¿Cómo convertir cada acorde en una progresión en escalas separadas?

El sistema de escala de acordes es bastante estándar en la improvisación de jazz. Gary Burton enseña escala de acordes en su clase de improvisación de jazz del Berklee College of Music, por lo que sus compañeros músicos están en buena compañía para recomendar su uso.

Burton comienza con la suposición de que conoces las escalas mayor y menor, y luego aclara los modos de cada escala. A partir de ahí, el concepto aproximado es el siguiente, asumiendo que la tonalidad es Do mayor:

• Acorde de do mayor - toca la escala jónica/mayor de do
• Acorde de D menor: toca la escala de D dórico
• Acorde de mi menor - toca la escala frigia de mi
• Acorde de F mayor - toca la escala lidia de F
• Acorde de sol mayor - toca la escala mixolidio de sol
• Acorde menor: toque la escala eólica A/menor
• Acorde de B disminuido - toca la escala locria de B

En este punto, probablemente esté pensando "¿por qué no tocar Do mayor para todos esos?" Podrías hacer eso, pero ayuda a que tu mente piense en tocar las diferentes escalas para cada acorde porque no puedes llegar muy lejos en el jazz sin ver una tonelada de acordes no diatónicos, y quieres practicar la comprensión. qué escala tocar sobre qué acorde. Por ejemplo, sobre cualquier acorde disminuido, una opción razonable es tocar una escala locria con una nota clave igual a la fundamental del acorde.

También hay varias otras escalas que funcionan mejor o de manera diferente en varios acordes, como la escala bebop dominante (creo que Burton llama a esto simplemente una "escala dominante", pero para muchos se refiere a una escala diferente) y la escala aumentada. La escala dominante de bebop se puede tocar sobre cualquier acorde de séptima dominante.

Una complicación más importante en las escalas de acordes es que no puedes ignorar la línea melódica normal de una pieza de jazz al elegir tus escalas de acordes. Bueno, puedes ignorarlo, pero entonces tu solo puede sonar raro. Cuando la nota de la melodía no es un tono de acorde, es mejor tenerlo en cuenta al elegir la escala de acordes. Para un ejemplo súper simple, si el acorde es un acorde de Do mayor y hay un Sib en la melodía al mismo tiempo, es mejor tocar una escala dominante de Do bebop o Do mixolidio en lugar de Do mayor.

Creo que hay una versión gratuita de la clase de improvisación de jazz de Burton disponible en Coursera, y la recomiendo mucho. De cualquier manera, puedes aprender a determinar las escalas de acordes comenzando lentamente y analizando algunas partituras principales de jazz y escribiendo en la escala que usarías sobre cada acorde. Tenga en cuenta que los cambios de acordes no siempre requieren cambios de escala. Después de marcar una partitura principal, practica solos con ella improvisando según las escalas que anotaste. Siga haciéndolo hasta que el proceso de selección de balanzas se vuelva automático.

La música clásica moderna y el jazz se basan en gran medida en los cromatismos (notas fuera de la clave principal y la escala de una pieza). Tocar una escala diferente a la escala principal de la pieza/sección sobre un acorde tocado por la sección rítmica es una de las formas de agregar cromatismos a una composición musical. En estos días, toco principalmente jazz de la "vieja escuela" y rara vez veo más de 2 cromatismos por compás. Cuando hay más, suele ser una progresión cromática de una nota a otra o un trino.

Cuando compongo o toco música, utilizo principalmente esta técnica para frases solistas, para agregar más "condimento" a una frase o para enfatizar una transición de un acorde a otro (similar a las pausas de batería, que generalmente significan un cambio de acordes o pasar de un acorde a otro). una sección de una pieza a otra).

Las escalas que emplees y la frecuencia con la que introduzcas cromatismos depende del estilo que toques y de tu instrumento y su papel dentro del conjunto. En la mayoría de los géneros musicales, no se espera que la sección rítmica se mueva fuera de la tonalidad principal y la escala de la pieza/sección. Por ejemplo, se espera que el bajo marque la tónica y la dominante del acorde que se está tocando. Se espera que el piano en algunos estilos de jazz sea muy "inventivo" y toque acordes maj7 y sus escalas/modos relacionados.

El free jazz y algunos estilos de la música clásica moderna dependen de los cromatismos, y aquí es donde personalmente esperaría que cada instrumento (a veces incluso la sección rítmica) toque escalas no relacionadas sobre un acorde, o cambie la clave y/o la firma de cada compás/frase. o alguna lógica no convencional para ser utilizada para la progresión musical. Probablemente, una de las progresiones de composición de jazz más famosas es " Cambios de Coltrane ".

Por lo general, cuando se trata de improvisar, te dan una hoja de notas que describe los acordes por compás o los otros músicos te dicen qué progresión convencional vas a usar (el blues de 12 compases es uno), qué tono tocará la sección rítmica. van a jugar y qué escala van a usar. Si practica sus escalas todos los días, no debería ser demasiado difícil echar un vistazo a la hoja de notas y averiguar qué cromatismos puede agregar a cualquier barra determinada. Si tiene su impresión personal, incluso puede agregarla por adelantado. No tengo oído perfecto ni memoria eidética, así que eso es lo que hago normalmente.

Empecé como percusionista (batería, timbales, xilófono) en una orquesta de folk para niños y adolescentes, tocando en algunas bandas de metal, grindcore y mathcore y componiendo música para videojuegos, así que entiendo las dificultades a las que te enfrentas. El jazz puede volverse muy complejo, pero la mayoría de las veces es importante conocer los acordes por compás y las escalas comúnmente utilizadas en el jazz ( menor armónico , be-bop mayor (ascendente), be-bop dominante (descendente), blues hexatónico mayor y blues hexatónico menor ). Incluso podrías agregar escalas disminuidas de mitad entera/mitad entera a tus frases, para darles más una sensación de "metal".

Para darte un ejemplo más concreto, la pieza podría estar, por ejemplo, en La menor hexatónica de blues, y la sección rítmica toca un acorde de min7 en el primer compás (ACEG). Decides impresionar a la audiencia y tocar fuera de la escala principal de la pieza. Tu elección ese día es la escala disminuida de medio entero en A. Rápidamente recuerdas que sus notas son AB♭-CC#-D#-EF#-G. Como sabes, la escala disminuida semientera también tiene el acorde min7. Pero puede agregar algunas notas "azules" (cromatismos) al acorde de la sección de ritmo y tocar AC#-D#, por ejemplo. De esa manera, todos comenzarán con el mismo tónico (A). Su sonido será un poco "disonante", pero los oyentes aún lo percibirán como "viable",

También me gustaría agregar que prefiero ser consistente con las escalas a las que me "desvanezco" dentro de una pieza musical y no abusar de esta técnica. Si salta entre escalas todo el tiempo, el oyente promedio no podrá seguirlo. Pero si la sección rítmica toca una escala y solo cambias a otra, aún habrá cierta consistencia auditiva en lo que estás tocando. Naturalmente, esta regla no se aplica realmente al free jazz o a la música neoclásica que es total o casi completamente de naturaleza cromática.

Con suerte, esto tiene sentido.

Una forma de "convertir cada acorde en [su] escala" es el sistema de escala de acordes . Tenga en cuenta que está orientado principalmente al jazz y que a menudo ofrecerá algunas escalas bastante desagradables para cualquier acorde dado (el primer ejemplo de Wikipedia ofrece la escala de tono completo C para un acorde que consta de C, E, G♯ y B♭) .

Otro nombre para la improvisación es vocabulario. Conocer la teoría te ayudará a descubrir tu vocabulario para usar en la improvisación. La segunda mejor forma de aprender a improvisar es escuchar a los músicos que te gustan e imitarlos.

Una de las primeras lecciones que prescribo a un estudiante que desee explorar la improvisación son los vecinos superiores/inferiores y los tonos de paso.

Un acorde normalmente se compone de, por ejemplo, el 1, 3 y 5 de una escala. Luego explore el semitono más bajo o el vecino más bajo de cada tono de acorde.

Luego explore el vecino superior o medio paso más alto.

Luego emplee tonos de paso, como pasar de C, C# a D. Póngalos todos juntos para crear líneas "incoherentes":

Luego puede emplear acordes superpuestos que en realidad son modales. Por ejemplo, si está tocando un acorde G7, puede tocar un acorde A o Db sobre él:

Trate de abstenerse de jugar "lame". Aprende tu alfabeto musical. Tocar licks es como poder hablar pero no leer. No cometas los errores que yo cometí.

No entiendo este concepto de "una escala por acorde" en absoluto. Debería imaginar sus propios acordes diferentes sobre los instrumentos de acompañamiento, y cuantas menos notas toquen, más libertad tendrá. Los acordes pueden implicar escalas, sí, pero no tienes que pensar en la escala como tu primera prioridad. Piensa en los acordes y deja que la cuestión de la escala se resuelva sola cuando sea necesario, si es necesario.

Incluso si la progresión solo tiene un acorde, se superponen cosas diferentes para darle a ese acorde diferentes interpretaciones. Si es un do mayor, puedes imaginar el do en cualquier número de funciones. Ponle un Fm... ¿a qué escalas o contextos armónicos te recuerda esa combinación? ¿Qué tal un Db mayor? re mayor? si bemol menor? mi mayor? ¿Qué tal una secuencia de acordes mayores: C - A - Gb - Eb - C? ¿Cambia su "conciencia situacional armónica" si no los toca como acordes, sino que los arpegia?

No tiene que ser nada complicado. Si la progresión de acordes de acompañamiento hace una transición I-IV que va de C a F, piensa en algunos trucos de acordes que podrías hacer para apoyar esa transición. Piense en ello como VI en F. O ii-VI en F. Toque C7 en C. Toque C9 en C. Toque Gm - C9 - Gb9 ... se siente bien, justo antes de pasar a F, ¿verdad?

Lo que digo es que, en lugar de tener que saltar directamente a las escalas completas desde los acordes dados, otra forma de ver el problema es reorganizar la canción con acordes nuevos y más animados. Y luego revelas fragmentos de tu arreglo improvisado a medida que avanzas.

Me gusta la respuesta seleccionada, pero a juzgar por la pregunta, podría ser más de lo que necesita en este momento.

Lo que realmente deberías estar haciendo es escuchar el tipo de música que quieres tocar. Averigua qué están haciendo en los solos que te gustan. Me sorprende que nadie haya sugerido esto. Tal vez cuando estés tocando con tus amigos más experimentados, haz que te muestren lo que están haciendo.

Para el tipo de música que aparentemente estás tocando (I-IV-V, etc.), probablemente no necesites saber tanto. Los solos en progresiones básicas tienden a ser bastante diatónicos, es decir, básicamente en la misma tonalidad. Concéntrese más en frases rítmicamente fuertes e ideas en desarrollo. La respuesta seleccionada mencionó a Gary Burton, esto es lo que enseñó en improvisación. clases

Por lo tanto, piense en un motivo corto, dos, tres o cuatro notas, y "desarróllelo" a lo largo de su solo. (si no sabe lo que esto significa, busque "motivos en desarrollo"). Además, muchos solos en la música pop se enfocan en los tonos de los acordes, así que no tienes que volverte loco con las escalas.

Si quieres "darle un poco de sabor" con tonos de paso, cuando estés en un tono mayor, puedes mezclar el b3 y el #4 (en C, serían Eb y F#), lo que implica un tono de blues menor. . Realmente puedes tocar tonos cromáticos de paso en cualquier lugar, por lo general, estos son en tiempos débiles o fuera de ritmo, pero tienes que usar tu oído para descubrir qué funciona para ti.

No sé si vas a recoger todo lo que hay que saber sobre teoría musical de una publicación, la gente estudia estas cosas durante años. Si está realmente interesado, siempre puede tomar un curso de improvisación en línea de Berklee.