Cantar lo que estás tocando vs tocar lo que estás cantando

Sé exactamente a lo que te refieres y recuerdo haber tenido este mismo problema. Lo discutí con David Berkman en una lección y este es el consejo que me dio. Esto solo funciona para pianistas, pero también describiré otras técnicas.

Al improvisar en el piano, toque las líneas con ambas manos. Juega a través de la forma e improvisa de manera que tu mano derecha esté "dirigiendo" a la mano izquierda. Al crear líneas, déjalas fluir desde tu mano derecha. Luego cambie la segunda vez a través del formulario. Deje que su mano izquierda "dirija" la mano derecha. Al crear líneas, piensa en tu mano izquierda y en dónde se mueve, y deja que la mano izquierda guíe a la mano derecha. Esto puede parecer extraño o arbitrario, pero hay una medida objetiva de si lo estamos haciendo correctamente. Para la mayoría de los pianistas, la mano derecha es más fuerte para improvisar que la mano izquierda. Como resultado, cuando mi mano derecha estaba "adelante", hubo casos en los que mi mano izquierda no pudo seguir el ritmo y se perdió la línea. Pero cuando cambié y creé líneas usando mi mano izquierda, Rara vez tuve el problema opuesto donde mi mano derecha no podía seguir el ritmo. Este es un buen indicador: si realmente dejo que la mano izquierda sea la creadora, entonces hay muchos menos casos en los que la mano izquierda tenga dificultades para mantenerse al día.

En la guitarra u otro instrumento, puedes intentar algo que me dijo una vez Jamey Aebersold. Practica cantar un solo sin tocar tu instrumento. Después de cantar un lick o cantar 8 compases, regrese y reprodúzcalo en su instrumento. Esto rompe el vínculo entre la voz y el dedo. Cuando usé esta técnica, no estaba simplemente cantando lo que mis dedos ya sabían, porque mis dedos no se movían.

Pero además de estas técnicas, que pueden ser útiles, me di cuenta de que había un problema más profundo que creaba el problema que describes. Mis dedos se habían acostumbrado tanto a ciertos movimientos (lameduras, patrones, etc.) que mi cerebro se puso en piloto automático y simplemente siguió. Toqué los mismos licks una y otra vez y simplemente canté esos licks que se habían vuelto tan rutinarios. Resulta que esto era una cuestión de desequilibrio. El problema desapareció cuando comencé a aprender nuevas cabezas de bebop sistemáticamente en las 12 teclas en diferentes tempos. Practicando continuamente material nuevo y centrándome siempre en las 12 teclas (incluidas aquellas en las que era mucho más débil), mis dedos ganaron mayor flexibilidad y libertad. Antes, esos licks estaban tan arraigados en mi memoria muscular porque eran mucho más fáciles de tocar. Pero con esta práctica, esos licks perdieron ese estatus especial.practiqué licks como si fuera a tocar nuevos licks que se me ocurrieran en el acto. Sentí que salí de la rutina de mi memoria muscular limitada al fortalecer las áreas donde era más débil.

Definitivamente recomiendo esta rutina. Elegiría una nueva cabeza de bebop, comenzaría muy lento (por ejemplo, una negra = 70 BPM), tocaría la cabeza en las 12 teclas, aumentaría en 2-3 BPM, pasaría por las 12 teclas nuevamente y continuaría hasta llegar a ~ 220 BPM.

Entiendo lo que dices, pero no estoy seguro de estar totalmente de acuerdo con la premisa.

Parece que estás asumiendo que todo el mundo tiene naturalmente melodías en la cabeza que surgen de la nada. Pero estas melodías provienen principalmente de escuchar música, aprender patrones musicales como escalas, arpegios, intervalos y luego hacer las conexiones entre los dos, ya sea conscientemente o no. Y la música en la que te inspiras se hizo de la misma manera: basada en patrones y en la música que la precedió. Así que tocar escalas y otros patrones se trata de perforar esa musicalidad en tu cabeza hasta el punto en que puedas hacer uso de ella.

Si bien lo apoyo por completo, creo que el beneficio de cantar, decir o incluso pensar junto con lo que estás tocando es hacer conexiones. Tus dedos están aprendiendo la memoria muscular, tu cerebro está aprendiendo la teoría (los nombres de notas/grados si eso es lo que estás cantando) y tus oídos están aprendiendo cómo suena eso. Y lo más importante, está haciendo las conexiones entre ellos para que cuando tenga una idea en su cabeza, pueda traducirla más fácilmente al contexto musical o digitación correctos (o viceversa).

Parece que tal vez tienes un problema diferente que es bastante común. ¿Tu forma de tocar suena demasiado a escala? ¿Las cosas suenan más como un ejercicio que como música? Si es así, aquí hay algunas sugerencias:

• No se limite a jugar hacia arriba y hacia abajo en el patrón/escala. En primer lugar, intente por defecto jugar descendiendo en lugar de ascendiendo.
• Tócalas en diferentes intervalos, por ejemplo 3ras, 4tas, 5tas, 6tas, etc. (o diferentes inversiones en el caso de los arpegios)
• Agregue adornos como apoyaturas, cerramientos, cromáticos, etc.
• No solo reproduzca los patrones de principio a fin, mézclelos también . Toque algunas notas de forma escalar, luego use un salto interválico, luego un adorno, etc.
• En otras palabras, use los patrones como un punto de partida y como un marco mental subyacente de qué notas podrían encajar. Pero pasa rápidamente a la experimentación y usa lo que suena bien.
• Aprende algunas cosas además de patrones. Aprende algunas melodías reales. Estos todavía tienen patrones dentro de ellos, pero estás saltando directamente a algo que ya suena melódico y, en cambio, lo perforas en el cerebro.
• Roba de otra música que te guste y diseccionala. ¿Qué están haciendo que te gusta?
• Trate de usar secuencias repetidas para establecer un tema. Es decir, cuando encuentre un patrón melódico corto que le guste, intente repetirlo en el siguiente cambio de acorde transponiéndolo según sea necesario. Tocarlo sobre un nuevo contexto armónico agregará un nuevo sabor, pero la repetición (los mismos intervalos relativos /similares ) lo une todo.
• Prueba a repetir ritmos pero variando las notas o viceversa. Nuevamente, use la repetición para establecer un tema.
• Aprende sobre la armonía y enfócate más en ese aspecto. Recuerda que no solo estás tocando melodías en el vacío. Parte de lo que hace que una melodía suene interesante en un momento dado es cómo esa nota encaja en el contexto armónico. El simple hecho de centrarse en los tonos de los acordes, las extensiones y las notas que pueden conectar los cambios de acordes hará maravillas con sus melodías.

Todo el mundo tiene un sentido básico de la musicalidad solo por escuchar música durante toda su vida. Oímos consonancia y disonancia. Escuchamos tensión y esperamos liberación, etc. Así que incluso los que no son músicos pueden cantar una melodía, pero se basan en los conceptos musicales subyacentes que han aprendido pasivamente a lo largo de los años. Como músico, tu objetivo es practicar activamente esas cosas para que realmente puedas aprovecharlas.

Entonces, en otras palabras, no es que no hayas encontrado el truco para desbloquear la creatividad melódica que ya está en tu cerebro. Es que todavía necesitas entrenar tu cerebro para ser melódicamente creativo .

Mi sugerencia es que cantes algunas canciones que conozcas, cualquier canción. Por ejemplo,

• Feliz cumpleaños a ti
• María tenía un corderito
• Cuando los santos van marchando
• Pop va la comadreja
• Hola muñequita

Realmente cualquier canción servirá. Supongo que no conoces las digitaciones de todas estas canciones.

Ahora, tome la misma canción y comience con un tono/nota diferente y cante la canción desde el nuevo tono inicial. Esto requerirá diferentes digitaciones.

Soy trompetista de Jazz y lo que acabo de describir es una de las técnicas que practico.

Mi objetivo al hacer esto es poder cantar un lick de improvisación y tocarlo.

Otra técnica es grabar lo que cantas y al reproducirlo también tocar tu instrumento.

Por ejemplo, si hay una improvisación/solo de 16 compases en el que necesito trabajar. Podría cantar toda la improvisación y grabarla en mi teléfono. Luego reproduzca el audio (desde mi teléfono) e intente hacer coincidir los tonos en mi trompeta. Esta es una forma de transcribir. Esto nuevamente requiere escuchar un tono y luego tocarlo.

Otra técnica no es grabar sino cantar una frase y luego tocarla.

Por ejemplo, en el solo de 16 compases, puedo cantar un lick de dos compases y luego reproducirlo en los siguientes dos compases. Luego continúe cantando los siguientes dos compases y luego toque lo que acabo de cantar. Esto se repite hasta terminar los 16 compases. Uso iRealPro y Musescore para ayudarme a repetir las dos frases de compás.

Espero que esto ayude.