¿Por qué la fotografía "pura" desplazó tan completamente al pictoralismo?

Entonces todos estamos en la misma página, aquí hay una definición de pictorialismo :

Por lo general, una fotografía pictórica parece carecer de un enfoque nítido, está impresa en uno o más colores distintos del blanco y negro (desde el marrón cálido hasta el azul profundo) y puede tener pinceladas visibles u otra manipulación de la superficie. Para el pictorialista, una fotografía, como una pintura, un dibujo o un grabado, era una forma de proyectar una intención emocional en el reino de la imaginación del espectador.

Un ejemplo:

El cuenco negro, 1907. George Seeley. Fuente

Mi opinión: una nueva tecnología, un nuevo medio para contar historias, intenta ganar aceptación emulando algo más que ya existe, en este caso pinturas. En algún momento, se acepta el nuevo medio y ya no es necesario emular a nadie.

No creo que necesitemos más que esto para explicar el auge del pictorialismo ("mira, podemos hacer que una foto parezca casi una pintura"), así como su caída ("no importa, concentrémonos en lo que la fotografía puede hacer eso la pintura no puede").

Incluso podría explicar por qué la pintura se volvió abstracta en defensa propia :)

Wikipedia sobre el arte abstracto :

El arte occidental, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se había sustentado en la lógica de la perspectiva y en un intento de reproducir una ilusión de la realidad visible.

Podría decirse que las habilidades de reproducir la perspectiva y la realidad a mano se volvieron menos valiosas cuando los fotógrafos podían hacerlo mejor simplemente con el clic de un botón. De modo que la pintura defendió su territorio restando importancia al aspecto de "reproducir la realidad" y dando prioridad al aspecto de "interpretación artística", a través del impresionismo, el expresionismo, el cubismo, etc.

En un principio, la fotografía trató de seguirle, ya que la pintura seguía siendo la reina del cerro del mundo del arte. Ahí es donde entró el pictorialismo.

Wikipedia describe la fotografía directa como un movimiento estético que se extiende desde aproximadamente 1880 hasta 1970. En la década de 1930 se definió como

La fotografía pura se define como aquella que no posee cualidades de técnica, composición o idea derivadas de cualquier otra forma de arte.

Así que la fotografía directa podría describirse como el movimiento de independencia de la fotografía, afirmando esencialmente que la fotografía es una isla, completa en sí misma, y ​​no necesita la influencia de otras formas de arte.
Supongo que el éxito se debió en parte a la comprensión de que perseguir la pintura no tenía sentido, especialmente cuando la pintura se retiró a un terreno más alto (más abstracto); en parte darse cuenta de que había mucho territorio inexplorado dentro de la fotografía básica; parte replantear un territorio defendible en casa basado en las fortalezas naturales de la fotografía en comparación con la pintura. Y, por supuesto, directamente desde la cámara es mucho menos trabajo que una gran manipulación, especialmente dadas las herramientas de la época.

En la era digital, no creo que haya mucha resonancia con el mensaje pictorialista como tal. Los pictorialistas estaban tratando de hacer "podemos parecer una pintura si queremos" en un momento en que la pintura era el pináculo del esfuerzo artístico.

En la era digital, la fotografía ya está aceptada y ha demostrado su independencia, y hay géneros de pintura donde la influencia va en sentido contrario, como el fotorrealismo en los años 60 y el hiperrealismo en los 2000 .

En la era digital, un fotógrafo artístico probablemente querrá hacer algo diferente del pasado, al igual que un pintor contemporáneo probablemente no intentará emular la pintura del siglo XIX. No hay mucha gloria en copiar a Ansel Adams 50 años después. Los fotógrafos de hoy tienen herramientas para hacer cosas que Ansel Adams no pudo hacer, y sería una tontería no usarlas.

En el futuro, espero que la fotografía tome mucho de formas artísticas como películas, videos y gráficos por computadora, y posiblemente se mezcle con ellas. Es una evolución natural: si aceptamos la fotografía como narración de historias, más herramientas para contar una historia de la forma en que queremos que se cuente solo puede ser una mejora.

Creo que es importante reconocer que no hay nada especial en la fotografía directa: fue un movimiento estilístico particular con un gran impacto histórico, pero no hay nada que diga que es la única forma de hacer fotografía. Compárese con la pintura, que ha tenido cientos de movimientos estilísticos a lo largo de los siglos, cada uno de ellos entrando y saliendo de moda a medida que cambia la tecnología, la sociedad y los gustos. No es una cuestión de estar más o menos a la moda, sino de estar más o menos de moda en un lugar determinado en un momento determinado.

Nada de esto invalida la fotografía directa, como tampoco el arte abstracto o la fantasía invalidan el realismo. Son simplemente diferentes formas de expresión, diferentes géneros, y muy bien pueden coexistir pacíficamente.

Dejemos de lado la principal pregunta pendiente desde el principio: la idea de que la "fotografía directa" (sea lo que sea lo que se supone que signifique) es el único uso legítimo de las herramientas de la fotografía es tan tonta y miope como la idea de que el expresionismo abstracto es el único uso artístico legítimo de la pintura. Ambos elevan el mero medio al estatus de Arte y luego reclaman la exclusividad sobre ese medio. El expresionismo abstracto otorga primacía a la pintura y su método de aplicación sobre todo lo demás; La "fotografía directa" se deleita con la idea de que hace casi 200 años la humanidad descubrió una manera de hacer que las sombras fueran más o menos permanentes. Gran y peludo asunto en ese momento. La novedad ya debería haber desaparecido.

Todo arte es narración. ¿Y sabes qué? A veces, la historia puede ser tan simple como: "Vi esto y me conmovió mucho". O incluso, "esto existió". No hay nada fundamentalmente malo en una oda al color rojo, una expresión de cuán grandiosa o intrincada puede ser la naturaleza, o simplemente arreglar un recuerdo de cómo se veía su hija a la edad de seis años. Pero el documental es solo un uso rudimentario del lenguaje de la fotografía, y ese lenguaje ha progresado del pidgin al criollo. Hay un vocabulario mucho más amplio disponible ahora que nunca antes, y la gramática nos brinda mucho más que un tiempo presente telegráfico ligado al contexto. Podemos tejer poemas, escribir novelas y explorar "qué pasaría si", entonces, ¿por qué limitarnos incluso al periodismo escrito con maestría?

La encarnación original del pictorialismo (y sus descendientes en el mundo basado en la plata) se vio obstaculizada de muchas maneras. Las dificultades técnicas involucradas en la creación de algo que nunca existió son solo superficialmente obvias para la mayoría de las personas hoy en día (hasta que realmente haya pasado un tiempo trabajando con lápices afilados como agujas, un pincel de marta 6-0 o un aerógrafo Pasche Turbo bajo una lupa, tiene ni idea), y el acto de componer los elementos fue casi simple en comparación con el acto de capturarlos. La mayor parte de lo que se produjo era técnicamente malo, y la única razón por la que gran parte de él llamó la atención fue porque la gente no estaba familiarizada con el medio: simplemente no sabían cómo "leer" una fotografía. (¿Te imaginas a alguien hoy en día enamorándose de las hadas de Cottingley o del ectoplasma??) Para hacerlo bien se requirió la creación de escenarios, el vestuario, la iluminación cooperativa, una enorme cantidad de tedioso trabajo de posproducción (sin errores) y permanecer en gran medida dentro del ámbito de lo que era físicamente posible (posturas que podrían mantenerse durante varios segundos, etc.). Como tal, se preocupaba principalmente por el "arte serio" y las "grandes ideas", pero tenía el vocabulario de un pidgin y una gramática que se basaba principalmente en la alusión (como el Tamarian del episodio Darmok de Star Trek TNG ).). Si no sabía lo que significaban los trajes y el conjunto como íconos, y no reconocía la pintura de fondo como, digamos, los Campos Elíseos, entonces solo podía juzgar el trabajo por su propio mérito estético: el mensaje subyacente se había perdido. . Era muy parecido a mirar pintura medieval temprana sin conocer la iconografía del gesto o que esa águila de allí es San Juan Evangelista.

Bueno, mucho más que humanos y caballos murieron en la Primera Guerra Mundial. La sabiduría de los ancianos, los clásicos (sobre los cuales fueron amamantados los burros que llevaron a los leones a la muerte), los mismos dioses perecieron en el barro de No. Tierra del Hombre. El significado perdió su significado¹, y comenzamos a explorar la naturaleza misma del significado en el dadaísmo, el surrealismo, la semiótica y todas las otras vías de enfoque que finalmente se fusionaron en el posmodernismo. El mundo se volvió hacia lo inmediato, el ahora, con la sensación de que el pasado ya no tenía sentido y el mañana tal vez nunca llegaría. Donde perduró la naturaleza, el romanticismo volvió a sus raíces con una nueva urgencia: la naturaleza era el Eterno que teníamos el poder de acabar; éramos responsables de su salvación porque de lo contrario seríamos su muerte, y tuvimos que aprender a admirarlo. (Y no se equivoquen, Ansel Adams no era un realista clínico; todo lo que hizo lo ocultó y lo exageró para expresar su asombro, de la misma manera que su interpretación pianística sufría de un exceso de dinámica y rubati. Era un romántico empedernido.)

Gran parte de esto simplemente coincidió con avances significativos en la tecnología. Los diseños prácticos de doble Gauss desplazaron en gran medida a las lentes Petzval, e incluso los diseños posteriores transformaron las capacidades de la cámara; Surgieron placas y películas que eran razonablemente sensibles, razonablemente capaces de retener detalles y ortocromáticas o pancromáticas de amplio rango. No solo podías tomar una foto que fuera a la vez "real" y "ahora", sino que se volvió mucho más difícil crear una falsificación convincente. El trabajo se mostraría, y sería obvio. Con suficiente esfuerzo, podías construir lo "imposible" como un set y quedarte con lo que era, para la época, un retoque mínimo ( Dali Atomicusme viene a la mente), o podría probar con el ensamblaje (que generalmente resultó más como una pintura que como una fotografía; encuentro expresiones "puramente fotográficas" del concepto, como el trabajo de Jerry Uelsmann, absolutamente poco convincentes la mayor parte del tiempo). Aún así, alguna cantidad de mentiras, o alguna habilidad para contar historias mezclada con el reportaje, siempre ha sido algo bueno. Hay una razón por la que todo el mundo conoce a Ansel Adams y Edward Weston, pero muy pocos han oído hablar de Minor White (que podría fregar el suelo con cualquiera de ellos como operador de cámara y técnico de cuarto oscuro).

A pesar de la legitimidad de la "fotografía directa", ahora tenemos las herramientas a nuestra disposición para contar diferentes tipos de historias de una manera verdaderamente convincente. Algunas de esas historias son de fantasía, mito o ciencia ficción; algunos exploran los "por qué no" en lugar del "por qué". ¿Realmente necesitamos construir grandes escenarios o transportar a nuestros sujetos (y un camión lleno de equipo) a un lugar, esperando una confluencia de la luz adecuada, el clima adecuado y la luna en Capricornio para que la expresión sea legítima? ¿O es simplemente ilegítimo utilizar el realismo de la reproducción fotográfica de los diversos elementos que podrían fotografiarse para expresar esa historia?

No dejes que el hecho de que el 90 por ciento de los intentos sean una mierda te moleste. Eso es solo la Ley de Sturgeon en acción. (Francamente, creo que el viejo Theodore estaba siendo demasiado generoso allí). Al menos el 90% de la "fotografía directa" (y me refiero a la "fotografía directa seria") también es basura, y digital más "P para Profesional" no lo es. t ayudando allí en absoluto. Entonces, la basura está enfocada y bien expuesta (por algún valor de bien expuesta). Las historias bien contadas seguirán destacando; la poesía elegante seguirá resonando más profundamente que una quintilla vagamente traviesa. El trabajo de Jamie Baldridge es más inquietante y estimulante como fotografías trabajadas que como pintura; Las tranquilas contemplaciones de John Paul Caponigro susurran más suavemente, pero con más enunciación.

Al final, las historias que eliges contar son las tuyas. La idea de que no se puede acuñar una palabra o frase nueva cuando se requiere, o tomar prestada una palabra de otro idioma, es una imposición artificial, ya sea impuesta externa o internamente. Nadie obliga a los historiadores a escribir ciencia ficción, pero ningún historiador tiene derecho a decir que la ciencia ficción es de algún modo una expresión ilegítima del pensamiento humano.

^{¹ ¿Qué tan completa fue la muerte de la alegoría y la alusión clásicas? The Waste Land de TS Eliot era legible por la mayoría de sus pares y contemporáneos; los niños de hoy que lo estudian en la escuela necesitan notas al pie y referencias para buscar las alusiones bíblicas y mitológicas, y es posible que tengan que leer libros completos para entender el significado.}

Desarrollo de la fotografía - de la ciencia al arte

Hay dos tipos de personas en la fotografía. Aquellos que quieren tomar fotografías y aquellos que quieren crear arte. Cuando la fotografía era joven, solo estaban involucradas las personas mencionadas en primer lugar. No estaba en el concepto que las fotografías pudieran usarse en el arte. Hasta que esas personas, que también querían decir algo, crear arte, encontraron interesante la fotografía.

El pictorialismo no tiene nada que ver con el arte per se. Fue un intento de definir qué es el arte en la fotografía, en una época en la que la fotografía aún era nueva. Pero el arte es lo que sentimos, no las herramientas utilizadas, y la fotografía fue aceptada muy pronto (solo 100 años) como una herramienta para crear arte, lo que hizo inútil la idea detrás del pictorialismo. Entonces, la pregunta es qué cambió en la fotografía para convertirla en una herramienta para el arte.

La herramienta documental comienza a ver la belleza

Piense nuevamente en lo que fue antes de la época de la cámara y las fotografías. Era la época de los pintores, y especialmente de los retratistas. La primera "guerra" no fue entre fotógrafos, sino entre pintores y fotógrafos. Los pintores vivían de los retratos de gente rica. Era la ganancia de dinero de un pintor en peligro cuando la fotografía comenzaba a tomar parte en el negocio de los retratos.

Uno de los argumentos de los pintores fue que una fotografía directa no puede hacer que el sujeto se vea mejor. Que un pintor es el único capaz de halagar al sujeto y hacerlo recordar de manera favorable para siempre, ya que sólo los pintores pueden torcer y girar las imágenes a su antojo. La fotografía buscó formas de responder a ese desafío, y es así como veo que surgió este pictorialismo. Pero los fotógrafos heterosexuales solo necesitaban aprender a hacer que sus sujetos se vieran bien, sin manipulación "artística".

Camino a la fotografía independiente adulta

..el movimiento pictoralista como tal murió en la primera mitad del siglo XX. ¿Tuvieron los fotógrafos heterosexuales tan exitosos en transmitir su mensaje que los pictoralistas se volvieron irrelevantes?

El pictorialismo fue la forma de que la fotografía fuera aceptada como una forma de crear arte. En otras palabras, buscaba aceptación con silenciosas disculpas por traspasar el barrio del arte con una herramienta documental.

En este caso el barrio estaba pintado de arte. Una fotografía está tan cerca de una pintura como medio, que un efecto de New-kid-on-the-block era inevitable. Tienes que demostrar tu valía. Al igual que con las pinturas de retratos frente a las fotografías de retratos, en general es como si los pintores dijeran "No puedes hacer ESTO" y el fotógrafo respondiera "Sí, puedo" y luego se fanfarronearía. Eso es pictorialismo, o mejor dicho, ese es el "Por qué" detrás de todo lo demás. Y también está la respuesta a "¿Por qué murió tan rápido el pictorialismo?". Sucede tarde o temprano,¿Y qué es esto? ¡Es fotografía directa! Una imagen pura y nítida de píxeles de la realidad. Y así la fotografía se convierte en un adulto mayor y pasa a vivir su propia vida independiente sin más necesidad de demostrar nada.

Viejo siempre es desafiado por los jóvenes

Pero, ¿el pictorialismo sigue aquí hoy? Sí, si pensamos en los fotógrafos más jóvenes demostrando su valía a los fotógrafos veteranos. Aunque yo no lo llamaría pictorialismo. Las personas que solo han hecho digital a menudo no pueden imaginar las dificultades que hubo al fotografiar en película. No hace mucho tiempo, eran (¿y todavía son?) los digitales los que necesitaban demostrar su valía a sus colegas del cine. El debate entre lo viejo y lo nuevo es eterno y lo que ahora es nuevo envejecerá o perderá el debate y morirá joven.

En fotografía la palabra clave es "aprendizaje". La idea es algo similar a Preguntas y respuestas es difícil, vamos a comprar en el sentido de que es difícil obtener una gran habilidad y talento para hacer que el sujeto se vea bien en la fotografía directa, pero es razonablemente fácil ir a comprar un mejor equipo y un software potente con el que para modificar sus fotografías para llenar el vacío entre una foto en bruto y sus expectativas.

¿Qué sigue, la fotografía?

... ¿la facilidad con la que el software convierte las fotografías en "arte digital" manipulado significa que la visión pura de la fotografía directa es más importante para la fotografía como una forma de arte separada?

No estoy seguro si entiendo eso. La fotografía es una forma de arte, ya sea manipulada y distorsionada, o simplemente fotografía directa. ¿Qué es realmente el arte digital?

Lo que considero arte digital es algo que obviamente no es solo una fotografía, cualquiera puede verlo. Puede haber una fotografía en la que se haya realizado el trabajo, pero aún se consideraría arte digital en lugar de arte fotográfico.

Dos fotos de ejemplo:

Esta es una fotografía . Directamente desde la tarjeta de memoria de la cámara, no he hecho ningún ajuste. Podemos llamarlo una fotografía "pura", si no contamos la magia que hace una cámara digital cuando extrae la información de píxeles del sensor de imagen.

Próximo:

Esto es arte digital , hecho por mi hijo de 11 años, quien me quiso dar su impresión de la fotografía que le tomé a su hermana de dos años. Claro que hay una fotografía allí, pero obviamente cae en la categoría de arte digital.

¿Solo la fotografía inalterada es recta?

¿Dónde trazar la línea, exactamente? Hay buenos ejemplos del poder del procesamiento posterior en Buenos ejemplos de las ventajas de RAW sobre JPEG y especialmente una de las respuestas con un par de fotos de @EtienneT. ¿Por qué la foto ajustada no sería arte fotográfico en lugar de arte digital? Para mí sigue siendo una fotografía incluso con todos los ajustes que se le han hecho.

¿No hemos hecho este trabajo de ajuste en nuestras fotografías desde el principio? Mire este video de cómo hacer una impresión en blanco y negro donde la niña comienza a las 9:00 minutos con el "original" y explica el proceso de "ajuste" durante los próximos cuatro minutos del video. Este tipo de cosas se han hecho desde siempre. Sólo que ahora es un software de computadora para hacer el trabajo. Después de todo, no existe tal cosa como una fotografía inalterada.

La fotografía se vuelve digital

Ahora, en la era digital, con todos fotógrafos y con habilidades técnicas niveladas por soberbios modos automáticos, ¿resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista?

Buena pregunta. ¿Qué es lo Viejo y qué es lo Nuevo hoy? La fotografía digital es el chico nuevo en el bloque, y ha estado tratando de verse tan bien como siempre lo fue la fotografía cinematográfica. Pero al mismo tiempo la fotografía digital también es lo Antiguo. Tal vez sean los viejos fotógrafos los que se enfadan con la nueva forma desenfadada (¿incluso indiferente?) de que los jóvenes fotógrafos abordan la fotografía. De la misma manera que los pintores alguna vez sintieron acerca de la fotografía.

Cuando surgen nuevas formas de crear arte, no significa que las viejas formas y herramientas pierdan importancia. Este no es un juego de suma cero.

Creo que fue realmente el desarrollo de la estética fotográfica. El trabajo inicial fue quizás fundamental en su definición, pero rápidamente se descubrió que la composición y la selección del tema tienen más impacto en cómo la imagen cuenta una historia que los aspectos más laboriosos de la manipulación cuidadosa de la foto. Simplemente fue más rentable en términos de esfuerzo elegir el aspecto correcto de lo que está frente a la lente que tratar de controlar el desarrollo con tanta fuerza. También puede ser que, debido a su elevado realismo, las fotos no resuenen de la misma manera que lo harían conceptos similares aplicados a la pintura.

Dicho esto, con la llegada de las herramientas digitales que permiten a los fotógrafos un mayor grado de control y capacidad para refinar su trabajo. Creo que estamos viendo un retorno más diferente a algunos de los conceptos detrás de Photo-Secession. Cada vez es menos una cuestión de capturar lo que está frente a la lente y más una cuestión de mejorar lo que está frente a la lente o incluso inventar algo que no existe tal como se muestra a través de herramientas fotográficas. Todavía parece ser una bolsa mixta en términos de popularidad, pero parece ser una tendencia creciente.

Nota de los curadores:

La erudición de esta pieza puede no haber sido reconocida. O puede.
El siguiente comentario sobre la cuestión parece ser inaccesible para algunas mentes y, tal vez, incluso para una mayoría sustancial. Es posible que estos no sean los que desea, siga adelante.
De lo contrario, como el primero de los "does" de

• Ahora, en la era digital, con todos fotógrafos y con habilidades técnicas niveladas por soberbios modos automáticos,
  ¿ resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista? O, por el contrario,
  ¿ la facilidad con la que el software convierte las fotografías en "arte digital" manipulado
  significa que la visión pura de la fotografía directa es más importante para la fotografía como una forma de arte separada?

es visto por el encuestado como una verdad evidente, si no una tautología absoluta, y como el segundo de los "hace-es" es similar a él, pero el "significa que" es negado, él busca comentar en un tal vez ilustrada pero, probablemente, solo oscura sobre las motivaciones subyacentes que han dado vida a esta catástrofe, al tiempo que descarta de plano el presagio de que la mera excelencia tecnológica es el motor detrás de la decadencia.

La oscura referencia al lema del condado de Clackmannanshire (a saber, "Mira sobre ti") es mera afectación. El nuevo lema (2007 en adelante) "Más de lo que puedas imaginar", se considera en sí mismo como una indicación de que la podredumbre no se limita a la desfiguración de la forma fotográfica, sino que se ha extendido a los eslóganes del condado y otras áreas de expresión hasta ahora sacrosantas. Asi que ...

Pictorialism Wars - ¡Instagram contraataca!

Todavía estoy tratando de determinar qué:
modificaciones genéticas y/o
cirugía cerebral
y/o filtros mentales u ópticos y distorsionadores
y/o aplicaciones/modos/complementos/...
necesito comprar/adquirir/ajustar/instalar/cargar/descargar/parchar / ...
a mis sistemas de software húmedo (o cualquier otro sistema)

para permitirme ver el mundo y las imágenes de instagram como otros las ven evidentemente
para que yo también pueda participar con abandono/alegría/placer/satisfacción en lo que hasta ahora parece principalmente una destrucción distorsionada sin sentido de la buena alimentación óptica del cerebro todos los días.

Photoshop al rescate - Todavía estoy trabajando en eso...

Ansell Adams: Puede que haya ido un poco más allá. Quizás haya hecho trampa un poco por algunas medidas en un mal día. Tal vez no.

Re

Ahora, en la era digital, con todos fotógrafos y con habilidades técnicas niveladas por soberbios modos automáticos, ¿resuena nuevamente el mensaje del movimiento pictoralista?

Manifiestamente, sí. Mira sobre ti.
Pero no, creo, por las razones que enumeras. O, no como el factor predominante.

Sospecho que es más una tendencia posmoderna, posposmoderna, posmoderna de la Generación XYZT, donde tenemos que generar lo que sea, publicar lo que sea, pos-gratificación-instantánea, pos-vivir-para-el- día, post [Advertencia: el suministro de "-" se ha agotado] si la comida se llena, hazlo, post generación joven ¿A qué ha llegado el mundo, en mi día cuesta arriba a la escuela en ambos sentidos fondo de un lago caja de cartón sin zapatos , mascullar gruñir .... , materia.

Al final del día, el arte exitoso es cualquier cosa que un número razonable de personas encuentre agradable, conmovedora, intrigante: inserte aquí su adjetivo positivo. Todo arte exitoso crea una emoción o un sentimiento en una persona y hace que quiera mirar o experimentar el arte.

Según esta métrica, las imágenes digitales (que han pasado de ser fotografías por una manipulación excesiva) tienen todo el derecho y la posibilidad de ser arte. Solo necesitan tener éxito.

Personalmente, ese trabajo debe ser increíble antes de que resuene particularmente conmigo. Mi arte favorito está basado en la realidad. Un hermoso paisaje de Tom Thomson siempre me ha hablado más fuerte que cualquier cosa abstracta. Eso no quiere decir que el arte abstracto no sea arte, absolutamente puede serlo, pero no resuena particularmente conmigo.

Por eso, fotográficamente siempre he estado en el campo pictorialista. Sucede que Ansel Adams es uno de los fotógrafos que más respeto. Sucede que aún hoy, en la era digital, filmo una gran parte de mi trabajo en película, no porque la película sea necesariamente superior (lo es en algunas cosas y no en otras), sino porque la película expresa mi visión fotográfica bien. Hago fotografías digitales de la misma manera: mi objetivo es mostrar e interpretar la realidad. Puedo usar filtración de color en películas en blanco y negro, y puedo usar lentes de gran angular en mi trabajo digital, pero las escenas que grabo siguen siendo realistas. Los reconocerías como reales, pero podrías obtener una nueva perspectiva de su realidad, si he logrado alcanzar mi visión. Si he fallado es porque he manipulado mis imágenes hasta el punto de distraerme.

¿Me estoy limitando? No me parece. Elijo ignorar cientos de pasatiempos y diversiones potenciales porque me concentro en lo que me gusta y disfruto. Y además, la realidad es bastante interesante.

He estado leyendo los números anteriores de una revista británica de fotografía en blanco y negro durante las últimas semanas. Las fotos más conmovedoras que he visto en ellos hasta ahora fueron un conjunto de fotos de un bosque. He visto muchos árboles, pero estas fotos eran hermosas. También eran realistas. El fotógrafo clavó absolutamente su visión en mi ojo.

Estaba cansado de la precisión visual habitual, y cedí a la idea de que estar enfocado es tanto una ilusión como mis ojos corregidos por lentes. Ahora, al menos la mitad de mi vida la paso mirando el mundo con astigmatismo, porque las imágenes suaves me hacen sentir incómodo y en paz al mismo tiempo. Simplemente no puedo sentirme así por una imagen recopilada a partir de detalles precisos. Deja menos a mi imaginación y me da menos "feeling". Por supuesto, esta es mi propia experiencia y otros tienen sus propios métodos, pero el pictorialismo, el impresionismo, qué gran manera de hacer la pregunta "¿Cómo me hace sentir esto?" sin todo el otro... contexto.