¿Qué es el muro de sonido en muchos discos pop de principios de los 60?

Se ha citado a Phil Spector diciendo que el pináculo de esta técnica se escucha en su producción de "River Deep Mountain High", de Tina Turner:

Cuando escuches eso, nota cómo hay tantos instrumentos tocando. Hay una parte de bajo que probablemente sea interpretada por tres bajistas, una parte de guitarra que nuevamente podrían ser tres guitarristas, una sección de cuerdas, una sección de metales, suena como dos capas de coros (una capa como "ooohs" y otro que está armonizando con Tina), y tres tipos de percusión - al menos un kit de batería, congas y percusión auxiliar (por ejemplo, maracas, etc.). Ah, y hay algún tipo de campanas o vibráfono/marimba, y probablemente uno o tres pianos se pierden en la mezcla.

Además, hay una cantidad decente de reverberación en todo.

Como se señaló en los comentarios, no solo se tocan muchas partes a la vez, sino que también cada parte se toca de manera idéntica por más de un instrumento en perfecta sincronización y unísono. En algunos casos (múltiples bajos), eso espesa el sonido, y en otros casos (digamos, un piano y una marimba tocando al mismo tiempo) crea la ilusión de un nuevo tipo de instrumento que combina las cualidades de los instrumentos que tocan el parte.

Una cosa que fue revolucionaria sobre el concepto es que no importaba si algunos instrumentos se perdían en la mezcla, ese era en parte el punto. Estaba tratando de crear una especie de sonido orquestal pop, donde los jugadores individuales no eran tan importantes como la imagen sonora completa.

En términos de cómo lo logró, gran parte fue orquestación, pero probablemente la mayor parte del trabajo duro caería en la categoría de lo que hace un productor que nadie más hace. No había la tecnología para grabar y mezclar más de 20 instrumentos por separado en ese momento, pero eso no le parecía una labilidad a Spector. Conseguir el sonido en la sala era parte de cómo se producían los discos, por lo que primero trabajó para conseguir un sonido en la sala que fuera diferente al de otros productores.

Como se mencionó anteriormente, metió una tonelada de músicos en una habitación y orquestó las partes para superponerlas y duplicarlas. Luego trabajó con los músicos durante horas antes incluso de grabar, para obtener la interpretación y la mezcla en la sala que deseaba. Al mismo tiempo, habría aspectos de la ubicación de los músicos, la ubicación del micrófono y las notas de interpretación que influirían en lo que escucharía cada micrófono. Todos los sonidos estarían rebotando en las paredes y mezclándose en la habitación y luego ingresando a diferentes micrófonos. Obviamente, el micrófono más cercano a un músico captaba principalmente a ese músico, pero también captaba un poco de todo lo demás, y ese músico aparecía un poco en todos los demás micrófonos.

Una vez que el sonido en la habitación era el que él quería, volvía a la cabina de mezclas y mezclaba los diferentes sonidos en los diferentes micrófonos de la manera que creaba los efectos y sonidos que estaba tratando de capturar. Estos dos componentes de crear el sonido de la sala y luego crear el sonido mezclado y grabado son realmente el corazón del trabajo de producción musical (asistido por un ingeniero, que a veces son ellos mismos la mitad de los productores).

Con el tiempo, pudo hacer que los mismos artistas de sesión se sentaran en el mismo lugar con los mismos micrófonos y predijeran y crearan con mayor precisión y rapidez el sonido que él quería. Por lo tanto, The Wrecking Crew, también conocido como "Orquesta Wall Of Sound de Phil Spector".

Phil Spector es definitivamente el primer arreglista que viene a la mente con 'pared de sonido'. Sin embargo, puede ser que el jazz de finales de los años 50 de John Coltrane fuera el origen del término, como sugiere esta búsqueda en Google Books https://books.google.com/books?id=kfFgNABSuuUC&pg=PA176&lpg=PA176&dq=coltrane+wall+of+sound&source =bl&ots=4LHD0u-q4d&sig=odxCu4N8iQ_JWPfh-XW6QmpVWKc&hl=en&sa=X&ved=0ahUKEwjWjaLV25zbAhXH7YMKHU6gC78Q6AEIcDAM#v=onepage&q=coltrane%20wall%20of%20sound&f=false

Citando de la página 176 del libro de Thomas Larson History and Tradition of Jazz :

Durante la estadía de Coltrane con (Miles) Davis desde diciembre de 1957 hasta mayo de 1960, se convirtió en una estrella. Inspirado por un despertar espiritual después de dejar su adicción a las drogas, se volvió aún más aventurero en sus solos. Comenzó a liberarse de los límites rítmicos de la música, creando un muro continuo de sonido que el crítico Ira Gitler llamó "hojas de sonido" en un ensayo de finales de 1958 en Down Beat .

La primera edición del libro de Larson se publicó en 2002. Independientemente, sugiere que el significado original y el uso de la pared de sonido pueden haber comenzado con el jazz de Coltrane y la asociación con la orquestación de Spector como una pared de sonido fue imitativa.