¿La improvisación suele comenzar con una progresión de acordes?

Ha estado en una jam band 100% improvisada durante varios años, el esqueleto para un segmento improvisado de música no necesita ser de naturaleza armónica en absoluto. Nuestra técnica más común era comenzar con notas individuales en un instrumento, lo que permitía que el segundo y, a veces, el tercer instrumento crearan una especie de progresión de acordes con una especie de conjunto de notas contrapuntísticas.

Entonces, en nuestras improvisaciones, la progresión de acordes venía en último lugar . Solo se realizó una vez que todo estaba funcionando. El elemento seminal para nosotros fue casi siempre un ritmo .

La improvisación no tiene por qué obedecer en absoluto a las prácticas de la armonía "occidental", por lo que las progresiones de acordes nunca son necesarias. Si yo fuera tu maestro, diría que hay mucho que aprender improvisando con otros músicos donde nadie puede tocar una progresión de acordes. Con solo notas sueltas, lo máximo que un músico puede hacer es implicar una clave y aún más vagamente implicar acordes. Esto distribuye la responsabilidad del movimiento armónico entre todos los músicos (sin contar la percusión sin tono), y también permite que cualquier músico cambie la dirección armónica.

Detrás de la mayoría de la improvisación, especialmente la improvisación fuera del jazz, hay una progresión de acordes. Las razones de esto son bastante simples: las progresiones de acordes crean un ritmo armónico, dan estructura al solo(s) y relacionan el solo con el resto de la pieza musical. Una progresión de acordes no es estrictamente necesaria para una buena improvisación, pero tocar solos sin ningún tipo de acompañamiento/composición de acordes es bastante avanzado (y requiere un buen oído). Hacer solos sin ningún tipo de información armónica es muy avanzado, especialmente si planea hacerlo con una banda, ya que la responsabilidad de proporcionar a la banda las cosas que elevan la música por encima del nivel de ruido desorganizado recaerá completamente en usted.

A su pregunta, ¿suele ser bueno comenzar con una progresión de acordes? Tendría que darle la respuesta completamente inútil de "tal vez". Hacer solos sobre acordes tiene muchas ventajas, la mayoría de las cuales he discutido anteriormente. También tiene algunas desventajas: tiene un efecto un tanto paradójico en la improvisación polifónica, ya que la presencia de cambios de acordes limita inherentemente qué notas puede tocar sin terminar en un territorio gravemente disonante. Esto significa que si dos (o más) músicos quieren tocar líneas melódicas al mismo tiempo, deben tener cuidado de no pisar los dedos de los pies. Esto no es realmente un problema sin cambios de acordes y los músicos, en términos prácticos, tienen mucho más espacio para tocar unos con otros. Sin embargo, es muy,

La impresión que tengo de tu pregunta es que estás buscando escribir música para improvisar. Por lo general, la música que se va a improvisar ha tenido tanto una melodía como una progresión armónica que informa la improvisación y, posteriormente, recomendaría que ese tipo de composición sea un buen punto de partida. Es muy útil tener una melodía para proporcionar los motivos de los que habló en su pregunta. Esencialmente, la melodía proporciona un punto de partida útil para los solistas y la integración de frases de la melodía es una técnica de solos probada y de buen gusto. Hay muchos ejemplos de esto, pero uno de los más destacados es Thelonious Monk, quien a veces simplemente tocaba la melodía en su estilo extraño y angular y daba por terminado el día. ellos no son

Me pregunto si "generalmente" es bueno comenzar con progresiones de acordes.

Sí, es bueno.

Un viejo cliché pero muy cierto:

Necesitas aprender las reglas para romperlas.

Atribuido a Charlie Parker:

Aprende los cambios, luego olvídalos.

Por supuesto, eso plantea la pregunta: si se supone que debes olvidarlos, ¿por qué aprender los cambios en primer lugar?

La respuesta: no significa olvidar/ignorar los cambios por completo: los cambios le brindan un marco con el que trabajar. Lo que necesita 'olvidar' son las restricciones tradicionales, aparentemente arbitrarias, impuestas por los cambios: olvídelos y reproduzca lo que escucha, dentro del marco sugerido por los cambios.

Cualquiera que haya comparado a Bird con alguien como Albert Ayler, Ornette Coleman o Sun Ra sabe que Bird era muy consciente de los cambios, pero los superó de nuevas maneras que rompieron las reglas establecidas.

Mark Levin en su Jazz Theory Book (Sequences) lo explica bien: (énfasis mío)

Cuanto más domine 'jugar en los cambios', más probable es que los use como modelo, en lugar de leyes que debe obedecer estrictamente.

Para alcanzar el nivel de maestría de Mulgrew [Miller], que toca todo lo que escucha y suena bien sin importar lo que diga el símbolo del acorde, primero debe dominar cómo tocar los símbolos del acorde tal como están escritos.

Pero recuerda esto: los símbolos de acordes son una guía, no una camisa de fuerza.

Mi opinión personal, que es también la de muchos distinguidos pedagogos y estudiosos: la música sin forma y organización armónica puede ser interesante -por un tiempo- pero pronto se volverá aburrida y monótona, incluso si los intérpretes son grandes virtuosos. Los seres humanos prosperan con los patrones y la organización: es parte de la esencia del ser humano. En música eso significa estructura determinada por cambios de acordes, y/o melodías y armonías reguladas, o algún otro sistema de organización . ( Cierto: muchos no estarán de acuerdo , que así sea. Las preferencias musicales son una cuestión de gusto personal, subjetivo)

Nuevamente , mi opinión personal y subjetiva : a menos que ya sepa todo sobre cómo trabajar con acordes y escalas, la necesidad de "comenzar a tocar y no preocuparse por los cambios de acordes y las reglas" es solo pereza: es divertido hacer sonidos interesantes sin tener que hacerlo. trabajar demasiado duro en ello.

En el mundo clásico, quizás el más grande compositor del siglo XX, Arnold Schoenberg , pasó por un período atonal en la primera parte del siglo. Pero posteriormente abandonó la atonalidad al darse cuenta de sus limitaciones para la expresión y el desarrollo musical. Como resultado, desarrolló algo llamado la técnica de los doce tonos que posteriormente adoptaron otros compositores notables que habían incursionado en la atonalidad, incluido el principal rival y contemporáneo de Schoenberg, Igor Stravinksy . (La adopción de Stravinksy de la técnica de 12 tonos fue, en ese mundo, tan controvertida e iconoclasta como el día en que Bob Dylan "se volvió eléctrico" - Worlds Collided ) .

La técnica de los doce tonos no utiliza "cambios de acordes" ni armonías en el sentido tradicional, pero sí está estructurada con reglas y restricciones, que proporcionan un marco para una expresión musical interesante y cautivadora.

Entonces sí:

Aprende los cambios, antes de que los olvides

Nota 1: Esto no significa que no se pueda desarrollar música interesante simplemente comenzando con una melodía e improvisando sobre ella. Pero posteriormente, ese núcleo debe desarrollarse y estructurarse en una pieza musical coherente, que debe ser su objetivo. Mi discusión aquí se relaciona con hacer que "ignorar los cambios de acordes" sea su estilo musical y metodología.

Nota 2: Mi enfoque en esta pregunta es que no se trata realmente de "cambios de acordes" per se, sino de música estructurada y formalizada frente a un enfoque de "forma libre". El término "cambios de acordes" simplemente refleja la forma en que la mayoría de los músicos de pop/rock ven la estructura musical.

¿Cómo se puede improvisar algo sin un esqueleto para colgarlo? Sí, por supuesto que hay improvisación totalmente libre, pero hasta donde yo creo, no tiene mucho sentido y por lo general termina siendo poco musical. Excepto que estaba hablando con un buen músico clásico que me dijo que tenía grupos de no músicos, les dio instrumentos y en media hora estaban tocando juntos afinados. Creo que se perdió la parte de los cerdos voladores.

Cuando hay un plan, como en una secuencia de acordes, se improvisa. se puede hacer inteligentemente. Por supuesto, uno puede jugar todo el día con pentatónicas y sonar no tan mal, pero eso no es una improvisación adecuada. improvisación necesitará un camino coherente a seguir, ya que ciertas notas funcionarán mejor con un acorde pero no con otro. En un concierto hace unas semanas, estaba improvisando, como suele suceder, cuando la secuencia de acordes (tocada por un guitarrista) se salió por la tangente. Mi forma de tocar sonaba a basura, ya que esperaba cierta secuencia, que ahora había cambiado, y no tenía ni idea de qué seguir. Entonces, sí, es necesaria una secuencia.

Puede estar en mucha música clásica (y más popular). Cosas como los cambios de ritmo y el blues de 12 compases son buenas secuencias de acordes para la improvisación (al igual que La Folia y los Passaezzos para la música clásica). Sin embargo, uno puede comenzar con una melodía (o incluso un par de motivos) como en la "Ofrenda musical" de Bach, donde se amplía el tema de Fred.

Si por "generalmente" quiere decir "más de la mitad del tiempo entre todos los músicos publicados", no creo que podamos determinar la respuesta con certeza. Algunas de las otras respuestas ya han indicado que, a veces, las personas improvisan melodías primero y las cosas salen bien. Pero, ¿con qué frecuencia es eso "a veces"? No estoy seguro de que podamos citar suficientes fuentes para determinar eso.

Si me pregunta si suelo empezar a improvisar determinando primero las progresiones de acordes, la respuesta es un rotundo NO. Como un cantante decente que casi nunca toca un instrumento, casi siempre improviso (canto) las melodías primero y descubro las progresiones de acordes implícitas después. A veces, restrinjo mis improvisaciones por tonalidad, métrica, ritmos, género y/o estilo, pero ninguno de ellos determina estrictamente las progresiones de acordes. Improviso en el piano de manera similar (con resultados significativamente más aburridos, en mi opinión, allí, necesito crear progresiones de acordes explícitas casi inmediatamente después de tocar la melodía, y mis progresiones de acordes se vuelven menos creativas).

Debería poder encontrar varios libros de métodos o videos tutoriales que describan los enfoques de la improvisación. Al final, creo que estos son los lugares para buscar respuestas.

Todos los métodos de jazz que he visto comienzan con una progresión de acordes dada y luego combinan escalas con los acordes o arpegian los acordes.

Los enfoques clásicos que conozco muestran cómo embellecer un esqueleto melódico dado o improvisar la parte del teclado de la mano derecha sobre un bajo figurado. El bajo cifrado es una cosa del siglo XVII/XVIII más o menos equivalente a una progresión de acordes, pero es anterior a la teoría moderna de la armonía. Pasando por alto los detalles, la improvisación con la mano derecha implicaría material basado tanto en acordes como en escalas.

En el estilo pop de tu ejemplo, he visto tutoriales de YouTube que básicamente muestran tocar los acordes de una canción con varios patrones de acordes rotos con diferentes ritmos y adornados con tonos que no son acordes.

En general, diría que usar progresiones de acordes como punto de partida para la improvisación es un enfoque común, y lo que es más importante para mí, de ninguna manera estos enfoques se presentan como artísticamente inferiores a algún otro enfoque. Algunos de estos métodos le dirán que eventualmente dejará de pensar en las progresiones de acordes y tocará de manera más intuitiva, pero esto generalmente sucede después de mucha práctica.

Otro punto que creo que vale la pena mencionar es cómo la armonía/melodía (o acorde/escala) pueden verse como dos caras de la misma moneda. Por ejemplo, en Do mayor, si toca un acorde descendente roto de G7 y precede cada tono con una apoyatura, obtiene G, F, E, D, C, B, A, G.) ¿Es un acorde de séptima dominante embellecido, o una escala, o ambos? Entonces, la estructura con la que comenzamos puede estar basada en acordes, pero el enfoque de improvisación tiene que ser acordes versus escalas. Debe ser una mezcla fluida de ambos.