¿Cómo sentir la música?

La primera y principal forma de aprender a sentir la música es tocar música. No "practicar", no "actuar", sino "jugar". La diferencia clave entre los dos primeros y el último es que los dos primeros suelen tener un propósito muy específico. Jugar tiene un propósito menos directo y más simplemente ver lo que sucede.

La segunda parte más importante de aprender a sentir la música es salir y escuchar música de ese género. Estoy seguro de que ya lo haces, pero vale la pena señalar lo esencial que es. Hay una famosa pieza de música rusa que buscaba replicar el movimiento de jazz estadounidense (Editar: había olvidado el nombre, pero la investigación más excelente de Margalo lo encontró: Jazz Suite No. 1 de Dmitri Shostakovich). Como se explicó, el compositor ruso nunca había escuchado jazz estadounidense, pero consiguió algunas partituras de jazz e hizo su mejor suposición sobre cómo sonaba el jazz estadounidense. ¡Ni siquiera estaba cerca!

Ahora, si puedo dar una opinión, siento que las imperfecciones son las que le dan una sensación a la pieza. Un músico habilidoso toma las imperfecciones de su interpretación y las vuelve a entretejer en la música de manera tan fluida que tienes que preguntarte si realmente eran imperfecciones en primer lugar. Muchos estilos en realidad se enfocan tanto en imperfecciones específicas que comienzan a convertirse en el carácter de la música.

Así que adelante y deja que el instrumento tenga algo que decir en el sonido. Si una cuerda de guitarra está ligeramente desafinada, en lugar de detenerla y volver a afinarla, tal vez juegue con el sonido. Tal vez el instrumento te sugiera una curva de tono que nunca pensaste probar. O tal vez, debido a la pura suerte, esa cuerda desafinada en particular te permite hacer un acorde de entonación justo como el que usan los Barbershop Quartets, y puedes escuchar la voz del ángel resonar sobre ellos (nunca obtendrás ese sonido con un acorde afinado tradicionalmente). instrumento con trastes). Deja que el medio ambiente tenga algo que decir. Si llueve, vea cómo su selección interactúa con el tap-tap-tap en los cristales de las ventanas. Si hay truenos, tienes una pista de bajo libre para tocar. Si una de tus notas se sale del ritmo, no te detengas... ve si puedes tomar esa nota y contar una historia con ella mientras la haces girar en una aventura musical para volver a unir el tempo. Cuando actúes para otros, no toquespara ellos, juega con ellos. Mira sus ojos. Pronto tus dedos comenzarán a darse cuenta de que pueden hacer cosas que impresionan a la audiencia que nunca pensaste que podrían hacer (¡y ciertamente cosas que nunca se escribieron en la partitura!)

Tu entrenamiento muy matemático proporciona un andamiaje sólido desde el cual tejer el sentimiento en la música. No tenga miedo de alejarse mucho de su zona de confort, y simplemente confíe en que cuando llegue el momento, su andamiaje estará allí para atraparlo.

Estoy de acuerdo con las otras respuestas y espero que la mía complemente y mejore sus palabras...

Sugeriría definir dos tipos distintos de práctica:

1. Práctica de perforación
2. practica de juego

En la práctica de perforación , te enfocas en los pequeños detalles de la ejecución y aquí es donde te detendrás y comenzarás de nuevo mucho. Pero, en este tipo de práctica, también reduce el alcance de lo que está tocando. A menudo es solo una medida o una parte de una medida, incluso una sola nota o acorde. Pero no es económico reproducir toda la canción en este modo.

Por el contrario, en la práctica de interpretación , intenta prepararse para una actuación real. Eventualmente, desea ejecutar varias canciones como un pequeño concierto. Pero para cada canción, no te detienes en los errores, tratas de retomar el rumbo y seguir adelante. Usted hace una nota mental de dónde tropezó y esa medida o frase se convertirá en parte de su práctica de perforación más adelante. Pero en este modo, no te detienes y comienzas. Llega al final de la canción.

Ahora bien, estos dos modos de practicar son, por supuesto, diferentes en la forma en que deben abordarse, pero también en los resultados que obtienes. Perforar puede ser agotador , pero tocar tu canción favorita (actual) de principio a fin debería ser energizante, incluso sin público. Entonces, si organiza su práctica de guitarra en torno al equilibrio de estos dos modos, mitigará o incluso revertirá el "aburrimiento" de la práctica (de perforación) (solo).

Tenga en cuenta que esta no es una lista exhaustiva de las formas de practicar, descuidando la práctica de lectura (y visualización), la improvisación y otras.

Editar: Leyendo esto más tarde, creo que la improvisación es casi tan importante como estos otros dos. Particularmente con respecto a lo que sucede cuando cometes un error .

En la práctica de perforación, un error está mal , y lo vuelves a hacer o analizas lo que está fallando.

Y en la práctica de actuación, intentas minimizar los errores. No hagas muecas. No jures. Rápidamente, recógelo.

Pero la Improvisación te enseña una tercera forma de reaccionar ante un "error": escucharlo.

¿Cómo suena? ¿Adónde quiere ir la melodía si eso sucede? Al tocar un solo en jazz, hay una "regla":

• Si comete un error, ¡juegue dos veces!

Si es demasiado difícil para usted dejar que un error mienta y continuar con la canción cuando está tratando de tocarla; entonces recomiendo una fuerte dosis de Improvisación para romper la reacción automática a los errores que está cometiendo tu cerebro.

¡Los perfeccionistas son a veces su peor enemigo! Por favor, no vuelvas a empezar desde el principio cuando estés aprendiendo una pieza. Mi analogía es que acabas de limpiar una ventana grande y notas que todavía tiene una mota. ¿Volverías a limpiar toda la ventana?

A tu pregunta. La música es matemática en muchos sentidos, pero su ejecución probablemente no lo sea. Querer hacer las cosas perfectas es loable, pero también poco realista. De hecho, a menudo, después de un concierto, una banda en la que he tocado me ha dicho lo perfecto que estuvo todo, pero el público estaba tibio; otra noche, muchos pequeños errores tontos, y al público le encantó la actuación. ¡Extraño!

A lo que me refiero es: todos cometemos errores, y parte de ser un buen músico es vivir con el que acabas de cometer y hacer algo con él. ¡Ciertamente sigue jugando y no te detengas! Por lo general, culpo al bajista, a menos que yo sea el bajista del concierto... Si encuentras uno o dos más con los que tocar, sí, aprende algunas cosas palabra por palabra, pero también simplemente improvisa y mira (¡y escucha!) lo que sale. afuera. Escucha, siente, disfruta.

Ciertamente no lo aconsejo, pero muchos jugadores han usado sustancias, y creo que uno de los productos de eso es la pérdida de inhibiciones, así que simplemente jugaron . No ser consciente de sí mismo mientras se juega no es un estado fácil de lograr para algunos, pero es muy importante.

Si alguna vez has estudiado poesía, aprendiste sobre métrica y rima. Es posible que también hayas aprendido sobre la cadencia. Estas cosas crean ritmo. La música es poesía. La letra puede ayudar a crear el estado de ánimo y la emoción. El compás (tempo y ritmo) también constituye parte de la "sensación" de la música. El timbre (pronunciado "tamber") de los instrumentos y las voces también contribuyen.

Estudie estas cosas y observe las diferencias entre las canciones.

Además, bailar (o imaginarte a ti mismo bailando) al ritmo de la música te ayudará a tener la "sensación" de la misma.

Creo que has respondido tu propia pregunta. Usted menciona que el perfeccionismo no es el problema. Estoy de acuerdo. También mencionas que tu oído necesita algo de entrenamiento. Ahí está tu respuesta. Aplica tus hábitos de práctica del perfeccionismo para entrenar tu oído. Una vez que pueda escuchar un sonido en su cabeza y luego reproducirlo, podrá depender menos de la música y agregar más expresión. Para practicar las habilidades auditivas, piense en términos del hardware. Tienes ojos, dedos, oídos, voz y cerebro. Los ojos y los oídos son la entrada y los dedos y la voz son la salida y el cerebro está procesando y creando. Necesitas practicar la entrada a través de los ojos (ver música y saber cómo suena) la salida a través de los dedos (escribir o tocar música que escuchas en tu cerebro). Escuchar música y conocerla (si no son las notas reales, conoce las funciones) y finalmente cantando música.

Esto en realidad agrega un paso entre su proceso actual de ver la partitura y asociarla directamente a la posición del dedo, pero esto es bueno. Quieres ser capaz de hablar música, así que piensa en la música como un lenguaje. Su proceso actual es equivalente a ver una oración en una página y saber cómo escribirla en una computadora y hacer que la computadora diga la oración por usted. Debe leer la oración, saber lo que significa, decir la oración en voz alta y luego reproducir la oración en un dispositivo. Una vez que esto sea mejor, puede comenzar a reformular oraciones y crear sus propias oraciones.

En cuanto al perfeccionismo, no te preocupes. Sé tan perfeccionista como quieras. Sin embargo, consulte con personas, maestros o métodos también para asegurarse de que está en el buen camino. Sin embargo, le sugiero que no se detenga si comete un error, cuando practique tocar una pieza. Si constantemente haces eso, entonces eso es lo que aprendes. Aprendes a detenerte en un abrir y cerrar de ojos. Si tiene problemas para tocar algo, aíslelo y perfeccionelo, luego incorpórelo al todo. Pero cuando practiques tocar toda la pieza, practica tocarla hasta el final. Las personas a menudo se detienen y comienzan de nuevo en una situación de interpretación si cometen un error porque eso es lo que practicaron, en lugar de cometer el error, tocarlo y terminar la pieza, lo cual es preferible.

También soy un matemático que toca la guitarra. Empecé a jugar en serio tarde en la vida. He sentido lo que tú sientes, y luego algo más. Hay un librito que cambió toda mi actitud hacia la guitarra, la música y la vida en general: "Zen Guitar", de Philip Toshio Sudo. Quizás encuentres en él el camino a la respuesta que buscas.

Mi recomendación es ponerle música y bailarla, pero de una forma muy particular.

Primero, concéntrese en los pies, intente que los pies respondan y muévase con los sonidos. Después de un par de minutos de esto, concentre su atención en las rodillas. En tercer lugar, las caderas. Cuarto el pecho y los hombros. Quinto los codos, sexto las manos y los dedos, por último la cabeza.

Tal vez esto suene tonto, pero aquí está la teoría detrás de esto.

1) Los sonidos y la música tienen elementos que sugieren movimiento y objetos en movimiento. Pero los objetos en movimiento difieren en masa y cantidad de movimiento, por lo que diferentes sonidos sugerirán diferentes objetos en movimiento. Al aislar las partes del cuerpo, naturalmente tenderá a hacer coincidir los diferentes instrumentos cuyos "gestos musicales" se ajustan mejor a los tipos de movimientos posibles para la parte del cuerpo representada.

2) El movimiento y la emoción están íntimamente ligados. Al dedicar tiempo a crear conciencia sobre los movimientos sugeridos por las líneas y partes musicales, estará un paso más cerca de escuchar la emoción sugerida por esas partes, y estará creando un repertorio de sentimientos físicos del cual extraer.

Por ejemplo, acunar y mecer a un bebé es un movimiento particular y tiene una cierta connotación de emoción, calidez y comodidad. Contraste eso con la contundencia angular en la melodía de, digamos, Ride of the Valkyries.

Hice este ejercicio de baile semanalmente en una clase durante un par de meses y tuvo una gran influencia positiva para mí, especialmente porque no era alguien que mostrara muchas emociones en general, y no estaba tan bien conectado con mi propio cuerpo. No recuerdo el nombre del profesor o si este método tenía un nombre. Fue hace bastante tiempo. Ciertamente, uno podría hacerlo en la privacidad de su hogar y seguir siendo útil.

Si no estás conectado emocionalmente con la música, la forma de proceder no es poner sentimiento en la música, sino poner música en la música.

Hay frases que piden una intensivación por culminar en algún tono o resolución armónica. Tal intensidad es una cuestión de desarrollos sutiles en velocidad, articulación, fraseo.

Tienes un enfoque analítico, así que grábate y escucha la grabación. ¿En qué crees que se beneficiaría la música al darle algo más de alguna propiedad?

Por supuesto, hay diferentes estilos musicales que se prestan de manera diferente a ese enfoque. El hard rock, el trash metal y el punk tienen una falta de expresividad inherente del artista bastante mayor que la música barroca.

Entonces, si no puede encontrar música "eso es usted", puede tener sentido concentrarse en encontrar música "eso es".

Tocar esa música puede no ser tan emotivo como satisfactorio .

Improvisar en un nivel en el que no está tocando notas al azar en una distribución adecuada para igualar la escala no es una habilidad de bajo nivel o de aprendizaje de memoria. La educación musical clásica completa salta ese ángulo, y es particularmente difícil de sistematizar de una manera en la que pueda usar el mismo material didáctico para un gran grupo de estudiantes.

Si ahí es donde quieres ir, no te las arreglarás fácilmente sin un trabajo individual con un profesor especializado en ello.

Ya estás un paso por delante y no te das cuenta. Ya sabes lo que suena bien y por qué suena bien, ahora solo necesitas aplicarlo. Mi recomendación es que tomes algo de música que sea solo melodía y acordes y te obligues a descubrir cómo tocarla. Te obliga a pensar en jugar con el sentimiento. Puedes inspirarte en otras canciones que conoces, pero, en última instancia, solo eres tú.

Empecé a tocar la guitarra hace unos años.

Entonces, básicamente todavía eres un principiante en la música. Has aprendido un poco y te has ganado el derecho de hacer un balance y preguntarte "¿qué estoy sacando de esto?".

Estoy seguro de que tiene mucho placer intelectual al aprender lo que tiene hasta ahora, pero parece que ha notado que no está obteniendo placer "musical" de las actividades exactas que está haciendo.

En primer lugar, solo para jugar al abogado del diablo, no te obligues a continuar en la música a menos que puedas encontrar algo que sea divertido. Prefiero comer la comida a cocinarla. Tal vez prefieras escuchar música a tocarla. No hay problema en eso en absoluto.

Si tiene la vaga sensación de que quiere continuar, pero no está seguro de con qué, tal vez eso signifique que debería hacer algunas actividades diferentes, en lugar de las que está haciendo ahora. Ciertamente, rara vez he disfrutado tocando música de una partitura: tan pronto como se me ocurrió la idea, dejé de hacerlo, comencé a escribir mi propia música y prácticamente nunca volví a mirar una partitura. Eso no quiere decir que debas hacer lo mismo, pero tienes que ser honesto acerca de lo que te gusta.

Sólo para recoger algunas cosas al azar...

Soy un perfeccionista; un pequeño error significa normalmente empezar de nuevo.

Para robar una analogía de programación, deberías poder jugar tanto en el modo de 'depuración' como en el de 'liberación'. en el modo de 'depuración', cuando comete un error, seguro: retroceda, averigüe por qué cometió el error, disminuya la velocidad, practique ese poco varias veces. Pero también debe poder 'enviarlo' (modo de lanzamiento) y realizarlo; eso significa que debe manejar esas excepciones y continuar.

Y el mejor ejemplo es que cuando trato de tocar en una pista de acompañamiento destinada a la improvisación, termino eligiendo notas al azar en lugar de sentir algo de lo que estoy tocando.

Entonces, te diste cuenta de que elegir notas al azar de una escala no funciona realmente como una forma de hacer música atractiva. ¿Por qué no empiezas a mirar algunas canciones que te gustan y descubres qué es lo que realmente las hace vibrar musicalmente? Si las lecciones que aprende allí son demasiado difíciles de poner en práctica en tiempo real (improvisación), disminuya la velocidad y haga algo de composición.

Esto también se ve reforzado por el hecho de que necesito algo de práctica para sentir el ritmo (por ejemplo, mientras toco en una pista de acompañamiento) y los grandes problemas para transmitirlo (por ejemplo, si toco estilo con los dedos, mis acentos suelen ser una comodidad para los dedos en lugar de hacerlo). algo que transmite un ritmo).

Es difícil para mí dar un consejo sobre eso: ¡mis habilidades para "sentirlo" siempre han estado por delante de la capacidad de mis dedos para colocarlo! Creo que hay algunos buenos consejos en otras respuestas aquí (me gusta ' bailar ') y otras preguntas en el sitio.

En muchos estilos, el ritmo es realmente clave. Si sientes que has descuidado tus habilidades rítmicas, ¿por qué no dejas la guitarra y aprendes batería durante un par de años?

Básicamente logré transformar tocar de un arte a una rutina matemática, donde cada nota es un número en una ecuación.

No hay nada de malo en eso. Muchos músicos y otros creativos sistematizan fuertemente su creatividad. La cosa es seguir siempre ampliando tus ecuaciones, para que puedas seguir creando cosas nuevas. Además, prepárate para desaprender cosas si no te dan los resultados que buscas. Por ejemplo, parece que de alguna manera se te ocurrió la idea de que lo más importante al tocar es permanecer en una determinada escala. ¿Has encontrado que no da buenos resultados? ¡Bueno! Ahora puedes dejar esa idea a un lado.

Paul, leí todas las respuestas y creo que podría hablar algo diferente. Sugiero lo mismo que JOMKI, en cuanto al consejo de canto. Realmente necesitas cantar para entender e incorporar el tono relativo. Tienes que cantar en voz alta y en tu cabeza todo el día. En primer lugar, desea centrarse en las escalas mayores y la escala menor. Y deberías cantar las melodías de las canciones que estás tocando en el instrumento. Pero eso es realmente no es suficiente. Necesitas estudiar progresiones armónicas básicas y cantar e incorporar los sonidos en la escala. Entonces necesitas tocar tus propias pequeñas canciones. No tienen que durar 3 min. Simplemente juegue con algunas progresiones (tal vez comience con I-IV-VII-III7_VI_II-V o II-VI) y cante diferentes melodías con las mismas progresiones. Siente cada nota que estás tocando. Ve despacio pero consciente. Luego comience a hacer armonías más avanzadas como dominantes secundarias y, finalmente, lo que realmente le dará una gran biblioteca de sentimientos es el intercambio modal. Y eso también te ayudará a incorporar más otras cosas más básicas también. Simplemente cante todo esto mientras toca los acordes en su instrumento. Incorpora el tono de cada sentimiento, cada acorde, cada tono de acorde. Identifícalos al escucharlos, y escúchalos en tu cabeza antes de tocarlos.

No uses instrumentos convencionales como la guitarra y el piano a menos que quieras torturarte con la aburrida pedagogía de la música de iglesia del siglo XII o disfrutar memorizando mnemotecnias ridículas como 'todas las vacas comen hierba'.

Use un sintetizador, mucho más matemático, incluso puede ingresar a las matemáticas detrás del procesamiento de señales digitales. Hay muchos sintetizadores de software libre como este http://tytel.org/helm/ . Dijiste que eres programador, tal vez puedas escribir tus propios dispositivos de software que produzcan sonidos nuevos y divertidos.

De nuevo, tira esa guitarra.