¿Cuál es una buena manera de elegir las sílabas para un arreglo acapella?

En mi grupo a capella en la universidad, hice algunos arreglos y escogí " vocables ", como los llamábamos, era un detalle que frecuentemente pasaba por alto (para mí). Creo que en su mayoría tratamos de imitar los instrumentos que se estaban arreglando, por ejemplo, la guitarra distorsionada podría ser "wah" o "arco", el bajo con frecuencia era "dum", etc.

Sin embargo, en retrospectiva, esas sílabas rara vez sonarían cohesivas o bien juntas y, a veces, podrían contribuir a que el tono se perciba de manera diferente ("ee" puede sonar más alto que "uh", incluso si son la misma nota debido al diferente equilibrio de sobretonos).

Debido a este desafío, algunas otras ideas sobre qué hacer podrían ser usar palabras que todos cantaron juntos o todos en una sílaba. Éstos combinan bien, pero las palabras pueden distraer al cantante principal, así que sepárelos (una palabra cada nota entera o media nota). Todo cantar "ah" u otra vocal pura suena muy coral y bonito, pero ese puede o no ser el efecto que buscas.

Mi mayor consejo sería escuchar arreglos profesionales (tal vez King's Singers o Swingle Singers) o grabaciones universitarias de muy alta calidad (como las de los álbumes de BOCA o CASA ) para obtener ideas y escuchar lo que suena mejor para tu oído.

No tengo experiencia con ese tipo de composición, pero cada sílaba tiene hasta dos partes: la vocal y la consonante. En general, cuanto más abierta sea la vocal y más percusiva la consonante, más fuerte será el efecto, por ejemplo, mu mu mu mu será mucho menos dramático que da da da. Las consonantes sonoras también se notarán más que sus contrapartes sordas, por ejemplo, ka ka ka es más suave que ga ga ga.

Supongo que su pregunta es sobre la organización de las partes de la voz principal. Si no sabe ni por dónde empezar, le sugiero un enfoque homofónico de armonía de 4 partes de la manera clásica. Se han escrito volúmenes completos sobre este tema solamente, pero un enfoque básico simple no es tan difícil si conoce los acordes y escalas básicos.

• La armonía de 4 partes asume 4 voces con rangos de soprano, alto, tenor y bajo (consulte, por ejemplo, wikipedia para obtener una definición de estos rangos). Por lo general, el registro más alto, Soprano, toma la melodía principal.
• Homofónico significa que las diferentes voces se mueven con el mismo ritmo de la melodía principal, por lo que para cada nota de la melodía principal, cada una de las otras 3 voces tendrá su propia nota.

Para cada nota de la melodía:

1 - Dar la nota fundamental del acorde al bajo.

2 - Asigne notas a las dos voces restantes de la siguiente manera, dependiendo de cuál sea la nota principal de la melodía:

• Si es la raíz del acorde, distribuya las notas restantes del acorde (asumiendo que es una tríada diatónica) por las dos voces restantes.
• Si no es la fundamental, pero es parte del acorde, doblar la fundamental en una de las voces restantes y dar la nota restante del acorde a la voz restante.
• Si no es parte del acorde (lo que se llama un Tono No Acorde, o NCT) simplemente distribuya las notas restantes del acorde (aparte de la raíz) por las dos voces restantes.

Si el acorde es un tetracordio (normalmente en la armonía clásica, un acorde de séptima) y la nota adicional (normalmente una séptima por encima de la raíz del acorde) no es la nota principal de la melodía, descarte el quinto grado ("nota 3") del acorde y inserte la nota adicional de séptimo grado en su lugar.

En el proceso anterior se debe buscar la conducción de voces, es decir, la asignación de notas a las diferentes voces es tal que cada voz tenga un mínimo movimiento (a veces remanente en la misma nota) entre pasos de la melodía.

Ahora bien, estos simples principios son la punta del iceberg, no superarán todas las posibles situaciones de armonización que pueda encontrar y no lo llevarán muy lejos en términos de variedad y creatividad. Pero pueden ser suficientes para comenzar y lograr algunos resultados interesantes por tu cuenta (lo que tus compañeros de banda puedan pensar al respecto, eso es otra cuestión :-)

Personalmente, suscribo la teoría de que los sonidos de las vocales existen en un espectro. Intenta cerrar la boca y hacerla lo más ancha posible, luego di/canta:

"mmmmuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuu"

Es posible que desee ir a un lugar donde nadie pueda escucharlo antes de hacer esto. Pero es posible que hayas notado que se siente como si estuvieras yendo y viniendo a lo largo de un espectro, desde los sonidos "muu" amplios y profundos hasta los sonidos "iiiiii" apretados y angostos, y de nuevo hacia abajo. Esto se debe a que el espectro de las vocales está cambiando sus cavidades resonantes para cambiar el volumen de los sobretonos (también conocidos como parciales, armónicos) en relación con la frecuencia fundamental de su voz.

Los mismos armónicos están presentes en las voces de todos, pero su volumen relativo es lo que permite diferenciar las vocales y viceversa. El sonido profundo "u" o "ooo" tiene parciales altos más silenciosos en comparación con un sonido más nasal "ah" o "eeeee", que tiene un contenido de alta frecuencia más fuerte. Pero basta de teoría acústica y fonética; ¿Cómo se usan las sílabas de fondo?

Cuando arreglo, en lo que respecta a las vocales, me gusta usar las sílabas más profundas (como "ooh", "oh" o "tarareando" también) para los momentos en los que las voces de fondo deberían estar en el fondo y cuando las voces de fondo necesitan para saltar momentáneamente al primer plano del arreglo, ese es el momento de elegir los brillantes y enérgicos "oh", "whoa", "ah" y otras sílabas. Si usa sílabas enérgicas durante un momento en el que las voces de fondo no se destacan, corre el riesgo de pisar los dedos de los pies del solista y enturbiar el sonido. Si usa sílabas relajadas cuando las partes de fondo están haciendo algo interesante, su arreglo puede parecer un poco más tenue de lo que desea.

Las consonantes también son importantes. "Wa" y "doot" se sienten muy diferentes a "bap" o "hoo". Hay muchas consonantes diferentes que se pueden usar para cantar partes de fondo, y tendrás que jugar y ver cuál te resulta más cómoda y cuál suena mejor. ¡Y no tengas miedo de darle al bajista sílabas diferentes a las del resto del grupo! De hecho, es posible que prefieran inventar sus propias sílabas, por lo que pueden saber mejor que usted qué necesita la canción en las sílabas de su parte.

A menudo, su elección de sílaba de fondo estará limitada por la letra de la canción. Si el solista sostiene una vocal en particular, es posible que desee hacer coincidir eso en sus partes de fondo. Como le dirá cualquier director de coro, la combinación de vocales es realmente importante, así que preste atención a cómo interactúan las partes de fondo y las letras regulares. Y oye, nada de esto importa cuando tus partes de fondo tienen sus propias letras específicas, como hacer eco del solista, obviamente. Si aún no lo hace, intente hacer que las partes de fondo canten algunas palabras reales de vez en cuando para que les interese. Es una excelente manera de poner el fondo en primer plano, y también hace que los cantantes de fondo estén más felices y más involucrados en la pieza. ¿Quién quiere pasar dos minutos y medio diciendo "doo"?

Si aún no lo has visto, te recomiendo que le des una oportunidad a este video de Deke Sharon. Ha hecho muchos arreglos acapella realmente importantes, y su video me resultó útil cuando me hacía la misma pregunta que tú.