He estado aprendiendo piano de jazz (principalmente solo) durante unos meses y estoy tratando de incorporar más color y voces más interesantes en mis acordes. Sin embargo, me resulta muy difícil mantener las voces que uso para cada acorde en una melodía en mi cabeza.
¿Debería anotar mis partituras principales con las voces, o incluso escribir partituras completas para cada melodía que aprendo? ¿O se supone que debo averiguar las voces en el acto, posiblemente tocando diferentes cada vez que toco la melodía? ¿Escribir un arreglo completo (a excepción de las secciones sobre las que se supone que debo improvisar, por supuesto) va en contra del espíritu del jazz? ¿Hará más daño que bien a largo plazo?
Por curiosidad, ¿cómo cambia tu respuesta si consideras
Una vez estuve en una lección con Arturo O'Farrill, un brillante pianista de jazz. Me pidió que tocara una balada, y cuando terminé, dijo algo así como "para esa canción, puedes llevarla más lejos haciendo este tipo de cosas". Procedió a tocar la misma canción usando sustituciones de acordes ridículamente geniales. Mi mente estaba alucinada, y asumí que se le ocurrió todo esto sobre la marcha.
Cuando llegué a casa ese día, busqué sus álbumes y encontré un arreglo en solitario de esa misma melodía. La grabación tenía algunos años, pero cuando la escuché, lo escuché tocar exactamente las mismas voces locas y los reharmones de nuestra lección.
Arturo no estaba siendo falso de ninguna manera: nunca afirmó haber creado el arreglo sobre la marcha. Yo solo había estado cargando con la misma idea errónea que tú tienes: que todo en el jazz es espontáneo.
Con el piano solo, es extremadamente común entre los pianistas de jazz de gran talento elaborar arreglos completos en detalle. Esto implica planificar qué voces usar, qué rearmonizaciones implementar, el momento en que debe comenzar una línea de bajo andante, dónde colocar los acordes sin raíz, etc. Si necesita escribir el arreglo para recordarlo todo, está bien. Sin embargo, eso es probablemente una indicación de que necesita pasar más tiempo practicando esas voces de piano en las 12 teclas.
A medida que trabaje en más y más canciones de esta manera (planificando un arreglo para toda la melodía), sus habilidades de piano solo mejorarán y su interpretación se volverá más fluida. Encontrarás que, cuando llegas a un acorde de séptima dominante con la 13 en la melodía, tienes algunos trucos diferentes bajo la manga que podrías implementar.
Esto se aplica principalmente a los acordes y arreglos de la melodía. Incluso en piano solo de jazz, no es muy común planificar improvisaciones completas.
En general, practicar tus habilidades como solista no será de mucha ayuda para tocar en grupo. Si entras en un combo pequeño y comienzas a tocar las voces de Bud Powell (que contienen la raíz) en una octava más baja, el bajista te dará una mirada divertida. Si comienza a caminar una línea de bajo con la mano izquierda, obtendrá más que solo miradas. Además, cuando se toca en grupo, es mucho menos común que un pianista de jazz ingrese una canción con un plan para cada sonorización.
Hay buenas razones para estas diferencias: en un contexto solista, el piano está mucho más restringido porque debe cumplir el papel de bajo, armonía, melodía y ritmo, todo en uno. Es por eso que la planificación avanzada es tan necesaria. Pero en un contexto grupal, el pianista solo cumple el papel de la armonía (porque el bajista proporciona el bajo, la trompa proporciona la melodía y el baterista proporciona el ritmo). Eso libera al pianista para que sea más creativo y receptivo. Y, en general, existe una mayor expectativa en un entorno grupal de que el pianista escuchará al resto de la banda y responderá/se adaptará en consecuencia.
Jugando solo, puedes hacer lo que necesites hacer. Si te ayuda transcribir, entonces lee, que así sea. Eventualmente, con la mayoría de las piezas, recordarás la mayor parte de lo que sucede. Pero, en el espíritu del jazz, eso puede significar que toca una pieza exactamente igual cada vez. Algo de jazz puede ser, y es, así, pero a los oyentes también les gusta escuchar más desarrollos, y es posible que este método impida que eso suceda.
Jugar con otros: dependerá de quién y qué. Con otro instrumento de cuerdas (guitarra, probablemente), es importante que ambos sepan lo que está sucediendo. Algunas voces o cambios de acordes pueden chocar, lo que no es bueno. Al tocar con instrumentos solistas, es importante que sepan cuáles serán las armonías. Usan esas armonías para construir sus melodías. Si solo agrega un noveno más o menos aquí y allá, no hay problema, pero usar un tts en lugar de una V, o cambiar V7 a V7♯5♭9 puede confundirlos si no se les advierte.
No le hará daño a nadie preparar hojas de plomo, al menos así, cada jugador tendrá la pieza trazada, ¡con más posibilidades de que todos estén juntos y nadie salga lastimado!
Sesiones improvisadas: trate de no alejarse demasiado de los originales, ya que otros que jueguen con usted esperarán eso en lugar de una versión modificada.
Tocar en una banda: a menudo, un ensayo resolverá lo que se toca, y la tabla para cada jugador lo mantendrá sencillo.
Volviendo a tu forma de tocar en solitario, no hay nada de malo en cambiar las voces sobre la marcha, ya que solo eres tú. Y vale la pena continuar con eso, ya que las nuevas armonías/voces te darán inspiración, lo cual es entrar en el verdadero 'espíritu del jazz'.
"Descubrir la voz en el acto" puede llevar a congelarse. Me gusta la respuesta de Laurence y sus comentarios sobre "paradoja".
Hay otra paradoja en la música, específicamente la improvisación, más específicamente el Jazz. Es decir, que uno no debe tener una noción preconcebida de lo que va a tocar y no tocar solos escritos. Ahora podría pensar en toda la pieza como un solo si cada jugador está arreglando sobre la marcha y eso lo hace divertido. Pero el hecho es que la improvisación es una "variación de un tema" y la única forma de volverse realmente bueno en la elección de voces de acordes, sustituciones y extensiones sobre la marcha es dedicar tiempo a modificar sus propios arreglos y los de otros músicos. Tiene que estar en la memoria muscular.
No soy un gran admirador de las hojas de plomo, ya que ya contienen errores, malas decisiones y falta de información. Si realmente quieres aprender una melodía, mi recomendación es hacer una cinta mixta (oh, mierda, soy viejo) con una docena de versiones de la melodía en varios estilos y escucharla durante un mes. Luego deja que las ideas que se filtraron en tu subconsciente salgan a la luz mientras juegas con la melodía. Si tiene un arreglo con voces de acordes que cree que son geniales, le recomendaría hacer su propia partitura principal, ya sea una copia xerox (vaya, ahí voy de nuevo) o use MuseScore o algún otro software para escribir su propia partitura principal con tanta notación como quieras. De esa manera conservas la integridad del original, por lo que vale.
Hay una paradoja aquí. Al componer, eres libre como el aire. Escribe lo que quieras: lo obvio, lo inesperado, lo completamente fuera de lo común...
Cuando improvises en un grupo de jazz, apégate a las reglas acordadas. No toques como Chick Corea (RIP) en una banda de Dixieland. ¡Y la 'forma libre' está sobrevalorada!
Pero estás hablando de tocar en solitario. Y estás hablando como si hubiera algún problema moral sobre la diferencia entre componer/arreglar (más arreglar en este caso, creo) e improvisar. no hay
¿Distinción hobby/profesional? Bueno, si esperas que te paguen, es una buena idea mantener tu música accesible y no cometer demasiados errores en público.
¿Solo/en una banda? Nuevamente, entregue los bienes. Si esto significa preparación, bien.
Juan Belzaguy