¿Cómo crear disonancia/tensión armónica?

Te voy a dar la respuesta a la pregunta que me haces, pero dudo mucho que sea lo que buscas. Casi todos los temas armónicos en la música tonal se basan en el concepto de consonancia-disonancia y la mayoría de los conceptos en música tienen al menos algo de disonancia. Si logra lo que quieres o no es completamente diferente.

V7->I es una disonancia (tritono) que se resuelve en una consonancia. Cualquier modulación convincente tendrá una resolución de disonancia para la tónica de la nueva clave (incluso las modulaciones repentinas cumplen esto). Los pequeños intervalos en el bajo casi siempre se perciben como disonantes (incluso los intervalos que normalmente pensamos que son consonantes como terceras). Los dominantes secundarios, las sextas aumentadas, el préstamo modal, los acordes napolitanos eran formas de usar el cromatismo para propagar la disonancia. El blues tiende a agregar disonancia adicional al hacer que todos los acordes sean una séptima dominante. Jazz agrega disonancia adicional con conceptos como sustituciones de tritono y uso de acordes extendidos.

Este patrón continúa para muchos estilos y gustos tonales diferentes y hay muchas maneras diferentes de abordar esto. El párrafo anterior apenas araña la superficie y, obviamente, cada idea anterior produce un resultado muy diferente. Otro evento que mencionaría en la historia de la música es la emancipación de la disonancia de Schoenberg, que proporciona la base del objetivo de la música atonal.

Lo que parece es que quieres provocar cierta emoción, pero no sabes cómo hacerlo. Cómo provocar cualquier emoción es complicado, ya que cada persona percibirá de manera diferente qué sonido de tensión/miedo/incertidumbre. Lo que recomiendo en este caso es buscar música que te haga sentir así y que te suene así. Un ejemplo que les daré que al menos causa este efecto para mí es el tema principal de Jaw que se muestra a continuación. Si bien la armonía ayuda a generar tensión en esta canción, diría que la instrumentación, la forma, el ritmo, el espacio, la textura, el rango y el ritmo lo afectan tanto o más. Sin embargo, contiene una de las disonancias discutidas anteriormente con pequeños intervalos en el registro de graves.

La disonancia como concepto tiene dos pensamientos básicos, uno de los cuales es un poco más controvertido. La primera, que es la más utilizada, es que la disonancia y la consonancia son básicamente relativas y existen en un espectro. Los intervalos y armonías más consonantes son aquellos cuyos ciclos de ondas sonoras superpuestas se alinean con mayor frecuencia. Una octava es el intervalo menos disonante, con cada uno de los ciclos de sonido de frecuencia más alta alineados con los ciclos de sonido de frecuencia más baja 2:1, es decir, cada ciclo de sonido de la frecuencia más baja ocurre una vez en la misma cantidad de tiempo que tarda el ciclo de sonido más alto. frecuencia suceda dos veces, como se muestra a continuación. Los intervalos más disonantes requieren más ciclos para que sus ondas sonoras se alineen. Esto explica por qué los mismos intervalos tienden a sonar más disonantes en rangos de frecuencia más bajos (si no está familiarizado,

El otro proceso de pensamiento para la disonancia es el deseo de resolver. Esto generalmente se aplica bien al primer concepto, ya que los enfoques más comunes de la música suelen utilizar la disonancia como un medio para establecer una resolución, por ejemplo, el acorde V se utiliza para crear una tensión que quiere resolverse en el acorde I. Esto solo se vuelve controvertido cuando se lleva al extremo. La música atonal está configurada básicamente para que ninguna nota sea más importante que las demás, por lo que no tiene sentido de tónica. Debido a esto, no puede haber deseo de resolver ningún lugar dado, ya que ningún lugar dado está más en reposo que otro. En este sentido, la música atonal es la música más consonante que existe, con la que casi todos los humanos que la han escuchado alguna vez no estarían de acuerdo.

La disonancia, como se la conceptualiza más comúnmente, existe en un espectro y es relativa. Esto significa que podemos adaptarnos a las disonancias y comenzar a percibirlas como más consonantes. Esto es bastante evidente dentro del mundo del Jazz. Los acordes extendidos pueden sonar muy disonantes cuando se colocan aleatoriamente dentro de una pieza musical, pero cuando toda la pieza está formada por acordes extendidos, suenan muy consonantes, especialmente en comparación con los acordes alterados que se usan a menudo para configurarlos.

Con esto en mente, es importante considerar su contexto cuando intente usar la disonancia para crear tensión. Algo que sonaría bastante disonante en una canción pop puede muy bien sonar completamente consonante dentro de una canción de jazz. Además, algunos intervalos pueden sonar disonantes por sí solos, pero cuando se tocan en el contexto de un acorde, suenan mucho más consonantes. Una segunda menor suena bastante disonante por sí sola, pero cuando se agrega a ciertos acordes, suena muy bien. Por ejemplo, si está construyendo un acorde menor de séptima con algunas extensiones, puede colocar la tercera menor y la nueve directamente una al lado de la otra, creando una segunda menor entre ellas, y puede brindarle una textura muy agradable que suene significativamente. menos disonante que el intervalo por sí mismo.

Uno de los intervalos más difíciles de hacer sonar consonante es la novena menor. Al aprender a expresar acordes de jazz, una de las "reglas" es que debe asegurarse de evitar las novenas menores en cualquier acorde que no funcione como dominante, ya que la disonancia subvierte la función de los acordes no dominantes. Esto se ejemplifica bastante bien creando un acorde mayor de séptima. Si expresa la nota fundamental más de una octava por encima de la 7, obtendrá una novena menor, que suena menos que en reposo y dentro de una tonalidad mayor, Imaj7 debería sonar bastante en reposo. Da la vuelta a esas notas en tu voz y, de repente, suena muy bien y en reposo (dentro de ese contexto). Debido a esto, cuando las canciones terminan con la nota melódica tocando la tónica, el acorde final generalmente no será un acorde maj7,

Entonces, creo que lo que está buscando sería una combinación de usar ciertos tipos de intervalos/acordes que generalmente se consideran disonantes independientemente del contexto (como b9s, acordes disminuidos, grupos de tonos) y configurar sus disonancias dentro de un contexto dado ( como el uso estrictamente de la armonía triádica y la interposición de acordes más complejos). Usar notas fuera de la tonalidad en la que te encuentras también puede causar disonancia, pero si escuchas suficiente Jazz, encontrarás que tocar afuera no siempre es intrínsecamente disonante.

Más allá de todo eso, también hay una especie de tensión que puede derivarse del arreglo. Aprender sobre las técnicas extendidas de ciertos instrumentos puede permitirle utilizarlos para crear más tensión a partir del mismo material melódico/armónico. Por ejemplo, en instrumentos de cuerda frotada, tocar cerca del puente, llamado Sul Ponticello (generalmente solo escucho que se refieren a esto como Ponticello), produce un tono muy áspero. Esta técnica finalmente crea más disonancia, ya que enfatiza todos los armónicos naturales y con más armónicos audibles, hay más notas, lo que significa más disonancia, ya que todas las ondas de sonido se escuchan simultáneamente (más ondas de sonido necesitan póngase en fila).

Así que básicamente puedes crear todo tipo de tensión y disonancia a través de diferentes enfoques. No hay una sola manera de hacerlo y no necesariamente hay reglas. En realidad, es más probable que obtenga tensión al romper las "reglas", como con mi ejemplo de Jazz de sonorizar los acordes correctamente para evitar las novenas menores. Como suelo hacer, me gustaría aclarar que la teoría no es un conjunto de reglas, es un lenguaje para describir la música y una explicación de por qué suena bien. La única vez que hay "reglas" es cuando estás tratando de emular algo específico, por ejemplo, si estás tratando de sonar como Bach, tienes que seguir las reglas adecuadas de dirección de voz clásica.

Con el debido respeto, algunas de las preguntas que plantea provienen de '¿qué parte de la teoría tiene que acostumbrarse para que esto suceda?' Este está en una vena similar.

Es un enfoque poco saludable de la música en general y de la composición en particular.

Las cosas tienden, en la música, a funcionar de manera opuesta. Encuentra algo que sea efectivo, úsalo, luego trata de explicarlo en términos que de alguna manera lo hagan plausible.

Hay muchos 'trucos', pero los mejores vienen de la experimentación. No creo que todos los compositores piensen 'bien, ahora quiero algo espeluznante, así que necesito usar xyz'. Si lo hicieran, habría cierta uniformidad en cada fragmento de música espeluznante. Pero espera, sí, ¡probablemente lo haya!

Y uno de los trucos, al igual que en la narración de historias, es darle al oyente lo que no espera.

¿Esperando una cadencia perfecta? Dales uno interrumpido. ¿Estás esperando un acorde mayor suave y agradable? Dales cualquier cosa menos. Probablemente haya una lista, pero si usted es el compositor, experimente y proponga sus propias ideas, de lo contrario, sonará un tanto cliché...

Algunas ideas diferentes para crear tensión/disonancia:

• Disonancia matemática : aunque es algo subjetivo, los científicos a lo largo de los años han concluido que la disonancia es algo que se puede medir . Así que podrías ser consciente de esta perspectiva 'medible' cuando compones. Como ha señalado Dom, no siempre tienes que salir de una escala para hacer esto: la nota principal está ahí en la escala mayor en parte porque te permite crear una disonancia interesante.

• Desafiando las expectativas : nadie puede darle una fórmula para esto, porque una vez que hay una fórmula, ¡ya no es inesperado! Pero una progresión de acordes que va en una dirección inesperada creará incertidumbre.

• Seguir las expectativas : si hay un dispositivo musical que ya está asociado culturalmente con el sentimiento que desea crear, simplemente puede usarlo (¡lo más cerca posible sin meterse en problemas de derechos de autor!) en la forma de 'vocabulario comúnmente entendido'. Ejemplo - el nuevo superzoom de Instagram ...

Además, sé que tu pregunta es sobre cómo crear tensión armónica , pero siempre vale la pena recordar que puedes crear tensión utilizando otros aspectos de la música además de la armonía. A veces una nota es suficiente, como al comienzo de Por unos dólares más , o Flash Gordon -de hecho, este último comienza sin notas-, el propio ritmo del tambor proporciona tensión. Los 'smashes' de guitarra distorsionados y sin tono en Creep también brindan una sensación de anticipación y, sin embargo, lo que sea que se toque allí no tiene una calidad armónica identificable, es solo un ruido agresivo.

La disonancia en la armonía se debe, hasta cierto punto, a un conflicto en los armónicos entre las dos (o más) notas que se tocan. Hay intervalos disonantes justo en la escala diatónica, la segunda mayor y la séptima mayor, por ejemplo. La disonancia también se genera mediante la sonorización. En lugar de encontrar nuevas notas para pegar en una pieza musical, juega con el orden de las que tienes. Por ejemplo, el intervalo de una segunda menor generalmente se considera muy disonante, en el acorde de séptima mayor puede apilar notas para escuchar la tensión de séptima a octava. Mueve la séptima al registro de bajos.

Para mí, escribir ejercicios de contrapunto me enseñó mucho sobre la disonancia. Introducir una nota que es consonante, sostenerla y cambiar su entorno armónico, haciéndola así disonante, y luego resolviéndola, haciéndola consonante.

Utilicé los "Ejercicios preliminares de contrapunto" de Arnold Schönberg, que recomiendo de todo corazón.