No estoy de acuerdo con Bryan. Tengo un B. Des y en 4 años de escuela la mayoría de los cursos no eran técnicos pero en absoluto.

Es difícil hacer una lista, creo que lo mejor que puedes hacer es mirar el plan de estudios de cualquier buena escuela de diseño para saber sobre qué leer y en qué orden.

Puedo recomendar algunos temas y un orden, pero al final, la mejor manera de aprender es practicar y consultar con un profesional (intentaré cubrir de vago a específico):

Historia de las artes, Historia del diseño, Tipografía, Sistemas de cuadrícula, Teorías de color, composición, tipografía, Teorías de diseño y visualización (como Ryan mencionó Teoría de la Gestalt y más) UX, Técnicas de ilustración, Formas y formatos, Diseño de logotipos, Empaquetado, Edición de libros, Encuadernación, Diseño web, Diseño para plataformas alternativas (como tv apps, etc.), Comunicación visual, y mucho más.

El programa de Diseño Gráfico al que asistí comenzó con una base sólida de Historia del Arte. Sé que algunos pueden ser aburridos, pero saber cómo y por qué ha evolucionado el diseño te ayudará a tomar decisiones estéticas y podrás explicar y defender tu trabajo.

También teníamos la Teoría del color, por lo general teníamos que mezclar nuestros propios colores de las primarias y enviarlos como bloques pintados principalmente cuando aprendíamos sobre complementos, triádicos y otros tipos de combinaciones de colores en la rueda. También aprendimos a cambiar el tono o la percepción con el color y la ausencia de color. Junto con el significado cultural de los colores y en qué aplicaciones.

El diseño 1 se trataba principalmente de la coordinación ojo-mano para traducir lo que ves al lienzo o al papel. Dibujábamos mucho (esa es la única manera de volvernos realmente buenos) bocetos de 1 minuto, bocetos de 2 minutos, dibujos de gestos rápidos, accesorios de naturaleza muerta en todas partes. A partir de ahí, podrías tomar asignaturas optativas, Dibujo natural (desnudos, por supuesto), Ilustración 1, Diseño 3D, diseño de muebles ... lo que sea.

Diseño gráfico: principalmente sobre los principios de Balance, Rythm, Harmany y cómo aplicar esto. También aprendes a no ser descuidado. Tu corte, pegado, todo lo que entregues debe verse como una máquina hecha. Este es el comienzo de la construcción de su cartera. Tienes proyectos como los que tendría un diseñador Freelance y el maestro es el cliente.

Luego comienza a aprender programas de diseño, tendrá una cuarta parte en Photoshop, una cuarta parte en Dibujo vectorial/Illustrator, solía ser Quark, estoy seguro de que ahora es InDesign, que hará un libro y aprenderá a encuadernar, etc. Algo de HTML , pero web, antes se llamaba Diseño Interactivo, esa es otra especialidad. Cada proyecto generalmente tiene algo nuevo que aprender como parte de la ejecución y normalmente se lo explicas a la clase. Todo mientras tomas más y más Historia del Arte, esto incluye Historia de la Publicidad, etc. Además, cualquier asignatura optativa que te quede, las asignaturas optativas suelen estar relacionadas con tu especialización. O puedes tomar algo como Philosophy of The Blues (fue genial).

Diseño Gráfico II,III Te inicias en la encuadernación de libros, Técnicas de impresión; Más diseño de maquetación, diseño de publicaciones, diseño publicitario.

Tipografía I, II, III Gran clase, esto es muy importante. Recuerdo un libro, The Elements of Style de Robert Binghurst.

Producción I, (creo que así se llamaba), Aprendes procesos de impresión y empaque, como tipos de Tintas para troquelar y doblar, Offset/Digital

En el último año, se le asignarán proyectos que llevarán más tiempo pero que combinarán varias disciplinas para que usted y su trabajo estén listos para una entrevista de trabajo. Cada proyecto que presentas como si estuvieras presentándolo a un Cliente/Jefe, etc.

Espero que eso ayude,

Andy Stone SCAD, BFA Diseño gráfico

Es muy difícil enseñar a alguien a ser artista. O lo eres o no lo eres. O tienes talento, talento, ojo para la estética o no. Lo que puede enseñar son las restricciones a las que debe adherirse un artista para métodos de reproducción específicos. Debido a esto, muchos libros de "diseño" se enfocan en los aspectos técnicos, ya que esa es la parte que se enseña.

Darse cuenta de que la parte estética del diseño es puramente subjetiva . Es posible proporcionar "consejos" relacionados con la composición, la perspectiva, la iluminación, el vocabulario de líneas, el posicionamiento, etc. Pero cualquier "consejo" de este tipo es realmente solo una opinión. Entonces, cualquier cosa que cubra el tema de la estética será simplemente la opinión del autor y no hechos fríos y duros.

Si desea reforzar sus habilidades estéticas, es posible que deba olvidar la palabra "diseño" y centrarse en temas más orientados al arte: iluminación y sombreado, profundidad, equilibrio, composición, teoría del color, escorzo, etc. Todo esto puede parecer no relacionado . , pero no lo es. La mayoría de los libros de "diseño" se centrarán en cómo llevar lo que ha creado a la reproducción. Hay algunos que se centrarán en la teoría del color, el equilibrio o la tipografía, y esos son valiosos. Pero serán de naturaleza mucho más técnica que estética.

Donde los programas de las escuelas de diseño ayudan es en el hecho de que estás rodeado de una atmósfera de creación y luego de restricción. Me atrevería a adivinar que la mayoría de las personas que comienzan con un título en diseño tienen algún talento para el arte y quieren hacer una carrera con eso. Entonces están comenzando con una base de creatividad y simplemente necesitan aprender las restricciones requeridas para comercializar esos talentos. (y supongo que en el mundo de hoy, también necesitan aprender software). Pero nunca he visto un solo curso de diseño que le enseñe a alguien cómo ser un artista o cómo ser creativo. Simplemente no es fácil de enseñar.

La mayoría de las clases de "arte" que tomé en la universidad eran solo clases de "práctica". Es decir, el instructor diría... dibuja esto... o crea algo usando esto... etc. Más allá de eso, proporcionaron conocimiento técnico , no conocimiento estético. Por ejemplo, la teoría del color para que aprendas a elegir los colores correctamente o el equilibrio para que aprendas a corregir una mala composición. O la iluminación para que aprendas a sombrear los objetos correctamente. Puedes encontrar libros de "arte" que cubran estas cosas (me encantan los libros de Burne Hogarth), pero no van a ser libros de "diseño".

Muchos cursos de historia del arte simplemente estudian cómo crearon los maestros y cómo usaron la composición, el color, la perspectiva, etc. en su trabajo. Además, pueden cubrir el trabajo de diseñadores famosos: Bass, Glazer, Rand, etc. para mostrar los mismos aspectos desde el punto de vista del "diseño". Estar rodeado de esto a diario esencialmente arraiga algunos aspectos y ayuda a un diseñador a simplemente confiar más en sus instintos.

La escuela de diseño es, en última instancia, como cualquier entrenamiento físico: entrenas, entrenas y entrenas, así que cuando llega el momento de "hacer" realmente, simplemente reaccionas más que pensar en ello. Es la creación repetitiva de cosas lo que construye un trabajo de calidad. Simplemente crear una y otra y otra y otra vez y luego repetir una docena de veces ayudará. Aquí también es donde las escuelas ayudan: te obligan a crear repetidamente en diferentes circunstancias y te ayudan a aprender a "encenderlo" cuando sea necesario en lugar de "cuando te apetezca". Que suele ser la diferencia entre el éxito y el fracaso.

Si desea aprender el lado intangible y estético del diseño sin una formación formal, necesitará al menos un buen punto de partida y la capacidad de dibujar o crear algo desde cero. A partir de ahí, con los libros, tendrás que mirar más a los libros de dibujo/arte, historia del arte o incluso fotografía que no estén relacionados con el diseño para obtener las perspectivas relacionadas con la creación en lugar de la reproducción.

Por supuesto, esto supone que leí su pregunta correctamente. Hay mucho allí y es posible que haya hojeado parte de él. :)

Ya que está preguntando sobre un pedido para aprender cosas no técnicas . No hay ninguno. Puede comenzar con principios de diseño fundamentales como la teoría de la Gestalt para ver qué son el equilibrio, la agrupación, etc. Pero no es necesario. Nunca oí hablar de estas cosas hasta que ya estuve diseñando durante años.

Si conoces las herramientas, como dices, entonces diseñar no es como programar. No tienes que aprender el color antes de poder aprender el equilibrio, ni tienes que aprender el equilibrio antes de poder aprender el color. Tu creas. Todo sucede simultáneamente para crear una solución a un problema o idea de diseño específico. Mejoras a través de la iteración, la repetición, las críticas y la autoconciencia.

Pero para responder a su pregunta, no puede encontrar una lista de temas de diseño para aprender porque no hay orden. Por necesidad, debe aprenderlos todos simultáneamente.