Cómo escribir un cuarteto de cuerda

Escribir un cuarteto de cuerdas también es un objetivo mío. No puedo aconsejar desde un fondo de cuartetos terminados, pero puedo compartir lo que he tratado de lograr.

Pero primero, creo que no sigas intentando adaptar corales. Ciertamente puedes tocar corales con un cuarteto de cuerdas, y suena bien, pero la textura es diferente a la del típico cuarteto de cuerdas. Por ejemplo, en los cuartetos tendrá muchos acordes rotos, terceras rotas, patrones de acompañamiento de notas repetidas que nunca aparecen en un coral.

Otra gran diferencia es la forma. Un coral suele ser unas pocas frases que se modulan rápidamente a claves relacionadas. Por lo general, no hay muchas estructuras de frases repetidas y variadas, que es lo que encontrará en un cuarteto. En un cuarteto, comúnmente tendrá formas de sonata, minuet da capo y rondo. Las frases periódicas y la recapitulación serán dispositivos estructurales importantes.

Esto es lo que he probado:

• escriba minuetos primero (16 compases), luego avance hasta el trío con repetición da capo. Estructuralmente esta es la parte más pequeña del cuarteto. Si no se puede manejar, las otras formas probablemente serán demasiado. Intente escribir "bocetos" en lugar de trabajar completamente en las cuatro partes finales para cambiar el enfoque hacia la estructura formal, que es la verdadera preocupación de la composición.
• escribir frases cortas de arreglos completos de cuatro partes con atención a la distribución de elementos melódicos entre los cuatro instrumentos. Usé Mozart para mi ejercicio. Lo que vi con frecuencia es que el principal interés melódico suele estar en una o dos voces y las otras tocan acompañamientos muy simples. Las cosas melódicas a menudo se pueden duplicar en dos partes en tercios u octavas.
• Copie las partituras del cuarteto en un programa de notación. Esto puede parecer una pérdida de tiempo, porque no estás tomando ninguna decisión de composición. Pero, cuando copia nota por nota de la partitura, ¡lo cual es muy tedioso! - te obligas a ser mucho más consciente de los contenidos de la composición. Hice esto con la apertura del cuarteto de cuerdas de Ravel y vi cosas a las que realmente no había prestado atención antes cuando solo leía/escuchaba la partitura. Luego intenté escribir una apertura de cuarteto propia modelada en las características que vi en Ravel.
• Hacer análisis de cuartetos y escribir reducciones armónicas . Debería encontrar que el fraseo armónico y el ritmo armónico son más simples en un cuarteto clásico que en un coral. Hablando en términos muy generales, cuatro compases de un coral tendrán mucho movimiento armónico, mientras que cuatro compases de un cuarteto de cuerdas a veces no serán más que una armonía tónica/dominante. En cuanto a la textura, un coral es más contrapuntístico, un cuarteto más homofónico.

Estoy pensando principalmente en Haydn y Mozart para los modelos de cuarteto y la comparación con los corales. Un compositor de la era romántica como Brahms podría proporcionar mejores modelos para expandir una textura coral a un cuarteto.

Tenía otro pensamiento. Si usted, como yo, no toca cuerdas, intente familiarizarse con los instrumentos de cuerda. Consigue un violín barato si puedes, o una mandolina que tenga la misma cuerda afinando una escala de mástil. Saber cómo se siente el arco, las digitaciones, etc. te pone en mejor contacto con la forma de escribir para cuerdas. Conéctate con cualquier persona que toque cuerdas para recibir consejos o simplemente para escuchar muy de cerca. Tenía un amigo en la universidad que tocaba el violonchelo. Lo molestaría para que tocara las suites para violonchelo de Bach. Podría sentarme junto a él, leer la partitura junto con su forma de tocar. Traté de escribir cositas en la misma línea y él las tocaba... tal como eran.

Quiero resaltar algo que sugieren la mayoría de las otras respuestas, en beneficio del cartel original si todavía lo siguen, u otros. Al aprender a componer, como cualquier actividad creativa, es importante hacer "ejercicios" o "estudios", cosas que en realidad no tiene la intención de presentar como productos terminados, sino simplemente aprender de la experiencia.

Si quieres ser un gran escritor, es un pésimo consejo simplemente sentarte frente a la máquina de escribir y comenzar tu Gran Novela Estadounidense con el "Capítulo 1. Érase una vez...", y esperar producir tu obra maestra de una sola vez. El consejo es escribir un poco todos los días, apuntes desechables, y que el gran volumen de producción perfeccionará su oficio. Hay un libro llamado Ejercicios de estiloen el que el autor vuelve a contar una historia sencilla de lo que vio en el autobús, pero en 99 estilos o técnicas diferentes, simplemente para ampliar su gama. Los artistas visuales llenan cuadernos con bocetos; copian cientos de pinturas existentes y prueban pequeñas ideas y enfoques. La mayoría de los grandes compositores musicales tenían "cuadernos de bocetos" en los que anotaban ideas, y pasaron por un entrenamiento que a menudo implicaba escribir en los estilos de compositores anteriores, o escribir piezas dentro de reglas rígidas.

Al igual que con la mayoría de las actividades musicales, el mejor consejo es "conseguir un maestro", quien sin duda le asignará tales ejercicios. La mayoría de los "grandes" compositores de la tradición clásica occidental (y muchas otras tradiciones) tenían una formación formal. Sin embargo, si debe aprender solo, asígnese ejercicios para experimentar con diferentes texturas, estilos y efectos. Escribe contrapunto en todas las especies. Escribe fugas. Escribe "divisiones sobre un terreno". Escriba en cuatro partes, pero no permita que se reproduzcan más de tres en un momento dado. Dale la melodía a la viola ("¡ganarás un amigo para toda la vida!"). Copie los cuartetos de todos, desde Haydn hasta George Crumb. Machácalos (haz el tema de Mozart al estilo de Debussy).

A lo largo del camino, no sólo encontrará su propia "voz" musical, sino que probablemente adquirirá muchas ideas y fragmentos, incluso nuevos, simplemente al sentirse estimulado por estas restricciones.

Puede ser una buena idea intentar arreglar antes de componer. Llegar a saber cómo se podría dividir una melodía en el conjunto y cómo interactúan las partes es emocionante.

Podrías comenzar con algo simple como el canon de Pachelbel. Esta es una buena canción para comenzar con una línea de bajo y poco a poco agregar más complejidad.

Un cañón más complicado es la Pequeña fuga en sol menor de Bach , que comienza de arriba hacia abajo y tiene mucha armonización. Si bien está escrita para órgano, esta es una canción fundamental en el repertorio del quinteto de metales de Canadian Brass y ha estado con ellos desde que se formaron, por lo que obviamente es buena para un conjunto pequeño.

Cualquier cosa grande como la música de órgano generalmente tendrá muchas partes para elegir. Las sinfonías también funcionan muy bien. Estos estarán llenos de melodías que saltan entre secciones, contramelodías y líneas de base y acordes de apoyo. Realmente puedes tomar muchas decisiones creativas sobre qué incluir y qué omitir. Algunos movimientos de Cuadros de una exposición me vienen a la mente como algo que sería divertido adaptar para un cuarteto de cuerdas (era una partitura para piano tan emocionante que Ravel la arregló para una orquesta completa).

En mi proceso, empiezo con partituras originales que introduzco minuciosamente en mi software de composición de música con un teclado. Si bien es extremadamente tedioso, esto permite que mi mente divague y considere cada frase que estoy escribiendo, pensando en cómo podría sonar con cada instrumento y cómo podría encajar en un conjunto pequeño. Eventualmente llego a la divertida tarea de dividir las frases, agregar algunos espacios y completar otros. Descubrir cómo/por qué armonizan ciertas contramelodías también es un momento eureka. Además, cuando hay menos de cuatro partes simultáneas, también está bien que un jugador se quede fuera por un momento o que se duplique en las partes. Tal vez la viola pueda jugar con el violonchelo para enfatizar los graves.

El cuarteto de cuerdas es un medio inherentemente contrapuntístico, y tener cuatro instrumentos que suenan relativamente similares, lo que hace que sea más difícil seleccionar el contrapunto, en realidad hace que sea más necesario tener contrapunto, no menos.

Si estás pensando en tener una melodía, un bajo y partes armónicas, entonces estás pensando en escribir para un cuarteto, todo mal. Aunque no acabará siendo así, deberías pensar en escribir para un cuarteto como escribir cuatro partes de melodía separadas que resultan estar relacionadas y todas van juntas.

He escrito una exageración: a los humanos no les va muy bien siguiendo cuatro líneas de melodía a la vez. En un momento dado, tendrá líneas más importantes y líneas menos importantes. Habrá pasajes en los que un instrumento lleva la melodía durante algunos compases. Sin embargo, un cuarteto efectivo generalmente tiene el foco moviéndose de un instrumento a otro con bastante regularidad.

Diría que deberías estar listo para escribir una fuga cuando escribas tu primer cuarteto. Si no ha escrito una fuga, pruébelo como ejercicio (y si quiere escribir su fuga para cuarteto, está bien).