Mi guitarra de jazz no suena a jazz.

Olvídese de escalas y acordes por ahora. El algoritmo que desea:

1. Encuentra algo de jazz que te guste. Elige una melodía con un solo que te guste y que no sea demasiado complicada. Idealmente, algo que sepas tan bien que casi lo memorizas.
2. Intenta cantar el solo (o solo una parte, para empezar).
3. Intenta tocar el solo en tu instrumento, o parte de él.
4. Intente cantar su propio solo junto con la canción. (O si tiene algún tipo de versión de acompañamiento de la misma melodía, eso podría ser ideal. Los acompañamientos de Band-in-a-box o iReal Pro o Aebersold).
5. Intenta tocar algo como el solo que acabas de cantar.
6. Vuelva al paso 1.

De hecho, si te quedas atascado en algún punto del camino, siempre puedes volver al paso 1, es un paso importante.

La idea es inculcar el lenguaje básico en tu cerebro y desarrollar tus habilidades para escuchar y tocar de oído a lo largo del camino.

Bien, y en realidad no olvides las escalas y los acordes. Descubrirá que le brindan un marco que lo ayuda a identificar lo que está escuchando. Pero probablemente sea mejor si aprendes a cantarlos y cómo reconocerlos cuando los escuchas, y no solo cómo tocarlos.

Descargo de responsabilidad: Toco terribles intentos de solos de jazz. Pero en la medida en que suenen como intentos de solos de jazz , y no solo como un juego de manos al azar, doy crédito a algunas escuchas y transcripciones.

Aunque su pregunta es vaga, creo que entiendo el problema leyendo entre líneas. Conoces algunas escalas y teoría, pero cuando intentas tocar sobre cambios, ¿parece que todavía estás haciendo ejercicios en lugar de "tocar jazz"? Si es así, ese es un problema común y solo otra joroba que superar.

Definitivamente estás en algo con arpegios. Es bueno conocer las escalas en general y es útil tenerlas debajo de los dedos cuando se tocan líneas. Pero si simplemente tocas escalas, tus líneas no sonarán muy melódicas; sonarán como escalas.

Por lo general, es mejor pensar en los tonos de los acordes. Asegúrate de conocer muy bien tus arpegios diatónicos de séptima. Practica la canción un poco tocando solo los arpegios sobre los acordes dados.

Luego practique patrones usando el 3, 5, 7 y 9 del acorde. Otra forma de ver esto es superponiendo el arpegio diatónico que está un tercero por encima del acorde dado (ej. Dm7 -> Fmaj7). Al desplazar hacia arriba una tercera diatónica como esa, estás sumando el 9 mientras omites la raíz. Acostúmbrate a tocar esas notas en varios patrones (arriba, abajo, subiendo y bajando octavas, etc.).

Otro enfoque simple es combinar pares de tríadas . Por ejemplo, si toma 2 pares de tríadas diatónicas adyacentes en una clave dada (por ejemplo, F, G en la clave de C), obtendrá una escala de 6 notas que contiene esa clave completa menos una nota. Entonces, al alternar de un lado a otro entre tocar un arpegio de tríada F y luego un arpegio de tríada G en varias inversiones, cubrirá mucho terreno y tocará la mayoría de las notas en la clave de C. Pero las tríadas sonarán más melódicas. que simples pasos de escala.

Eso hará que suene más melódico dentro de un solo acorde, pero luego debe sonar como si estuviera tocando sobre cambios en lugar de acordes individuales. Considere el uso de notas objetivo (tocando los tonos de acordes esenciales en el tiempo bajo cuando cambia a un nuevo acorde) y más específicamente en los tonos de guía (usando los grados 3 y 7 para conectar acordes a través de un medio paso).

Por ejemplo, dado un ii-VI en C tienes Dm7 | G7 | Cmaj7. La séptima de Dm7 (C) al final de un compás puede moverse medio paso hacia abajo hasta la tercera de G7 (B) en el primer tiempo del cambio de acorde. Luego puede hacer lo mismo con el G7 pasando del 7 (F) al 3 (E) del Cmaj7. El uso de estos tonos de guía le dará esas líneas que fluyen a través de los acordes y suenan interminables en lugar de sonar como si estuviera tocando frases individuales sobre cada acorde.

Y, por supuesto, hay muchas otras cosas en las que pensar, como citar y alterar la melodía original, robar licks idiomáticos de los discos (si quieres que suene como "jazz", entonces roba y analiza algunos licks de discos de jazz que te gusta), etc. Pero pensar en los tonos de los acordes y cómo se conectan entre los cambios te llevará una buena parte del camino hasta allí.

Si bien el noodling tiene su lugar, no es una buena estrategia para aprender a tocar la guitarra de jazz. Escucha toneladas de jazz. Identifica frases que te interesen y trata de reproducirlas; trate de averiguar en qué teclas están las frases y tóquelas en todas partes del cuello, en cada tecla.

Sugeriría aprender las tríadas en todas partes del mástil de la guitarra (mayor, menor, aumentada, disminuida). Estos pueden ser una base para la construcción de acordes, pero también se pueden usar para construir solos que perfilen las armonías de una canción. Aplique este nuevo conocimiento a algunos estándares, creando solos a partir de solo tonos de acordes; trata de trabajar en algunas de las frases que has tomado de tus canciones favoritas. Una vez que ganes algo de facilidad con las tríadas, puedes agregar algo de color con quintas, sextas, novenas, undécimas bemoladas, etc. O puedes hacer algunas sustituciones de acordes con las tríadas. Puede sacar mucho provecho de las tríadas y luego usar escalas para construir sobre esta base.

Pero, lo mejor que puedes hacer es encontrar un buen maestro que te guíe a través del comienzo de este proceso de por vida.

Enfócate en el ritmo, no en la armonía

Sugeriría que la raíz de su problema no es armónica, sino rítmica. Tu publicación sugiere que ya estás en muy buena forma armónicamente. También parece que probablemente también tengas un buen control técnico. Has hecho buenas elecciones de escala, ya estás enfatizando el 1, 3, 5 y 7 de cada acorde, y estás usando algunos tonos de paso (los tonos principales cromáticos contribuyen en gran medida a que las líneas suenen jazzísticas) . También estás usando escalas pentatónicas, que pueden sonar muy bien cuando se tocan inmediatamente después o antes de las líneas escalares con tonos de paso cromáticos.

Entonces ya estás haciendo las cosas bien, armónicamente hablando. Probablemente podamos descartarlo como el principal problema, lo que deja al ritmo como un área probable en la que enfocarnos. De hecho, el problema que ha descrito es extremadamente común entre los músicos técnicamente competentes pero nuevos en el jazz.

Fraseo rítmico

En guitarra y piano, el desafío de tocar algo rítmicamente interesante es mayor porque nada nos obliga a romper nuestras frases. Por el contrario, los instrumentos de trompeta tienen que pensar en el fraseo, porque deben dejar de tocar de vez en cuando para tomar aire. Pero el piano y la guitarra pueden tocar corcheas hasta la saciedad sin pausas ni variaciones rítmicas. Esto no tarda mucho en dejar de sonar a jazz. El fraseo es muy importante en la improvisación.

Hay muchas maneras de introducir más diversidad rítmica en nuestra forma de tocar. David Berkman me dijo una vez que eligiera a un músico que sobresalga en esto (mencionó a Kenny Kirkland) y transcribiera y aprendiera a tocar muchos de sus solos. Uno de los más grandes maestros de todos los tiempos en esto fue Charlie Parker. Y, en general, encontrarás muchas variaciones rítmicas interesantes en la música bebop. El cuarto punteado es una piedra angular de esos ritmos. Lo ideal es transcribir líneas y frases completas, pero también puede probar simplemente agregando un espacio de cuarto con puntos entre dos notas. Por ejemplo, si toca cuatro corcheas y finaliza la frase en el tiempo fuerte de 2, entonces puede comenzar su siguiente serie de corcheas en el tiempo fuerte de 3. Otra técnica, que es algo similar al cuarto con puntillo, es el uso de un patrón rítmico cruzado repetitivo de 3 tiempos. Por ejemplo, aquí'

La primera frase se toca primero comenzando en el tiempo 1 y luego una segunda vez comenzando en el tiempo 4. Podríamos repetir este lick una tercera vez, comenzando en el tiempo 2 del compás 2. Este es un lick de 3 tiempos y repitiéndolo unas pocas veces crea un buen ritmo cruzado al compás de 4/4. Esta tensión rítmica atrapa el oído. Al final del compás 3, también vemos el espaciado de cuarto punteado, que interrumpe el lamido de corchea. La C en el tiempo 3 es seguida por un B♭ en la "y" de 4. Esto agrega variedad rítmica, lo que hace que la línea sea rítmicamente interesante y le da una sensación de jazz-y/bebop-y.

Agrupaciones y acentos de corcheas

Como se describió anteriormente, a menudo escuchamos a los músicos de bebop lograr variaciones rítmicas a través de silencios y/o variaciones en la duración de las notas. El cuarto con puntillo es un espaciado de notas por excelencia. Pero hay otras formas de crear esta agrupación rítmica, estructura, diversidad. Incluso si está tocando una serie larga de corcheas, aún puede crear énfasis rítmico agrupando notas en un patrón rítmico específico:

Este es un lick al estilo de Charlie Parker, y puedes escuchar algo similar en su versión de Cherokee de 1942 a las ~1:41 . Cada nota tiene la misma duración y no hay silencios. Pero a pesar de esto, todavía vemos un patrón rítmico de 3 tiempos, 3 tiempos, 2 tiempos. He resaltado la primera nota en cada grupo. El patrón 3-3-2 aparece en los primeros dos compases y nuevamente en los dos últimos compases. El grupo de 3 tiempos contiene 6 notas negras, y crea efectivamente el mismo ritmo cruzado de 3 tiempos discutido anteriormente. Los acentos contribuyen a este patrón rítmico, enfatizando la primera nota de cada grupo (entre otras cosas).

Sentir

Más allá del ritmo, hay un último elemento en la interpretación que puede hacer que tus líneas suenen como jazz: la sensación. Queremos que las líneas se balanceen. Esto no significa necesariamente tocar corcheas con swing. En una lección, Gary Smulyan me dijo una vez que el swing moderno significa tocar octavas rectas ligeramente por detrás del tiempo con un pequeño acento en los tiempos altos. Encontrar una buena sensación de swing puede contribuir en gran medida a mejorar el sonido de las líneas que ya son armónicamente interesantes.