¿Por qué las canciones populares modernas compuestas en piano suenan diferente a las compuestas en guitarra?

Solo algunas ideas:

Un instrumento de teclado proporciona mucha más libertad en términos de la cantidad de notas que pueden sonar juntas y la distancia entre ellas. Es difícil en una guitarra tocar una línea de bajo que se mueva con fluidez y un patrón de acordes dos octavas por encima; es trivial en un piano. El mecanismo de sostenimiento de un piano permite que todas las notas se sostengan a la vez; con una guitarra, tienes un máximo de seis.

Algunas formas de acordes son mucho más duras en la guitarra que otras: la barra F es mucho más dura que la E abierta, por ejemplo. También hay algunas diferencias en el piano, pero es una influencia mucho menor en sus elecciones de acordes y digitación. Esto puede verse como una desventaja de la guitarra, pero puede tener beneficios interesantes en el sentido de que los acordes más interesantes pueden caer naturalmente bajo sus dedos: en lugar de tocar una barra F completa, tocar solo FCF en las tres cuerdas inferiores le da algunas notas adicionales en las tres cuerdas abiertas restantes que quizás no haya elegido inicialmente.

Con un piano, el acto de seleccionar la nota a tocar y el acto de tocarla son lo mismo; con la guitarra, tienes una mano para cada uno.

Un piano brinda mucha menos flexibilidad en la forma en que puede tocar y silenciar notas, por lo que el pianista tenderá a agregar expresión con arpegios y dinámicas.

Con una guitarra, puede deslizar trivialmente la forma de un acorde hacia arriba y hacia abajo, lo que no puede hacer en un piano. Esto se hace a menudo usando una de las cuerdas al aire como pedal; por supuesto, también es posible tocar un pedal en el piano, pero no te anima a hacerlo como lo hace una cuerda al aire de guitarra.

Las tradiciones musicales son algo diferentes. Hay más repertorio de piano en la tradición de práctica clásica / común, por lo que tiende a obtener progresiones de acordes diatónicos con modulaciones ocasionales; Las progresiones de acordes de guitarra pueden tener más raíces en el folk y el blues, por lo que obtienes más escalas modales, escalas pentatónicas, intercambio modal... (una enorme simplificación excesiva allí y, por supuesto, hay una gran cantidad de trabajo en todas esas tradiciones y más para ambos instrumentos, pero creo que sigue siendo una consideración).

En el piano, su "alcance" se ordena por tono. En la guitarra, se arregló "funcionalmente" donde las notas separadas una o varias cuartas (o terceras) están muy próximas.

Por lo tanto, la guitarra tiene ciertas voces y formas de acordes en las que puede bajar la mano izquierda y ejecutar un patrón de punteo no trivial a través de la mano derecha, lo que resulta en un relleno fracturado del espacio armónico. Si toma, digamos, el patrón de selección de "Scarborough Fair" de Simon & Garfunkel, es fácil de tocar en la guitarra y sería un desastre total en el piano.

Si haces arpegios en el piano, no pueden estar tan desordenados como un patrón en la guitarra.

Ahora el piano es excelente para apilar terceras y segundas, que son intervalos más pequeños que el intervalo de guitarra "predeterminado" de una cuerda a la siguiente. Entonces, la cultura de los acordes de piano se inclina hacia la acumulación de acordes no ortodoxos más densos que los que prefiere la guitarra. Además, la guitarra tiende a centrarse en obtener la nota del bajo precisa y no ser tan exigente con la forma de los acordes apilados en la parte superior: eso está más o menos determinado por dónde van mejor los dedos y si faltan algunas notas o se duplican, eso no es motivo de preocupación. .

Las inversiones de acordes se fijan más en el piano: no solo comienza un arpegio de la mano derecha en cualquier lugar que desee y lo finaliza cuando sea conveniente. El sustain del piano también es más agresivo: si tienes un punteo mitad melódico/mitad armónico en la guitarra, lo más probable es que, si lo pedaleas en el piano, obtengas algo blando en lugar de encantador.

Es interesante tocar las fugas de las sonatas para solo de violín de Bach tanto en guitarra (a la que se corresponden asombrosamente bien) como en piano. En realidad, no tengo la comparación con el piano, pero lo toqué en un acordeón cromático de botones (un instrumento de teclado polifónico) que apila tercios menores horizontalmente donde la guitarra apila cuartos y, en consecuencia, permite que las cosas se separen más que en el piano (incluso las personas con manos pequeñas pueden alcanzar dos octavas en un CBA). Así que no estoy seguro acerca de la jugabilidad en el piano.

En cualquier caso, el carácter de esas voces dispersas (incluso el violín está afinado en quintas en lugar de las cuartas de la guitarra) da como resultado un marco armónico totalmente diferente al de las voces armónicas estrechas habituales en la música para piano. Es el arte de pintar armonías por omisión.

Eso se ha hecho mucho con la guitarra, y no tanto con el piano.

No me refiero a en qué instrumento se tocan.

Creo que el instrumento es una gran parte de ello. Los pianos pueden tocar muchas más notas a la vez. Pise el pedal de espera y podrá tocar muchas más cuerdas que un guitarrista. El piano tiene un rango completo de 88 notas. Se necesitan 2 o 3 guitarras para cubrir A0 .. C8. La guitarra te permite doblar notas y jugar con el sonido en medio de tocar una nota. El piano no lo hace (los teclados de sintetizador lo hacen hasta cierto punto).

Esas son diferencias muy significativas que tienen un efecto directo en cómo arreglarás tu canción.

Estoy pintando con un pincel amplio aquí, pero creo que los teclistas y los guitarristas tienden a pensar de manera diferente sobre cómo se crea una melodía.

Una forma de escribir una melodía es comenzar con una progresión de acordes y una sensación rítmica, y luego tejer una melodía encima. A veces la melodía es más rítmica que melódica con notas repetidas del mismo tono. Si bien la melodía 'encaja' con los acordes, es posible que no esté tan ligada a ellos. He notado que ciertas notas fuera de acorde, como la sexta, a menudo se enfatizan mucho (especialmente en el acorde V por alguna razón), aunque el acorde no es un acorde de suma 6. Los acordes tienden a estar espaciados regularmente, por ejemplo, uno o dos por compás.

Una forma alternativa es comenzar con una melodía y luego armonizarla, cambiando el acorde a medida que la melodía lo toma. Bien podría haber secuencias de cambios rápidos de acordes donde la melodía se mueve rápidamente. Técnicamente, algunos de estos podrían ser acordes de paso. (La armonía clásica de cuatro partes podría verse como un ejemplo extremo de esto). Generalmente, la melodía está estrechamente unida a los cambios de acordes, y las notas fuera de acordes suelen crear específicamente tensión que luego se libera con una resolución.

Mi observación es que los guitarristas parecen preferir el primer método y los teclistas el segundo. Probablemente esto se deba a que si el guitarrista está cantando la melodía, naturalmente está desacoplada de los acordes. Mientras que si estás tocando la melodía y la armonía juntas, tienden a acoplarse de forma natural. Además, los cambios rápidos de acordes son fáciles en el piano pero no tanto en la guitarra (excepto cuando se cambian los acordes de cejilla uno o dos trastes a la vez).

Creo que hay dos elementos.

Lo PRIMERO que aprende un guitarrista es a rasguear un acorde. Su pensamiento está basado en acordes. El primer ejercicio de un teclista es tocar una MELODÍA simple.

Y, por supuesto, diferentes patrones yacen 'bajo los dedos' en la guitarra y el teclado.

Hay otra categoría: canciones pop compuestas en un secuenciador. Caracterizado por patrones repetidos incesantemente, un enfoque de "capas" para la orquestación y, a menudo, letras cantadas rítmicamente en lugar de cantadas.