Ayuda para un fotógrafo: ¿cómo hacer frente a la paradoja de la elección?

No hay una sola manera.

Personalmente, creo que lo digital me libera para aplazar las elecciones hasta después de la toma. No solo eso, sino que puedo "descubrir" nuevas interpretaciones de una escena con diferentes cultivos, diferentes tonos, colores y contrastes.

Así que te sugiero que lo que tienes que hacer es cambiar tu perspectiva. Mucha gente se resiste al posprocesamiento como si fuera una molestia molesta. Le recomiendo enfáticamente que adopte la nueva libertad y la considere como algo que le brinda un alcance más creativo.

Míralo como parte del proceso de obtener la imagen que deseas.

También le recomiendo que invierta tiempo en experimentar con las muchas herramientas disponibles. No es necesario que te conviertas en un experto, pero debes ser consciente de lo que es posible.

Todo el mundo es diferente y YMMV, pero me preguntaste, así que te lo diré: fotografío RAW y trabajo a partir de los archivos RAW. Cuando fotografío RAW, no utilizo el balance de blancos automático en absoluto y, en general, corrijo el balance de blancos y de color de varias maneras (existen muchas técnicas). Desde RAW tienes la mayor libertad digital: es, en cierto sentido, como trabajar desde el negativo sin revelar hasta el final.

Con un poco de perseverancia, desarrollarás tus propias técnicas básicas.

Ayuda si hace al menos un intento básico de calibrar la pantalla de su computadora. Pruebe este sitio web.

También llegué a lo digital desde el cine. Personalmente, disparo solo en RAW, cuando postproceso me esfuerzo por lograr colores realistas y una representación fiel de la escena tal como la recuerdo.

Mi opinión es que en algún momento las técnicas de postprocesado van más allá de la fotografía y están en el ámbito del arte gráfico. ¿Dónde cruza esa línea la licencia artística? No sé. Pero si veo una foto y lo primero que pienso es: ¿son esos colores reales? ¿Es esta una grabación real de la escena? Eso no se ve bien, entonces la credibilidad está en duda en mi opinión. SÉ que la mayoría de los fotógrafos no están de acuerdo conmigo en esto y no necesito ni quiero discutir mi punto con ellos. ( la diatriba tangencial, aunque pertinente a la pregunta del OP, ha terminado )

Así que mi consejo, ( tómelo por lo que vale ) tome el control total de sus imágenes y no permita que el software de la cámara edite sus imágenes o descarte datos usando JPG.

Dispara en RAW, elige el balance de blancos que sea apropiado para la fuente de luz en la que estás disparando (estás en RAW, por lo que puedes ajustarlo en la publicación si lo deseas).

Calibre su equipo lo más cerca posible de la vida real, use el espacio de color, la gama y la paleta más amplios.

Publique el proceso según sus gustos y objetivos individuales.

Toma cualquier licencia artística que desees. Es TU fotografía.

Probablemente depende de lo que pretendas hacer con las fotos. Tus preocupaciones serán diferentes si estás fotografiando profesionalmente para una publicación impresa en lugar de tomar fotos familiares sinceras. Solía ​​disparar en bruto todo el tiempo, en caso de que quisiera jugar con el balance de blancos más tarde. Pero después de hacer esto solo con un puñado de imágenes durante varios años, y ver cuánto espacio en el disco ocupaban mis archivos sin formato, abandoné el formato sin procesar y comencé a confiar en la cámara. La cámara suele hacer un buen trabajo. Y cuando no, porque la mayoría de mis fotos son personales, no me importa tanto lograr la perfección técnica. A veces vuelvo a cambiar a RAW para fotos particularmente "importantes", pero solo en raras ocasiones.

Simplemente elija una opción al azar.

Si no ve ninguna razón por la que una elección sea superior a otra, no hay razón para dejar que la parálisis de la decisión y el mito de "la elección correcta" le cojeen. Elige el look que quieras, cualquier look, y luego comienza a seleccionar sistemáticamente algunas de tus infinitas herramientas y haz ejercicio para lograr ese look hasta que sientas que puedes lograrlo razonablemente bien. Tenga en cuenta qué proceso le da el mejor resultado. Luego elige otro look, enjuaga, repite.

Con el tiempo, puede desarrollar un "estilo" estrecho y crear una cadena de herramientas para usted mismo que le dé su aspecto característico sin mucho esfuerzo. O puede descubrir que es un buen experimentador, dando a cada nuevo proyecto una sensación única. O resulta estar en algún lugar en el medio. En cualquier caso, lo que sea que aprendas mientras aprendes a crear el primer look, te hará mejorar al hacer el segundo. Y el primero y el segundo te ayudarán a probar el tercero. Etcétera.

La decisión de confiar o no en los ajustes preestablecidos no es realmente importante. Se resuelve solo en el proceso de descubrir cómo llegar al aspecto que busca en el proyecto actual. ¡Y no dejes que otros te digan que estás haciendo algo mal si estás usando el WB de la cámara o algo similar! La mayoría de los fotógrafos ambiciosos terminan haciendo la mayor parte de esas cosas manualmente, pero solo porque descubren que tener el control adicional hace que sea más fácil lograr lo que buscan. Una vez que tenga un objetivo hacia el que está trabajando, encontrará por sí mismo dónde necesita o desea el control adicional y dónde es suficiente un ajuste preestablecido.

Las limitaciones de la película pueden haberte ayudado a concentrarte, porque cada cuadro "contaba" más. Pero no necesita restricciones externas para enfocar, una vez que sepa cómo funciona el enfoque. La ventaja del entorno digital sin restricciones es que es seguro fallar: tienes tantos intentos como necesites para lograr buenos resultados (y no olvides no dejar que lo perfecto sea enemigo de lo bueno). Estos son los mejores requisitos previos para aprender: sal, úsalos y dispara.

Encuentro útil editar imágenes como secuencias, en lugar de individualmente. Si salgo a caminar o hago un viaje, trataré de encontrar un estilo que funcione bien con todas las imágenes e intentaré combinar las imágenes. Esto es muy fácil cuando tienes imágenes del mismo entorno y condiciones de iluminación. El beneficio de este enfoque es que limitará severamente sus opciones, ya que necesitará encontrar un estilo más moderado que funcione con muchas imágenes. Aquí está mi flujo de trabajo:

1. Busco el balance de blancos para una imagen y lo aplico a todas las imágenes de la secuencia.
2. Ajuste el viñeteado en cada imagen individual (esto es útil si recorta más tarde).
3. Corrijo la exposición de cada imagen individual; comenzando con la exposición (brillo), luego los blancos y negros (generalmente) para completar el histograma, y ​​luego adapto el contraste a la imagen específica. Me aseguro de que haya continuidad entre las imágenes.
4. Compro un ajuste preestablecido de estilo que funcione con toda la secuencia, lo que suele ser bastante fácil porque la mayoría arruina algunas imágenes.
5. Reviso las imágenes una por una y tomo nota de las imágenes que sobresalen y por qué; y luego hago pequeños ajustes en el balance de blancos y la exposición.

Este flujo de trabajo simplificó significativamente la corrección del color para mí, ya que ya no busco la perfección.

También me resultó útil crear un perfil de cámara de Adobe con el editor de perfiles DNG de Adobe para cada combinación de cámara y lente usando una tarjeta de color (de esta tienda de eBay) , para no tener que preocuparme por las diferencias de color entre cámaras y lentes. Prefiero usar los ajustes preestablecidos de VSCO específicos de la cámara que vienen con los perfiles de la cámara, que encontré que dieron malos resultados.

Por último, puede intentar crear sus propios ajustes preestablecidos de estilo con las curvas en Adobe en lugar de optar siempre por la emulación de película con VSCO. Eso a menudo producirá mejores resultados que cualquier ajuste preestablecido.

Si está satisfecho con los colores que parecen naturales, o simplemente está tomando un montón de fotos espontáneas y no quiere tener un dolor de cabeza... Use una tarjeta de balance de blancos.

Creo que esta descripción de cómo hacerlo se aplica a su cámara:

Si lee el manual de Leica MD Type 262, no hay discusión sobre cómo usar el balance de blancos y no hay ningún botón o elemento de menú para el balance de blancos. Entonces, ¿cómo se usaría una tarjeta de balance de blancos con este tipo de cámara? ¡La respuesta es fácil! Simplemente exponga la tarjeta de balance de blancos en un marco, tal como lo haría con un M Type 240. Cuando descargue todas sus imágenes a su computadora y las edite, puede usar el cuentagotas de balance de blancos en Adobe Lightroom y seleccionar el blanco. saldo de la tarjeta en ese tiro. La temperatura se ajustará a lo que vio en la escena real. Luego, simplemente cópielo o sincronice las fotos para usar la misma temperatura para las otras imágenes. ¡Voila! ¡El balance de blancos se establece usando una cámara digital manual!

¿Confías exclusivamente en los ajustes de balance de blancos preestablecidos?

Todo lo contrario. Con los archivos RAW/DNG, no decide eso en el momento de la exposición, por lo que la configuración es irrelevante excepto por la vista previa y su histograma.

Disparo un paño gris en contexto si puedo, luego, en la computadora después de copiar los archivos, uso ese disparo para establecer el WB en todos ellos. Si no tengo un disparo de calibración, es posible que encuentre suficientes objetos neutrales en un disparo u otro; una vez que los encuentre, lleve la configuración a todas las exposiciones.

Solo usaré el balance de blancos de la cámara en "automático" o "personalizado". Este último es para videos serios, que no son RAW, por lo que obtengo una lectura antes de tiempo.

¿Haces cosas locas de calibración de color para que puedas comenzar con una imagen perfectamente neutral y avanzar desde allí creativamente?

Si, eso. Para sujetos normalmente iluminados. Para la iluminación extraña o mala, me preocuparé por los tonos de piel y los colores reconocibles. A menos que desee que el estacionamiento se vea como la iluminación de sodio... en realidad, en la vida real aguanta más de eso que en una imagen, por lo que una impresión adecuadamente evocadora podría estar a medio camino entre el tono de piel restaurado y el aspecto ceroso de la baja. -Lámparas CRI.

Tenga en cuenta que "preciso" es simplemente una sensación de color posible. Pero debe comenzar con eso antes de aplicar un filtro para crear alguna otra sensación, si desea resultados consistentes.

Esta es una respuesta general, para cámaras que hacen raw + jpeg, ya que la pregunta no parece ser específicamente sobre Leica MD. Me dirijo a las cámaras sin procesar al final.

Use los jpegs integrados de su cámara, directamente fuera de la cámara, con la configuración predeterminada. Esto elimina por completo la "paradoja de la elección". Cuando evalúe esta opción, dispare en raw+jpeg, pero archive los archivos raw y use solo los archivos jpeg. Haz esto hasta que tengas una buena idea de los resultados. ¿Te gustan? Si es así, el problema está resuelto. De lo contrario, comience a investigar otros "aspectos", ya sea ajustando la configuración de la cámara para el contraste, la saturación, etc. (probablemente un buen primer paso), o buscando un equivalente basado en computadora (un ajuste preestablecido en Lightroom o similar). Cuando encuentre un "aspecto" que le guste, regrese y procese todos sus archivos RAW. Como paso opcional, considere disparar solo en jpeg. Este flujo de trabajo descrito hasta ahora se aplica a la mayoría de las cámaras de Nikon, Canon, Sony, Fuji, etc.

Puede ser de interés para otros saber que las cámaras FujiFilm vienen con configuraciones jpeg que tienen como objetivo emular de cerca varias de sus películas.

Si tiene una cámara solo sin procesar, omita los jpegs en la cámara y vaya directamente a buscar un "aspecto" en Lightroom o similar. Una vez que haya decidido esto, aplíquelo a todos sus archivos sin procesar. Si desea que sea "autoritario", elimine los archivos sin formato y conserve solo los jpegs.