¿Cómo puedo mejorar mi entonación de violín para notas enarmónicas?

Sé que, si bien, para muchos instrumentos, las notas enarmónicas son de un solo tono y sus diferencias son más una interpretación, lo que ayuda a que la música permanezca consistente (tendría más sentido que una escala tuviera C y D♭ que C y C♯), hay ciertos instrumentos que pueden cubrir un rango de tonos más continuo y menos discreto. El violín es uno de esos ejemplos y, aunque la mayoría de la música escrita para violín todavía trata las notas enarmónicas como si fueran del mismo tono, hay música en la que existe una distinción entre E♯ y F (creo que E♯ es ligeramente más alto que F por un intervalo llamado coma pitagórica).

Quiero desarrollar el tipo de entonación para esto en mi violín, pero no estoy del todo seguro de cómo. Cuando practico la entonación, hago referencia a un afinador eléctrico, ya que, lamentablemente, no comencé a tocar música hasta que era adulto y perdí la ventana de oportunidad para el tono absoluto. Esto funciona bien para la mayoría de las notas, pero no para las enarmónicas; He buscado por todos lados y no he encontrado un solo afinador que distinga entre notas enarmónicas (ni siquiera estoy seguro de que exista tal cosa). ¿Cómo consiguen los violinistas este tipo de entonación?

Anexo: Hace poco hablé con un profesor de violín sobre esto. Según ella, debido a que la coma pitagórica es tan pequeña, no tiene un uso práctico real en la música que toca físicamente una persona . Se usa en cosas 'conceptuales' y 'abstractas' como las matemáticas detrás de diferentes sistemas de afinación.

Aparentemente había malinterpretado información como ' los violinistas pueden tocar B♯ y C como notas individuales; 'Pensé que ' can ' en este contexto se refería a un violinista hábil que tiene la capacidad de tocarlos intencionalmente individualmente, mientras que la palabra ' can ' en realidad se refería a que era técnicamente posible, ya que los violines tienen un gradiente de tonos no discreto. Si bien un violinista bien entrenado en el oído podría hacer ajustes cuidadosamente en la posición de sus dedos (más o menos un ligero cambio en los músculos) para obtener el tono particular, es prácticamente imposible para una persona desarrollar su entonación hasta el punto de tocar una coma pitagórica de manera confiable. simplemente por un error humano.

También continuó diciendo que el intervalo más pequeño que realmente necesitaría aprender es un cuarto de tono (medio semitono) y eso es más si me interesan ciertos tipos de música del Medio Oriente.

¡ Al no usar un sintonizador! En términos generales, los afinadores usan 12tet, por lo que no lo ayudarán a desarrollar la parte importante que usan los musos: ¡sus oídos ! Tocar escalas hacia arriba y hacia abajo en todas las teclas ayudará (si escucha con atención) a colocar los dedos en los lugares sutilmente diferentes para ciertas notas en ciertas teclas. Después de un tiempo, se convertirá en una segunda naturaleza, dependiendo de la tecla que toque, en cuanto a dónde exactamente toque F # o Gb, dependiendo de si es M3 o P5, o lo que sea en cualquier tecla. ¡Evite confiar en el sintonizador!
No creo que esté bien definido. Si E # "significa" el paso 12 en un círculo de 5 que comienza F, entonces sí, será más agudo que F por una coma pitagórica. Sin embargo, si "significa" que la quinta aumentada de A (F (natural) es la sexta menor) probablemente sea más plano por más de una coma
Esta calculadora me da 2 comas planas. IOW E # parece variar 3 comas (al menos) alrededor de F.
@Rusi tiene razón en que hay diferentes versiones de E♯. Por lo tanto, no puede hacer un afinador que haga una diferencia entre E♯ y F, porque ¿qué versión de E♯ debe indicarse en el afinador? No hay una versión correcta. Los afinadores se ajustan al sistema de 12 semitonos iguales en una octava y, por lo tanto, las notas enarmónicas del afinador se consideran la misma nota. Tim también tiene razón.
Algunas pruebas de que el padre de Mozart le enseñó a Mozart a tocar el violín con sostenidos una coma más bemol que bemoles
@Rusi, ¿no sería esa la coma sintónica en lugar de la pitagórica? La página a la que se vincula ciertamente menciona explícitamente la proporción de la coma sintónica (81:80).
@phoog Syntonic: 21¢. pitagórico 23¢ . 55 EDO = 1200÷55 = 22¢. Entonces, para una discusión razonable, podemos decir coma (sin calificar), ¿supongo?
@Rusi, pero la coma pitagórica realmente solo es útil para afinar un temperamento igual. Es útil para un técnico de piano, por ejemplo. La coma sintónica es mucho más útil para un músico que toca música real. Asoma su fea cabeza regularmente al afinar música sin templar (cuerdas, voces, incluso instrumentos de viento de metal y madera). Por ejemplo, al tocar una pieza en A-bemol mayor, generalmente encontrará que F y/o B-bemol tendrán que variar en tono por una coma sintónica. Encontrar un mi sostenido en una pieza así sería realmente extraño.
Sí, estoy de acuerdo en que la coma sintónica probablemente molestará más a un músico practicante que a la pitagórica. Yo (y supongo que Joe monzo) lo estamos usando de manera más genérica.
Alerta de punto ligeramente controvertida y provocativa: para la mayoría de los alumnos que estudian instrumentos de cuerda, será mucho más preocupante tocar afinados durante gran parte de su formación inicial... En otras palabras, puede ser mejor no preocuparse por las desviaciones de 12 -tet (por ejemplo), ya que es probable que los errores en la afinación en relación con la afinación de 12 tet O pitagórica sean más significativos que las diferencias entre estos dos sistemas.
Para agregar al punto anterior: para cuando su técnica y habilidad auditiva se hayan desarrollado lo suficiente como para permitirle tocar "afinado", inevitablemente comenzará a escuchar cuándo las diferentes grafías de las notas indican una función armónica diferente, y cómo podría hacerlo. naturalmente querrás ajustar tu afinación para que encaje mejor con otros instrumentos que tocan contigo.

Respuestas (2)

La entonación en la música clásica es una de las cosas en las que no hay una sola regla general que puedas aplicar para hacerlo "bien". Realmente, es parte de una interpretación. Quizás lo único que podemos decir universalmente es que debe tener un propósito .

12-edo es un buen punto de partida. Aunque a menudo despotrico contra el dominio de 12-edo, no se puede negar que funciona muy bien para la mayoría de la música occidental. Los músicos de cuerda no profesionales a menudo se desvían demasiado de 12-edo, de una manera que hace más daño que uso musical. Entonces, esa no es realmente la razón en contra de usar un afinador o un piano como referencia de tono: probablemente, acercarse a 12-edo sería en la mayoría de los casos una mejora. Admito que este también sigue siendo el caso para mi forma de tocar.

El verdadero problema con un afinador es que no te enseña el propósito de las notas y su entonación. Un recurso central de la música clásica es el contraste entre tensión y resolución, disonancia y consonancia. Y esto es algo en lo que están involucrados tanto el compositor como el intérprete. Como regla general, yo diría que, como intérprete, debes tratar de comprender la intención del compositor lo mejor posible, y luego dejárselo muy claro a la audiencia. Muchos grandes intérpretes hacen esto exagerando todo, no es específico de la entonación, quizás la mejor manera de verlo es si observa las fluctuaciones de tempo. Aquí hay un ejemplo extremo (posiblemente exagerado por el bien de la sátira y la educación):

Observe cómo todos los pasajes rápidos se tocan incluso más rápido de lo que serían según el metrónomo, y los lentos se alargan aún más con las fermatas.

Y ese también es el factor principal que veo en la entonación en la música clásica: debería poner tensión adicional en las notas principales en los acordes de disonancia, pero hacer que las resoluciones sean más armoniosas. Podemos resumir esto en tres puntos:

  • Las notas “fundamentales”, en particular la tónica y su quinta o subdominante, deben tocarse en pitagórico puro o 12-edo (que en ese caso es casi exactamente lo mismo). Esto se basa en relaciones de frecuencia muy simples de 3:2 y 3:4, lo que le da a la música un marco sólido. Es fácil escuchar esos intervalos: una quinta ligeramente desafinada tiene un ritmo notable , porque el tercer sobretono de la fundamental entrará y desfasará con el segundo sobretono de la quinta.
  • Las notas de “estado de ánimo general”, más prominentemente las terceras de los acordes mayores y menores, deben tocarse de tal manera que resalten mejor ese estado de ánimo . Aquí ya estamos entrando en territorio de interpretación ambigua. Al igual que las quintas pitagóricas, los acordes mayores y menores se pueden derivar como proporciones de entonación justa, es decir, 5:4 para la tercera mayor y 6:5 para la tercera menor. Le recomiendo encarecidamente que practique escucharlos también y detectar el ritmo cuando estén un poco apagados. Y en muchos casos, esta proporción también es lo que debe buscar en una pieza real. En particular, el acorde mayor 4:5:6 es un sonido resonante muy estable. Pero esto en realidad tiende a ser más preocupante para las voces medias, que tienen el tercio de un acorde final más típicamente que la melodía principal o la voz del bajo.
    La tercera de 5:4 es un poco más estrecha que la tercera mayor de 12 edo, mientras que la de 6:5 es un poco más ancha que la tercera menor de 12 edo. IOW, 12-edo exagera la diferencia entre tercios mayores y menores, no mucho (15 ct), pero es audible. Se podría argumentar que esto es algo bueno, pero en mi opinión, depende. De hecho, uno podría pensar que usar siempre una tercera mayor demasiado ancha tiene un efecto de caricatura un poco tonto e inquieto, similar a cómo Yo Yo Ma exageró las expresiones de tempo en el ejemplo de Sesame Street que di arriba. Parece que no es realmente así como los oyentes perciben los tercios de 12-edo, pero quizás solo porque estamos tan acostumbrados a los instrumentos de 12-edo como el piano que apenas lo notamos.
  • Las notas principales melódicas, que normalmente aparecen en las disonancias, deben resaltar la necesidad de resolución. En particular, la nota de ⅶ grado que conduce a la tónica se toca muy a menudo significativamente más alta que su frecuencia de 12-edo, por no hablar de la que se obtiene al apilar una tercera mayor JI encima de la quinta. La idea es que esto sugiera que el tono “gravita” hacia su resolución. Un defensor extremo de este pensamiento fue Pablo Casals, quien a veces entonaba tonos principales de hasta 50 quilates de 12-edo. De nuevo, podrías considerar esto un poco caricaturesco, pero creo que definitivamente puede funcionar si solo se hace juiciosamente , es decir, no de acuerdo con una regla fija, sino siempre de la forma en que transmites lo que intentas expresar musicalmente.
Escuchar tiempos está muy bien cuando hay otros tocando las otras notas que pueden, o no, configurar esos tiempos. Sin embargo, cuando uno toca solo, nunca se escucharán golpes, suponiendo que se toquen notas individuales. El OP suena un poco inexperto: la mayoría de los jugadores experimentados no estarían preocupados por usar afinadores para este propósito, por lo tanto, probablemente solo tocarán notas individuales. Y, de nuevo, los afinadores no serán de gran ayuda si uno quiere tocar una nota más aguda o más grave de lo que normalmente es en 12tet, ¡aunque supongo que uno podría tener cuidado con la aguja! Aparte de eso, buena respuesta!
Si bien diré que esto parece un buen consejo, siento que no entiende el punto de mi pregunta. ¿Cómo puedo mejorar mi entonación para poder tocar D♭ como una nota distinta de C♯?
@Kevin, bueno, ese es el punto de mi respuesta: no es bueno tocar D ♭ diferente de C ♯ solo por el hecho de ... pianistas molestos, o lo que sea. En su lugar, lo que debe hacer es entrenar su oído para que descubra por qué cada nota debe entonarse en un tono particular. Para eso, expliqué las tres categorías de notas y cómo se debe abordar cada una de ellas, en términos de entonación. Hasta que se sienta cómodo con ese sistema, le sugiero que se equivoque del lado de 12-edo, es decir, que no toque D♭ como una nota distinta de C♯.
@leftaroundabout Ah, eso lo aclara. Estaba un poco confundido acerca de por qué era necesaria la acentuación de las cosas para su función. Ya lo veo.
Dicho esto: personalmente me gustan los temperamentos de tono medio, en los que la tercera mayor se aproxima mejor que en 12-edo. En esos, C♯ es generalmente un poco más bajo que D♭. Pero en la práctica, esto equivale principalmente a tener cuidado con las notas C♯ que actúan como la tercera parte de un acorde de A mayor, y tocarlas un poco más planas de lo que tocaría otro C♯ o D♭. Pero lo mismo se aplica a las notas Mi que aparecen como la tercera parte de un acorde de Do mayor: es posible que también quieras tocarlas un poco más bajas que la Mi, que es la quinta de un acorde de La mayor, a pesar de que el nombre sea el mismo. en ambos casos.

Lo que puede hacer es ser consciente de los tonos principales (arriba o abajo) y apoyar su función exagerando un poco la distancia donde coloca el dedo en el diapasón: para ♯ (sostenidos) un poco más alto, para ♭ (bemoles ) un poco más abajo.

Editar:

Quise decir exactamente este ajuste que está describiendo en el apéndice:

Si bien un violinista bien entrenado en el oído podría hacer ajustes cuidadosamente en la posición de sus dedos (más o menos un ligero cambio en los músculos) para obtener el tono particular, yo

A menos que esté buscando terceras justamente afinadas, en cuyo caso los sostenidos deberían ser más bajos y los bemoles más altos.
¿Quién decidió que podía borrar mi comentario? ¡Solo hecho en broma!
@Tim, creo que fui yo. Lo siento.
@phoog: estaba insinuando y asumiendo lo que OP escribe en su apéndice.
¿Cómo puedo mejorar mi entonación de violín para notas enarmónicas?
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