¿Por qué no se escriben los nombres de los acordes en las partituras clásicas?

Descargo de responsabilidad: omito un montón de coberturas sobre a lo que me refiero cuando digo "música clásica" a continuación; Piensa en Bach o Brahms

Suena como si tuvieras antecedentes de pop/rock y estuvieras familiarizado, por ejemplo, con las tablas de guitarra como una forma de notar la estructura de una canción. Otras respuestas han señalado que:

• en la música clásica, la notación es casi siempre (desde Bach hasta la actualidad) muy precisa y etiquetar los acordes sería superfluo; el intérprete simplemente toca las notas en la página (con suerte ingeniosamente)
• la mayoría de la música del repertorio clásico se puede anotar con una estructura de acordes (a veces simple, otras veces muy compleja o ambigua). Llamaríamos a esto análisis armónico , y puede ser un proceso creativo en sí mismo (es algo que estudiarías mucho si estuvieras estudiando música en la universidad)
• el bajo figurado era una práctica para anotar partes semi-improvisadas, y es similar a las tablas de guitarra en espíritu

La armonía y el análisis armónico es un tema realmente amplio, pero hay un par de cosas que podemos decir sobre la música popular, la armonía y la notación que pueden ser útiles:

Primero, la comprensión de lo que realmente es un acorde y lo que hace es bastante diferente entre la música popular y la música clásica (piense en Brahms, digamos). Algo de esto es un poco tangencial a su pregunta:

• en música clásica se entiende por acordes una secuencia de terceras superpuestas a partir de alguna nota de la escala en la tonalidad que estamos habitando (o una tonalidad adyacente, siendo un acorde de dominante secundaria un ejemplo sencillo). La forma en que las notas del acorde se distribuyen en instrumentos u octavas (cómo se expresa el acorde ) suele ser una preocupación secundaria y no afecta fundamentalmente cómo entendemos lo que sucede armónicamente en una pieza musical. (Eso no es del todo cierto: tendemos a etiquetar la inversión de acordes, esa es la nota que está en el bajo. La implicación aquí es que, sí, a menudo la nota fundamental del acorde es la nota más baja)
• De manera relacionada, la música clásica se caracteriza por la armonía funcional , es decir, diferentes acordes quieren continuar con ciertos tipos de acordes (un IV "quiere" ir a un acorde V, que quiere resolver el I, etc.). Este tipo de atracción sustenta el drama y la atracción emocional de la mayoría de la música clásica, y los compositores confían en que el oyente haya interiorizado este tipo de lenguaje musical.
• por el contrario, la música popular tiende a ser mucho más flexible en cuanto a la forma en que se espera que se comporten los acordes; Por ejemplo, tanto V - IV - I como IV - V - I son progresiones ubicuas en la música pop, pero la primera simplemente no tendría sentido en una pieza clásica: sería como si el aire se escapara de un globo.
• De manera relacionada, la música pop tiende a usar una progresión de acordes cíclica que se repite cada 4 compases, digamos; en general esta progresión puede ser casi cualquier cosa. En contraste, la estructura de los acordes en una pieza clásica tiende a ser más larga e irregular, ya que el compositor lleva al oyente lejos de la tónica y de regreso, jugando con sus expectativas basadas en su familiaridad con el lenguaje de la armonía funcional.
• Los guitarristas piensan en los acordes de una manera idiomática , es decir, de una manera que está estrechamente ligada a la mecánica del instrumento mismo: por ejemplo, la sonoridad es de primera clase, surgen nuevos "acordes" de la necesidad de permitir que suenen las cuerdas al aire y produce un efecto agradable, etc.

Volviendo más directamente a su pregunta: la forma en que los guitarristas de pop/rock etiquetan los acordes es diferente en un par de aspectos importantes de la forma en que escribiría los acordes al analizar una pieza de Brahms (digamos):

Los guitarristas (y también los músicos de jazz, de donde creo que proviene gran parte de este lenguaje) asignan etiquetas a los "acordes" que en la música clásica no consideramos acordes. por ejemplo , acordes "sus" como "C sus4" o lo que sea; en el análisis armónico clásico no pensamos en esto como un acorde; lo llamaríamos un "acorde de Do mayor" y luego hablaríamos de una suspensión , que es un tono sin acorde .

En la música clásica estas notas suspendidas tienden a resolverse ; crean tensión al estar fuera de lugar por un momento. La implicación es que el oyente escucha un acorde de do mayor y escucha que hay una disonancia. Por el contrario, en la música pop, estos acordes no necesitan ser de paso o resolución, simplemente pueden sentarse allí y ser un color interesante, efecto, o tal vez jugar con la línea vocal de una manera interesante.

Hay mucho lenguaje en la música clásica para diferentes tipos de tonos que no son acordes , por ejemplo, tonos de paso, apoyaturas, etc. Si analiza los corales de 4 partes de Bach, puede ver todos estos. Incluso usará modismos que implican una cascada de suspensiones que atraviesan muchos acordes de formas complejas y donde en ningún momento se puede tomar un segmento vertical y encontrar un acorde puro "sin adulterar".

El punto que estoy tratando de enfatizar es que un análisis armónico de una pieza de música clásica (así es como lo etiquetaríamos con acordes) a menudo se trata de la tensión entre lo que esperamos escuchar como oyentes y qué notas son siendo escuchados, y generalmente ignoran cómo se expresa el acorde u omiten algunas notas que están sonando. A veces hay múltiples interpretaciones válidas.

Lo siento, esto se está haciendo largo. Concepto importante relacionado que debería estar más arriba: contrapunto , la forma en que múltiples líneas de melodía interactúan para sugerir alguna estructura armónica, es decir, para formar acordes y hacer cosas divertidas dentro de esa estructura de acordes (tonos que no son acordes, arriba). Esto es lo que ves destilado en las corales de Bach.

Otras épocas y tipos de piezas son mucho menos pesados ​​en el contrapunto, por ejemplo, una simple pieza para piano de Mozart o un acompañamiento de una canción de Schubert puede tener una mano izquierda que delinea fuertemente la estructura de acordes de la pieza, tocando arpegios o el I y V del acorde. Parece que estás más familiarizado con ese tipo de escritura (y eso es lo que es común en la música pop).

En la gran mayoría de la música clásica, el jugador tiene la tarea de tocar exactamente las notas que escribió el compositor. No es muy importante que el músico entienda la teoría detrás de la pieza, y un gran número de músicos clásicos conocen poca o ninguna teoría (al menos hasta que llegan al conservatorio, si van por ese camino) y no sufren por ello.

Consideremos la conocida sonata para piano en do de Mozart:

Y consideremos agregarle símbolos de acordes:

Francamente, estos símbolos de acordes no agregan nada. Entonces, ¿qué pasa si sé que la primera medida es C? Todavía tengo que tocar las notas que escribió Mozart. Lo único que hacen es distraerme.

Invierta esto y pregunte "¿por qué los nombres de los acordes, en lugar de las notaciones de pentagrama de las notas en los acordes, se usan con tanta frecuencia para la música popular escrita y el jazz, pero no para la música clásica?"

Un aficionado típico, alrededor de la fogata guitarrista, por ejemplo, no lee música, pero si le pides a esa persona que toque un "acorde C" él o ella sabe dónde poner los dedos. Los nombres de acordes son la forma más concisa de comunicar la información mínima requerida.

El músico de jazz profesional, posiblemente usando un libro falso, conoce muchas formas diferentes de tocar cualquiera de los acordes indicados por el nombre de la cuerda y cómo usar ese conocimiento para improvisar sobre esa estructura armónica. Para esta persona, los acordes dados son una sugerencia, no algo grabado en piedra.

La música clásica está/estaba dirigida a una población de músicos que son capaces de leer con fluidez la notación musical. También se escribe generalmente con la idea de que se utilizarán las líneas melódicas, la armonía y la instrumentación exactas que el compositor imaginó. No es 100% "escrito en piedra", ya que toda la música se interpreta, pero el compositor tenía un concepto muy detallado y requiere un medio más detallado para comunicarlo.

Obviamente se usaron acordes; uno solo necesita mirar y escuchar para ver y escuchar eso.

Pero además de la gran respuesta de Matt, otra razón es que esa clasificación de acordes no siempre encaja en la música del pasado. Hay extractos de la música polifónica de Bach especialmente que no son del todo propicios para un análisis tan reduccionista.

Además, mucha de la música popular actual se basa en acordes, lo que significa que es mucho más propicia para este tipo de etiquetas.

(Si hay música popular escrita hoy en día que sea tan polifónica como la de Bach, tendría curiosidad por ver cómo eligieron escribirla).

La forma de anotar los acordes y las inversiones en la época barroca era como bajo cifrado. Dado que esa notación hace referencia a la línea de bajo y que el contenido armónico y las inversiones tienden a cambiar más rápido que los cambios de acordes actuales y se anotan más específicamente con respecto a la inversión prevista, la interpretación del acompañamiento medio improvisado se adaptaba más al teclado. instrumentos en lugar de guitarras, el principal objetivo actual de la notación de acordes.

El bajo calculado más o menos le cayó bien a Bach, ya que tendía a deletrearlo todo explícitamente en lugar de confiar en las habilidades de improvisación de los teclistas.

Ya ha recibido algunas respuestas excelentes, pero quería señalar más específicamente cómo solo mirar los acordes no puede describir suficientemente cómo interpretar piezas.

Suponiendo que la música "clásica" se refiere a toda la música en el período de práctica común, así como en el siglo XX, los acordes no son suficientes para describir la música por completo. Uno puede encontrar muchos ejemplos de esto en el siglo XX. Un gran ejemplo de esto son las Nouvelles Aventures de Ligeti .

Henry Cowell, en Dynamic Motion , llama a tocar acordes que usan todo el brazo de un pianista (alrededor de 33 segundos):

Como un ejemplo mucho más extremo, ¿qué pasa si no hay lanzamientos en absoluto? También se puede ver la música de aplausos de Reich :

Me sorprende que nadie haya mencionado módulos de seguimiento y música de seguimiento todavía.

https://en.wikipedia.org/wiki/Music_tracker

Este tipo de programas se utilizaron para escribir las grandes series de televisión y las pistas clásicas de los videojuegos de la década de 1990.

Si cree que los compositores clásicos como Bach y Mozart fueron detallados al especificar cada nota (en lugar de simplificar demasiado los acordes), los módulos de seguimiento llevan este paradigma a un nuevo nivel. Un módulo define un conjunto de muestras, y luego la pista misma invoca las muestras cuando se necesitan. Cada muestra también podría asociarse con efectos codificados en bytes separados, lo que también dictaría la interpretación de manera efectiva. El único problema era que los diferentes programas del módulo de seguimiento usaban diferentes códigos de efectos, lo que significa que un módulo escrito para un programa específico podría arruinarse parcialmente si se usaba un intérprete diferente.

El paradigma de los acordes limita fundamentalmente al compositor a un pequeño subconjunto de música posible. Por lo que estoy leyendo, los 2 atractivos principales de los enfoques basados ​​en acordes son la simplicidad de composición y un amplio rango de interpretación, los cuales se prestan fácilmente a las artes escénicas modernas. Esto probablemente también explique por qué he visto quejas cada vez mayores (de músicos) en varios artículos de noticias a lo largo de los años de que la música moderna se está volviendo demasiado poco original. En resumen, el enfoque de acordes tiene una curva de habilidad baja: puede hacer música popular rápida y fácilmente, pero el "techo" de la música que puede producir es bastante bajo en comparación con los enfoques clásicos o basados ​​en rastreadores.

Para aquellos de ustedes que dicen que la música que no encaja en un marco de acordes está pasada de moda o está demasiado especificada, les recomiendo escuchar algunos de los clásicos de la década de 1990 de artistas famosos del módulo de seguimiento como Alexander Brandon, Elwood y Purple Motion. Algo que verá mucho con los mejores artistas del módulo de seguimiento es cómo entrelazan al menos 4 canales de audio (percusión, bajo y 2 instrumentos principales), lo que podría decirse que marca la línea entre el "promedio" moderno (percusión/bajo/ 1 instrumento principal o voz) y composición "realmente buena". En la era clásica también se entretejían varios instrumentos o temas principales (por ejemplo: inventos de 2 partes y sinfonías de 3 partes).

En los viejos tiempos, cuando estabas limitado a 4 canales de audio (un artefacto de la era de la computadora Commodore Amiga), ni siquiera podías hacer un acorde paralelo completo en los canales de audio porque te comerías 2 o 3 de ellos y no dejarías espacio. para mucho más. Los artistas tenían que codificar acordes completos en muestras e invocarlos. Un ejemplo de esto se puede encontrar en el módulo de seguimiento "Space Debris" de un artista que se hace llamar "Capitán". Si observa la instrumentación en la versión Impulse Tracker, puede ver instrumentos llamados Chord1 Major y Chord1 Minor.

Tengo curiosidad por ver qué se les habría ocurrido a los compositores clásicos si hubieran tenido acceso al moderno banco de trabajo de audio digital (DAW) o incluso al software del módulo de seguimiento. Escribo mi propia música estilo tracker en un DAW moderno y ya es bastante difícil componer con el complejo paradigma de 4 canales anterior. Escribir lo mismo en un programa de módulo de seguimiento de celdas de caracteres es definitivamente más difícil, y se necesita aún más habilidad para redactarlo en papel solo sin computadora.

Fundamentalmente, los símbolos de acordes solo pueden describir música con la que uno ya está familiarizado. Pruébalo con una pieza musical que nunca hayas escuchado antes... no es posible extraer nada remotamente significativo o consistente.