¿Por qué los profesores de piano no enseñan el método de acordes a niños pequeños y adultos?

Al igual que hay guitarra pop, rock, folk, jazz, metal, etc., hay muchas disciplinas diferentes para tocar el piano, cada una con un conjunto diferente de habilidades requeridas:

• piano clasico
• piano pop
• piano jazz

Los considero materias separadas, y en las escuelas de música suele haber una separación entre al menos música clásica y pop/rock/jazz. Además, puede pensar en tocar teclados de pop/rock/jazz como sintetizadores, etc. como una disciplina diferente. Muy a menudo veo a personas que compran teclados de plástico para el hogar estilo "Casio" y esperan tocar piezas de piano en ellos, aunque los teclados no suenan como pianos reales en absoluto.

En la tradición clásica, las piezas se escriben nota por nota y la notación de lectura es esencial. En el acompañamiento de canciones pop, realmente no importa qué notas toques, siempre y cuando apoyes la melodía y a otras personas. La gente podría incluso usar "partituras musicales" con solo letras y símbolos de acordes, y sin ninguna notación de pentagrama. Como esto:

   Eb   Eb7/G      Ab                 Eb   Bb
 O holy night, the stars are brightly shin-ing

Su pregunta podría parafrasearse como: "¿Por qué los profesores de piano clásico no enseñan el método de tocar los acordes?" Y la respuesta sería: porque ese método no se usa en la práctica del piano clásico. Se utiliza en piano pop. Si quieres aprender a tocar el piano pop, no selecciones el piano clásico como tu materia.

Una parte del problema es que, incluso hoy en día, es posible que las personas no sean conscientes de las diferencias entre las disciplinas. Ciertamente, hace 30 o 40 años, el piano pop no era una asignatura común en las escuelas de música. La música clásica era la norma, y ​​las pocas escuelas de pop/jazz eran entidades separadas. Por lo que recuerdo, prácticamente todos los pianistas o teclistas pop fueron en gran parte autodidactas, en lo que se refiere al acompañamiento pop. Muchos habían estudiado piano clásico , pero las habilidades necesarias en la música pop eran algo aparte que había que aprender en otro lugar, extraoficialmente, "debajo del mostrador" y en la práctica. Quizá había algo de acompañamiento pop, pero como extra opcional más adelante.

Pero hoy en día, las cosas son diferentes: se reconoce mejor la interpretación del piano pop y el enfoque clásico no se asume de forma predeterminada. He estado siguiendo los estudios de piano pop/jazz de un pariente joven, y todo se trata de acordes. Las partituras son solo melodías y símbolos de acordes, y no se preocupan en absoluto por cosas como la digitación de escalas . En su lugar, entre otras cosas, ¡han observado cómo funcionan los sintetizadores analógicos! Piensa en haber llegado a tu lección de piano y el profesor dice: "En la lección de hoy, tocaremos este sintetizador Moog".

Hoy, si busca lecciones de piano, un buen maestro o escuela debería preguntarle qué tipo de piano le interesa. Un maestro debe explicar las diferencias y, si es necesario, dirigir al posible estudiante a otro maestro.

Los profesores de piano habitualmente enseñan lectura de acordes, pero no los profesores con los que estudiaste, al parecer. Los profesores que se enfocan en el jazz y la música popular son los más probables, ya que las tablas de acordes (partituras) son más comunes en esos géneros.

Los profesores que se centran en la música clásica a menudo no han aprendido a leer las tablas de acordes, aunque esto está cambiando. Pero la tradición clásica se remonta a cientos de años, en un momento en que las lecciones estaban orientadas a convertirse en un músico (clásico) profesional, lo que significa que la notación estándar de lectura a primera vista era una habilidad absolutamente esencial. Esas formas de enseñar siguen siendo muy frecuentes.

La enseñanza del piano apenas ha comenzado a evolucionar seriamente alejándose de esas tradiciones anteriores en los últimos diez o veinte años. En el momento en que comenzaste a tocar el piano, te hubiera sido difícil encontrar un maestro que pudiera (o pudiera) enseñar acordes. Sin embargo, probablemente puedas encontrar a alguien ahora con relativa facilidad.

Abogado del diablo: ¿la mayoría de nosotros iría a un concierto de música clásica y disfrutaría de un pianista tocando una aproximación aproximada de, digamos, Moonlight Sonata , una fuga de Bach, etc.?

Algo dudoso: a los jazzistas entre nosotros les podría encantar, pero los puristas podrían abandonarlo.

La respuesta es: ¿para qué va uno a un profesor de piano?

Siempre fue el caso, digamos hasta hace 50 años, que íbamos a aprender a tocar correctamente , fuera de los puntos. De esa manera, podríamos encontrar partituras y tocarlas, si no inmediatamente como grandes lectores a primera vista, pero eventualmente. Y reproduzca esa música como se pretendía, así escrita.

Ahora, sin embargo, simplemente tocar los acordes correctos en el orden correcto (¡lo siento, Eric!) es suficiente para tocar en muchos lugares, tal vez no en el Carnegie Hall todavía.

Entonces, hay una gran diferencia entre una canción pop y la música clásica experimentada, y el jazz ha tenido mucho que ver con las diferencias a lo largo de su camino. Una versión de una canción pop parece aceptable cuando los acordes son los correctos, pero sus voces no son originales. Sin embargo, difícilmente funcionará para piezas barrocas , clásicas o románticas . ¿Quizás porque las canciones de tipo pop son más simplistas, quizás porque somos más amables con sus interpretaciones?

También está el hecho de que mucha música 'seria' para pianistas no está basada en acordes, a diferencia de la mayoría de la música pop, que sí lo está.

Podría argumentar que cualquier notación solo puede ser una aproximación de "cómo debería sonar realmente una pieza", pero reducir un arreglo completo a una secuencia de acordes es una reducción de datos bastante extrema: está viendo una forma muy abstracta de lo que realmente se está reproduciendo.

Antes de la llegada de la grabación (y la distribución de esas grabaciones), una hoja de acordes por sí sola le daría poca idea de cuántas piezas se suponía que debían sonar, especialmente si no tenía conocimiento previo del estilo de la pieza. Una de las razones por las que las lecciones de música tendían a centrarse en reproducir una partitura era que ser capaz de tocar con precisión a partir de la partitura era la única forma práctica de escuchar las piezas que querías escuchar de una manera que se acercaba a cómo realmente debían sonar. .

Yo diría que usar 'solo los acordes' como una forma de transmitir información sobre cómo tocar una pieza se volvió mucho más útil cuando las grabaciones estaban disponibles: los dos formatos se complementan extremadamente bien, ya que la hoja de acordes le da al no experto. player un atajo para decodificar la grabación de oído, mientras que la grabación ofrece una representación exacta de la cual la persona que desea hacer una versión de la canción puede extraer las características estilísticas que considere importantes.

Esta forma de trabajar ahora es aún más fácil con la disponibilidad generalizada de Internet y la enorme variedad de grabaciones a las que se puede acceder instantáneamente a un bajo costo.

Sin embargo, también vale la pena señalar que algunas piezas no se 'condensan' bien en una simple secuencia de acordes: hay casos en todos los géneros musicales en los que el movimiento de algunas de las voces individuales es importante para la forma en que se mueve la armonía. entero.

Me temo que también tendré que hacer de abogado del diablo.

Podría decirse que en realidad nunca aprendes a tocar una pieza desde su hoja principal (melodía + acordes). Aprendes la melodía, sí. Aprendes a armonizarlo, sí. Pero nunca aprendes con precisión cómo tocar el acompañamiento (¿fueron acordes de bloque de corcheas rectas, o se suponía que debía agregar síncopa?), Así que, a menos que toques de oído, estás leyendo la partitura completa o tienes el acompañamiento memorizado. , nunca puedes averiguar cómo se supone que suena realmente la mano izquierda solo desde la partitura principal (al menos si quieres imitar la grabación más famosa de la canción pop/jazz/rock/metal/etc.).

Como indican otras respuestas aquí, hay maestros que lo ayudarán a aprender de las hojas de plomo, pero mi argumento anterior es que es posible que nunca aprenda lo suficiente una pieza de su hoja de plomo.

Curiosamente, también hay piezas en las que simplemente aprender la melodía en cualquier clave podría ser suficiente, y se espera que puedas improvisar un acompañamiento, incluido el cambio de progresiones de acordes entre interpretaciones. Esas piezas suelen ser canciones populares, canciones infantiles, villancicos e incluso himnos nacionales. Sin embargo, vuelves a necesitar aprender la partitura completa si quieres tocar versiones específicas de esas piezas, como la versión de Vince Guaraldi de "O Christmas Tree". De todos modos, aprender los acordes de esas piezas no es la mejor manera de aprenderlas.

Irónicamente, necesitas aprender una cantidad sustancial de teoría musical solo para aprender a leer los acordes de las hojas principales lo suficientemente rápido. (Intenta leer Cm7♭5 - Fsus4 - DM7/F♯ - Gm9♭13!)

Aquí hay otra forma de ver el problema. Como dices, pudiste armar tu arreglo para "All of Me" en minutos. Y no fue difícil, ¿verdad?

Alguien sin experiencia musical y sin instrucción de piano probablemente no podría hacer esto, pero tú sí. Tengo el presentimiento de que esos antecedentes y esa instrucción fueron más útiles para ti de lo que les estás dando crédito.

Por otro lado, no debería tomar meses aprender una canción simple de una partitura. Me hace preguntarme qué tipo de "teoría" enseñaron sus maestros y qué consideraban "lectura a primera vista". Me parece que mucha de la música que toco, aunque últimamente toco casi exclusivamente los arreglos de otras personas en formato de partitura, ayuda mucho pensar en la música como "bajo + acordes + melodía". La mayoría de las veces no necesito descifrar los acordes escritos nota por nota; Puedo reconocer uno como un acorde que conozco (por ejemplo, si bemol mayor) en una inversión y sonorización que he visto muchas veces antes (aunque no podría nombrarlo en este momento, demasiadas décadas desde las clases de teoría) , y eso es lo que juego.

"Leer a primera vista" para mis maestros significaba que tomas música que nunca has visto o escuchado antes, la pones frente a ti y simplemente la tocas. Tal vez incluso en conjunto, por lo que no hay que detenerse para resolver nada o volver para corregir algo, solo tienes que ir y seguir.

Una cosa que puede intentar es buscar música que le gustaría tocar y que podría aprender rápidamente. Otra opción es, si vas a pasar meses aprendiendo algo, haz que valga la pena pasar meses aprendiendo. Incluso puedes hacer ambas cosas al mismo tiempo.

Sí, como en otros comentarios y respuestas, existe una distancia entre varios géneros y sus estilos de interpretación.

Un aspecto que está "más allá de los acordes", y relevante tanto para la música clásica como para el jazz, es la "sonorización" de los acordes, es decir, una selección de notas para expresar ese acorde, pero/y encajando suavemente (como en la "voz principal" y cosas por el estilo). ) con cerca. En la música clásica, donde las voces se escriben explícitamente (sin pretender especificar un acorde), de hecho, a menudo existe una ambigüedad considerable sobre qué "es el acorde". De manera similar en el jazz (sustantivo).

Y, luego, en el bop y otro tipo de jazz, ser capaz de tocar escalas con fluidez y cambiar de tono al hacerlo es una habilidad muy relevante. Entonces, sí, ¡saber tocar los dedos para poder hacerlo realmente importa! :)

Aún así, sí, las versiones muy simples de muchas canciones pop y tradicionales son reconocibles, aceptables y divertidas sin nada de eso. Aún así, el sonido que muchas personas tienen en sus oídos para los villancicos navideños, por ejemplo, implica algunas elecciones modestas pero definidas de voces en un acompañamiento de la mano izquierda... como redescubro cada año, leyendo de una partitura simplista. para tales villancicos, y a menudo adivinando correctamente una sonorización/armonización algo más sutil que la más simple posible.

Me ha parecido una revelación aprender la forma de acordes e improvisación de aprender una canción.

La improvisación es la palabra crítica.

Creo que lo que quieres decir es aprender a improvisar patrones rítmicos que se ajusten a las progresiones de acordes.

¿Por qué los profesores de piano no enseñan eso?

Porque la mayoría de ellos preparan a los estudiantes para recitales de piano en los que se les juzga por alguna noción de interpretación "perfecta". O al menos esa es la mentalidad. Pretendes estar en el camino del concertista de piano.

A menudo, eso se considera erróneamente como un estilo "clásico". Pero, históricamente eso está mal. Músicos improvisaron en épocas musicales pasadas. Decorar líneas melódicas sencillas con adornos, improvisar preludios, rellenar la mano derecha de bajo figurado, fueron algunas de las formas en que improvisaron. Improvisar una melodía sobre un bajo dado fue una gran parte de ello. Eso es análogo a las hojas principales de melodía de hoy en día etiquetadas con símbolos de acordes. Se improvisa embelleciendo una estructura musical tosca.

La gente habla de él como un "arte perdido" en el mundo clásico, pero hay mucha investigación reciente e interés en el tema, por lo que se está reviviendo. "Partimento" es uno de los temas a buscar. Probablemente no ayude mucho con el aprendizaje de canciones pop, pero aún puede resultarle interesante. Incluso podría arrojar algo de luz sobre la música que aprendiste en todas esas lecciones.

Después de volver a leer el OP, realmente creo que la confusión aquí es sobre el acompañamiento y las texturas musicales en varios géneros musicales.

busqué los acordes de mi canción preferida e improvisé también y toqué toda la canción de John Legend 'All of Me' en cuestión de minutos. ¿Por qué los profesores tienen que centrarse en la lectura a primera vista y la teoría musical?

Lo que improvisaste fue tu acompañamiento a una melodía.

Puedes hacer eso con música que fue escrita con eso en mente. Hablamos de textura homofónica : melodía, con parte de bajo o símbolos de acordes, y acompañamiento basado en acordes como relleno.

Una partitura principal de jazz/pop es tal cosa.

Una sonata en trío barroco con bajo figurado también es algo así.

Fur Elise de Beethoven no es tal cosa.

Los Tres Preludios de Gershwin no es tal cosa.

Generalmente, la música de piano solo no es tal cosa, porque no hay un acompañante. Y para ser claros, hacer algo como tocar un solo de piano a partir de una partitura principal no es tocar una obra escrita como música para piano solo, es esencialmente un arreglo de piano sobre la marcha de una canción, una obra para un vocalista y un acompañamiento de banda.

La música contrapuntística (textura polifónica) no es categóricamente el tipo de música del que estamos hablando. Las fugas de Bach no son del tipo.

Este no es un problema de música clásica versus música pop. Es una cuestión de géneros musicales con acompañamiento versus sin acompañamiento.

Si tomaste lecciones de piano y trabajaste en la realización del bajo cifrado o el acompañamiento de baile, cosas así, estoy seguro de que habrías tenido mucho trabajo improvisando acompañamiento.

Otra visión de este tema es que cuando aprendes música clásica o partituras pop de un pianista adecuado, quieres verlo como capas de significado. No soy muy bueno, pero he aprendido canciones como una secuencia de notas. A menos que dejara que mis manos hicieran lo que les había enseñado, me equivoqué y tuve que apagar mi cerebro nuevamente para averiguar la forma correcta de tocarlo. Esto se debe a que no vi la música como capas de significado en términos de clave, acordes, notas. Solo pensé en las notas. Comprender la estructura de acordes de una canción no solo significa que desea reproducir canciones pop de las tablas de acordes de guitarra de la web. También da una mejor comprensión de una canción leída de una partitura. Por ejemplo, el primer tema de Für Elise. Simplemente revise y vea qué acordes está tocando. E y Am, seguido de la sección de CG Am y E (creo). Su profesor de piano le había enseñado a mi hija City of Stars sin una sola mención de lo que son acordes muy obvios. Gm, Dm, C, F. Te da una idea de lo que está diciendo musicalmente y por qué se siente de cierta manera en ciertos puntos. No estás simplemente tocando ciegamente las notas que compuso un músico que entendió la estructura musical.

Como complemento a otras excelentes respuestas: tocar "acordes y melodías" puede ser muy divertido y descubrirlo puede ser emocionante, pero en realidad no es algo que ningún tipo de pianista toque en la práctica .

Pianistas clásicos: no toquen acordes ni melodías. Este es obvio.

Los pianistas de pop/rock nunca (!) tocan acordes y melodías, eso chocaría con el vocalista y sonaría incómodo. Puede obtener transcripciones de clásicos de piano pop de la talla de Billy Joel y Elton Jonh; no encontrará el enfoque de "melodías y acordes" allí.

Los músicos de jazz no tocan la melodía mientras componen. Y los acordes que tocan es otra área de especialización (mucho más allá de "saber acordes").

Lo más cercano al enfoque de "acordes y melodía" es lo que hacen los pianistas de cóctel. Hacer esto bien es muy difícil y bastante especializado.

Ahora piénselo: ¿por qué los profesores de piano deberían especializar a sus alumnos para que se conviertan en pianistas de cóctel? No hay nada de malo en eso, pero aun así, ¿por qué considerarías este un punto tan esencial de la educación pianística?...