Kashmir" de Led Zeppelin. También está EBDGAD. Esta afinación se utilizó para las canciones "Deja Vu" de CSNY y "Sex Kills" de Joni Mitchell. G y E son probablemente los más comunes. Y luego está DADGAD, que es un mundo completamente diferente pero muy divertido de explorar. Esta es principalmente una afinación popular acústica, pero se usó con guitarra eléctrica en la canción "Kashmir" de Led Zeppelin. También está EBDGAD. Esta afinación se utilizó para las canciones "Deja Vu" de CSNY y "Sex Kills" de Joni Mitchell. G y E son probablemente los más comunes. Y luego está DADGAD, que es un mundo completamente diferente pero muy divertido de explorar. Esta es principalmente una afinación popular acústica, pero se usó con guitarra eléctrica en la canción "Kashmir" de Led Zeppelin. También está EBDGAD. Esta afinación se utilizó para las canciones "Deja Vu" de CSNY y "Sex Kills" de Joni Mitchell.

Un poco tangencial, tal vez, pero una idea, para intentar responder a la pregunta. Intente cantar una primera línea conocida de una canción. Grábelo y verifique su tono con el tono conocido. Nótelo (sic). Repita diariamente, sin referencia a otros sonidos musicales. Tenga en cuenta cada clave. ¡Apuesto a que no es lo mismo cada vez! Vuelva a intentarlo después de escuchar otra melodía. ¡Apuesto a que cantas en el mismo tono que la última melodía!

La mayoría de las personas, incluso los cantantes, no lanzarán una canción que puedan cantar en la misma tonalidad cada vez, a menos que: a. tienen un punto de referencia, o b. tienen un tono absoluto. Aparte de todo esto, no mucha gente podría tocar/cantar una melodía en particular solo en Cmaj. o Amín. por todas las razones citadas anteriormente.

¿Cuál es el punto de las teclas que no sean C y Am?

La respuesta debería ser obvia: escuchar otros tonos C D E F G A B.

Un poco más sutil es el punto de escuchar centros tonales que no sean Cy A.

Más sutil aún es la sensación de contraste de tonalidades. Cmayor y Amenor solo permitirían contrastar el menor relativo que tiene una sensación particular. Contrastando Ccon Go Ccon Dmenor y así sucesivamente, cada uno tiene sensaciones diferentes. No podrías lograr esas sensaciones diferentes con solo dos teclas.

Se podrían hacer muchas analogías con otros sentidos además del sonido. ¿Cuál es el punto de que un artista use color, podría usar blanco y negro o monocromo? Un artista podría hacer eso, a veces lo hacen, ¡pero no se limitan de esa manera a todas las artes visuales!

Las distintas tonalidades mayores/menores no son más redundantes en la música que un círculo rojo o azul sería redundante en las artes visuales. Las similitudes formales no hacen que las cosas sean redundantes. Las similitudes formales relacionan las cosas y esas relaciones son algunos de los factores más importantes en la percepción del arte.

La mayoría de las personas encuentran las tonalidades mayores más alegres que las tonalidades menores, pero más allá de eso, realmente depende de a quién le preguntes. Beethoven creía que había correlaciones muy específicas entre los estados de ánimo y las tonalidades (en particular, se ha hablado mucho de sus composiciones en Do menor; vea esto para un artículo), y durante el período romántico se escribió mucho sobre la idea (con poca consistencia por parte del autor). al autor).

Aquí hay una colección de algunos de los materiales escritos del siglo XIX sobre el tema. Y aquí hay un blogger contemporáneo que ha pensado un poco en esto, a quien podrías encontrar interesante.

Sí, hace una diferencia significativa. Cambiar la tonalidad altera el timbre y la armonía intrínseca de una pieza musical, incluso en afinaciones de igual temperamento. Hay tres efectos:

• Cambio de armónicos entre formantes: Los formantes son resonancias en cada tono, que amplifican ciertos armónicos. La transposición de una pieza por solo unos pocos semitonos cambia completamente los armónicos, que son dominantes y, por lo tanto, la armonía de los armónicos entre sí. Considere que la letra de una canción se escribió de manera que el sexto armónico se ve reforzado por el segundo formante, creando un acorde agradable y claro con el resto de los instrumentos. Transponer la pieza hacia abajo solo dos semitonos cambiaría la resonancia al 7mo armónico, lo que crea un acorde totalmente diferente y podría no encajar en el contexto de la música en absoluto.
• Los mismos formantes se desplazan y cambian: puedes notar fácilmente que la misma nota en una guitarra suena diferente, dependiendo de dónde la toques. Asimismo, la transposición de una pieza musical cambia el carácter del sonido, porque el timbre de un instrumento depende del tono hasta cierto punto. Solo observe cómo cambia la calidad de la voz de un cantante dentro de una octava.
• Cambio de tono: no es cierto que se requiera un tono absoluto para escuchar el efecto del tono. Si lo hiciera, la gente normal no sería capaz de distinguir diferentes vocales o notas agudas y graves. Simplemente no somos capaces de distinguir y recordar pequeñas diferencias como uno o dos semitonos. Cambia todo el espectro de frecuencias de una pieza en media octava y escucharás una gran diferencia.

Hay muchas respuestas interesantes que mencionan varios aspectos del cambio de clave. Me gustaría centrarme solo en el sonido, o específicamente en la cobertura espectral.

Como otros mencionan, muchos instrumentos suenan de manera diferente en varios registros. Permítanme hacer de abogado del diablo y atacar esta afirmación.

Se puede conseguir un instrumento electrónico (por ejemplo, un sintetizador) que suene igual en cualquier registro (ver, por ejemplo, tonos de Shephard), o podemos alterar el sonido de algunos instrumentos, por ejemplo, cambiando la articulación o usando un efecto electrónico. La transposición hacia arriba o hacia abajo cambia el sonido porque usamos frecuencias de notas más altas o más bajas. Hasta cierto punto, uno puede intentar compensar esto. Por ejemplo, al transponer hacia abajo, se puede elegir un sonido más brillante para cubrir un rango similar del espectro de frecuencias.

Tenga en cuenta que esto es completamente imposible en algunos instrumentos, por ejemplo, un piano acústico no modulado por efectos electrónicos. Más aún, no funciona tan bien para las frecuencias bajas que son percibidas por todo el cuerpo, en lugar de solo escucharlas con los oídos.

Por ejemplo, muchos estilos de música electrónica se basan en gran medida en la línea de bajo, y mover estas notas solo varios semitonos hacia arriba o hacia abajo puede cambiar la percepción de las mismas de forma espectacular. Otro ejemplo son muchos guitarristas de rock que afinan sus guitarras hacia abajo, porque no hay otra forma de lograr un sonido similar con la afinación estándar. Varias bandas de rock y metal eligen varias formas de arreglar las líneas del bajo para que suenen bien con guitarras de afinación baja.

Por lo tanto, el sonido de los registros graves es (otro más) aspecto a tener en cuenta al elegir la clave. Cambiar la clave puede requerir reorganizar la línea de bajo por completo si se sale del registro donde suena apropiadamente.

Otro ejemplo, más humorístico: dicho todo lo anterior, podría no sorprender que muchas melodías pop occidentales se escribieran en la misma clave, y aparentemente solo usan cuatro acordes diferentes, cf. https://www.youtube.com/watch?v=oOlDewpCfZQ . Algunos podrían ser tan aburridos o espantosos que este sea el caso.

Pero hay numerosas culturas musicales en la tierra además de la occidental, y esas tienen diferentes conceptos de tonalidad, y como tal, para oyentes y artistas, proporcionarán experiencias muy diferentes y demás. Además de lo que se dijo en las otras respuestas, estas pueden proporcionarle muchos "puntos de teclas que no sean C y Am".

Usando las notas blancas, puede tocar una escala mayor de C, una escala menor natural de A y todos los demás modos de notas blancas también. Por supuesto, hay muchas melodías que se pueden tocar y armonizar usando solo las notas blancas.

Pero también hay un montón de melodías que no se pueden tocar solo en notas blancas sin importar cómo las transpongas.

Entonces sí, necesitas más que C mayor y A menor.

Creo que los libros de teoría musical pueden dar la impresión de que todo lo que hay son escalas mayores y escalas menores, olvidando que hay muchas además: escalas disminuidas, escalas cromáticas, de tono completo, escalas modales, etc., etc.

La clave es una cosa, luego tienes diferentes escalas. Ciertos géneros de música se tocan en escalas particulares. Puedes tocar blues en La menor, Re menor o la tonalidad que quieras, pero no sonará como blues si no sigues una determinada escala. Por ejemplo, tiene arpas de blues diatónicas disponibles en varios tonos y arpas cromáticas que le permiten tocar en cualquier tono y escala que desee. El primero se suele utilizar en la música blues, el segundo es más para la música clásica.

Ese es mi punto de vista y experiencia propia... pero la música en Do mayor suena como canciones de cuna para niños o canciones para niños, La menor suena un poco suave, Re menor suena un poco triste, Do menor suena un poco más alegre para mí. ejemplo. Si solo tocas las teclas negras, suena como música asiática.

Además, si la música se limitara a 2 teclas... perdería toda su creatividad. Después de un tiempo, todo sonaría igual.

Me gustaría sugerir que hay tres fuentes de este llamado "simbolismo clave":

1. Las diferencias reales en el tono, p. ej., tome la rica tríada en re bemol mayor que finaliza una pieza romántica para piano como "Fantasía improvisada" de Chopin y transpóngala hacia arriba o hacia abajo en una tercera mayor, observando qué tan "turbia" está en A y cómo "superficial" está en F.

2. Convenciones y asociaciones en la mente del compositor, a menudo derivadas de preferencias clave de instrumentos particulares, por ejemplo: do mayor sugiere que los niños aprendan a tocar el piano, re mayor es el coro Aleluya, mi bemol mayor es una banda de música, etc.

3. La relación del sonido con la nota impresa. No lo he escuchado antes, pero parece plausible que mientras escuchan una interpretación musical mientras miran la partitura, algunas personas podrían darse cuenta de que en mi mayor muchas de las notas "saltan" de nuestras expectativas para esa línea. o espacio en el pentagrama y, a la inversa, en mi bemol mayor, muchas notas están "deprimidas" hacia abajo del tono esperado.

Solo puedo hablar por mi propio instrumento, pero no creo que esto sea exclusivo de la guitarra. Definitivamente, también hay algunas consideraciones prácticas específicas para los instrumentos al considerar las teclas.

Por ejemplo, la música de piano es relativamente abierta en cuanto a la tonalidad, pero para la guitarra siempre quieres ir a las tonalidades naturales de la guitarra (E, A y D)

Tocar música de guitarra en do será complicado porque do menor tiene un mib y la afinación estándar de la guitarra tiene mi natural. Por supuesto, puedes afinar toda tu guitarra medio paso hacia abajo para obtener esos Eb en las cuerdas al aire, pero si llegas a este punto, creo que sería mucho más fácil transponer lo que sea que estés tocando a E y mantener el estándar de afinación.

También creo que para la música de voz, una tonalidad con muchos sostenidos o bemoles hará las cosas muy difíciles para los cantantes. No tienen formas fáciles de entonar correctamente, por lo que sería bueno que sea menos difícil para ellos elegir una clave simple.

Una razón que no parece enfatizarse (lo suficientemente fuerte) con las respuestas existentes aquí:

Algunas teclas son, de hecho, mucho más fáciles de aprender y tocar para los nuevos aprendices de un instrumento que otras, simplemente debido a su conjunto de notas, especialmente los nombres de las notas, que se utilizan. Los estudiantes de piano suelen aprender primero las notas blancas, por lo que su música fácil es predominantemente en Do mayor (La menor es menos convincente si aún no ha aprendido a leer o tocar G♯). Los estudiantes de banda de concierto tienen un porcentaje lo suficientemente alto de instrumentos de transposición B♭ (p. ej., trompeta, clarinete, saxo tenor, clarinete bajo), todos todavía están aprendiendo notas blancas primero, por lo que la música de banda de concierto fácil suele ser en concierto B bemol mayor o G menoren cambio. (Me di cuenta de esto escuchando repetidamente música de banda de concierto de Grados 0.5-1.5. Su tasa de uso de estas dos teclas es dolorosa pero justificadamente alta).

Dos tradiciones diferentes que necesitan usar música fácil para enseñar y practicar, y ya necesitamos ramificarnos en tonalidades que no sean do mayor y la menor.

Estoy limpiando esto para que sea un resumen de lo que realmente pienso, después de haberlo pensado, jugado con mi teclado, etc.; el mensaje básico es el mismo.

• Las teclas que tienen nombres de una sola letra como "A" y "D" y sostenidos en sus armaduras suenan brillantes, optimistas, etc.

• Las teclas que tienen bemoles en sus armaduras suenan aburridas, nostálgicas, tenues, etc.; estas teclas incluyen F y todas las teclas con bemoles en su nombre (Bb, Eb, etc.)

• Las teclas con nombres como Bb, Eb, etc. también tienen nombres sostenidos (A#, D#, etc.), pero esto no cambia el hecho de que la tecla, con cualquier nombre, básicamente tiene un sonido plano. Esta es la razón por la que los nombres de las teclas planas se usan tradicionalmente, por ejemplo, los estudiantes de música aprenden Bb desde el principio, y A# se encuentra más tarde, si es que lo hacen.

Creo que esto es probablemente explicable en términos de la frecuencia promedio de todas las notas tocadas en una canción típica en la clave, si elimina las diferencias de octava (por ejemplo, todos los A se convierten en 440 hz).

Hay un comercial de Microsoft en la televisión en este momento que ejemplifica esto. Toma la canción "Perfect Day" de Lou Reed y la transpone de A Minor/C Major a F. El resultado es simplemente ridículamente plano... Supe en el momento en que lo escuché que la canción había sido transpuesta a una clave plana. Me sorprende que alguien discuta esto.

Editar: estaba escuchando algo de música y escuché otra que está en una clave realmente plana: "Weak" de SWV. Esto está en mib mayor (do menor). Tan pronto como lo escuché, pude escuchar la planitud, así que lo busqué en Google.