¿Por qué no hay indicación de volumen relativo en la partitura?

Cuando toco un piano, puedo leer qué teclas debo presionar y cuándo. Pero no parece haber ninguna indicación de qué tan fuerte debería ser cada sonido en relación con otro. ¿Por qué?

Me parece que esta importante información se ha perdido y está abierta a interpretación. Como resultado, la música que se reproduce puede ser muy diferente de la intención del autor porque el volumen es toda una dimensión de la expresión. Habría mucha menos interpretación si se indicara el volumen al menos relativamente. Lo hago para mis propios fines, dibujo una línea ascendente y descendente sobre las notas. ¿Me estoy perdiendo de algo?

Hay mucho. Marcas dinámicas (p, mp, mf, f, etc), cresc./dim., horquillas, acentos...
Sólo curioso. ¿Dónde ves música de piano que no incluye marcas relacionadas con el volumen?
@AJFaraday Me doy cuenta de que mucha música barroca, particularmente Bach, carece de marcas dinámicas.
@GeneralNuisance Eso se debe a que la mayoría de los instrumentos utilizados en la época de Bach tenían poca capacidad de expresión dinámica; las flautas dulces eran el principal instrumento de viento de madera y el clavicémbalo aún no había sido reemplazado por el piano.
@Chromatix Eso tiene sentido, pero aún existe la posibilidad de que una pieza sin marcas dinámicas esté siendo tocada por un teclado... ¯\_(ツ)_/¯
A veces depende de la fuente de las partituras. Para los libros de piano clásico publicados oficialmente, no creo haber visto nunca una partitura sin dinámica. Pero las partituras hechas por fanáticos generalmente solo se preocupan por las notas, ignorando muchas cosas... incluida la dinámica.
Votaría a la baja si pudiera, esta pregunta me muestra una clara falta de esfuerzo de investigación.
Una nota al margen interesante es que estos indicadores están mucho menos presentes cuando son relativos a otros instrumentos . Por ejemplo, a menudo puede darse el caso de que dos instrumentos diferentes tengan f en su partitura, pero aun así uno de ellos debería tocar con menos potencia que el otro (porque el otro está tocando la melodía o un solo). Esto a veces está abierto a la interpretación, pero debe ser realizado por el director y no por el jugador. A menudo me encuentro con músicos en conjuntos que están indicados para tocar más bajo, a lo que reaccionan '¡pero hay ff en mi hoja!'. Tienes que jugar en relación con el resto.
Sí, esta pregunta recibe votos negativos, está bien, pero el título debe cambiar para no afirmar la falsedad que afirma.
¿El Op se refiere a la línea de la melodía (notas) entre los acordes (notas) cuando se establece en relación con otro sonido, o no hay dinámica en absoluto?
Por cierto, creo que la apertura de la interpretación es uno de los mayores activos de la música clásica. Hay exactamente una Computadora OK, y siempre la habrá; es bastante raro en el rock/pop/etc que una versión reemplace una grabación estándar, y aún más raro que ambos sobrevivan como ciudadanos de primera clase. Con Bach, cada músico aporta su opinión. Imagínese si Glenn Gould no hubiera podido existir porque Bach ya había puesto las grabaciones definitivas de su material en Spotify.
@yshavit Hay grabaciones "canónicas" de obras pop porque los artistas graban en lugar de producir partituras (excepto en casos excepcionales; Beck y Billy Joel han lanzado partituras). Esto no tiene nada que ver con si la dinámica está presente o no en la página; Debussy, por ejemplo, tenía marcas dinámicas extremadamente específicas y, sin embargo, la misma afirmación de que "cada músico trae su versión" es tan cierta para su música como para la de Bach.
@KyleStrand Yo diría que eso se debe a que una grabación es mucho más precisa y precisa que incluso una partitura con muchas anotaciones; en otras palabras, una grabación cementa mucho más (como, hasta información de submilisegundos) del trabajo.
@yshavit Podemos continuar esta conversación en el chat si lo desea: chat.stackexchange.com/rooms/76570/yshavit-kylestrand
Gracias a todos. Como es obvio, soy nuevo aquí y hasta ahora no he visto mucho. Vi muchos elogios a Horowitz, etc., que superponen muchos tonos cuando tocan (según tengo entendido, se trata de la riqueza de la textura de volumen relativo). Si es tan importante para una gran interpretación, ¿por qué no hay una indicación de volumen relativo en cada nota? Principalmente improviso con mi piano, pero cuando tomo una pieza simple como partes de Ode to Joy, tengo que aplicar ingeniería inversa, ¿cómo se supone que debo hacer que no suene aburrido? Escuchar alguna reproducción es solo una solución parcial.
¿Te refieres al volumen relativo de notas/acordes sucesivos o de notas simultáneas dentro de un acorde? En el último caso, explicaría por qué la mayoría de la gente cree que ha investigado poco y se ha equivocado. Estoy bastante seguro de que el volumen relativo dentro de un acorde casi nunca se indica, pero puede ser muy importante. Si esto es lo que quiere decir, haría bien en editar su pregunta para aclarar esto.

Respuestas (4)

En realidad, hay muchas marcas en la notación musical que tienen que ver con la dinámica . Ya sea que esté configurando el nivel general, como Piano (p = bajo) o fortissimo (ff = alto), o un crescendo (<) o decrescendo (>).

Tal vez simplemente no te hayas encontrado con estos todavía. Si no hay marcas en una pieza musical, depende del intérprete interpretar la música en consecuencia.

Se puede encontrar una lista más completa de marcas dinámicas en Wikipedia:

https://en.wikipedia.org/wiki/Dynamics_(música)

Hay muchos indicios -

  • marcas de volumen explícitas (desde ppp , pianississimo - muy, muy suave - hasta fff - fortississimo - muy, muy alto).
  • marcas de crescendo y diminuendo (que pueden ser textuales - ' cresc ', ' dim ' - o tener la forma de los símbolos de 'horquilla')
  • acentos dinámicos , que muestran que una nota en particular debe tener un volumen más alto, lo que se puede marcar con símbolos o textualmente (por ejemplo, sfz )
  • La marca de tiempo, que da una indicación de qué tiempos del compás deben acentuarse más (las respuestas aquí y aquí , así como en otros lugares, tienen más detalles)
  • instrucciones textuales sobre la sensación general con la que se puede tocar la música (' con brio ') o aplicar más específicamente al nivel de vigor (' smorzando ', ' incalzando ')

Sin embargo, cuando dices...

Me parece que esta importante información está... abierta a interpretación

¡Estás bien! Casi todo en una partitura estándar (ritmo, tono, timbre, volumen) está algo abierto a la interpretación. Eso es parte de su belleza: abre la puerta al arte del artista.

fff no siempre significa “muy, muy alto”. Cuando se escribe, por ejemplo, en una parte de flauta, es una instrucción para que el director le diga a las trompetas que la f que tienen en ese lugar tal vez debería ser solo mf después de todo...
@leftaroundabout Claro, pero podría ser una cuestión de jugadores disponibles. Algunos compositores escribieron pensando en orquestas de composiciones específicas, niveles de habilidad e instrumentación. Si un compositor puede decir algo como "Ignora el fff escrito mf como máximo" a una sección de metales, por ejemplo, podría ser porque la sección de metales es demasiado numerosa para el diseño original de la pieza. Como mínimo, está influenciado por la característica de las secciones y también si hay un solista y qué tan fuerte es su instrumento.
Cualquier trompetista te dirá que mf significa megaforte.
Los músicos de metal de @RedSonja son un montón de mf s en general...

Dado que usted es relativamente nuevo en la música escrita, supongo, aquí hay algunas cosas que debe tener en cuenta.

Primero, para las marcas gráficas de crescendo y diminuendo, use horquillas, como se describe en el artículo de Wikipedia ya vinculado: https://en.wikipedia.org/wiki/Dynamics_(music)#Changes

En segundo lugar, gran parte de la música para teclado que conocemos y amamos se escribió originalmente para el clavicémbalo y el órgano, que eran incapaces de cualquier variación dinámica. Los órganos modernos pueden tener una "perilla de volumen" global (pedal de expresión) y configuraciones de volumen para cada registro, pero los órganos históricos se encendían y se apagaban, y los clavicémbalos todavía lo están, por diseño. El piano (originalmente llamado fortepiano) se inventó mucho más tarde y, como puede adivinar por su nombre, la capacidad de variación dinámica fue su principal "punto de venta". Por lo tanto, cualquier marca dinámica en la música para teclado escrita antes de mediados de 1700 es una invención del arreglista.

Lo que nos lleva al tercer punto: las intenciones exactas de un compositor no se pueden conocer a menos que puedas ir y preguntarle al compositor, e incluso entonces los compositores pueden estar encantados con interpretaciones radicalmente diferentes a las suyas.

Nitpick: el fortepiano fue un precursor menos avanzado del pianoforte moderno .
incluso entonces, los compositores pueden deleitarse con interpretaciones radicalmente diferentes de las suyas : o no. Paul Hindemith le preguntó una vez a un director de orquesta que lo invitó al estreno de una de sus obras: “¿Crees que podrías tocarla mejor de lo que yo la escucho en mi propia cabeza?”.
@Chromatix esa distinción terminológica moderna no significa que sea incorrecto decir que el "piano" se llamó originalmente "fortepiano". (El término "pianoforte", además, se remonta al menos a 1765, cuando se usó, por ejemplo, en una edición de las sonatas de JC Bach .) Dmbaturin: la caja hinchable se inventó en el siglo XVIII (pero aparentemente lentamente prenderse).

TL;RD

Simplemente no es práctico denotar sin ambigüedades la música con tanto detalle. Porque incluso con la indicación de que una nota debe sonar más alta y otra más baja, inmediatamente surge la pregunta de "¿cuánto?".

Vale la pena señalar que muchas de las tradiciones musicales del mundo se transmiten de forma oral/auditiva, lo que permite una reproducción mucho más exacta de "cómo se debe interpretar una pieza" que dejar solo las instrucciones escritas.

Más...

Esta es una observación perspicaz sobre las limitaciones de la música escrita: hay una gran cantidad de información que queda fuera y, por lo tanto, está abierta a la interpretación. No solo puede cambiar el volumen o la suavidad de una nota a otra, sino también el tempo o la articulación.

Incluso cuando se dan indicaciones, son ambiguas. Un pasaje está marcado forte , pero ¿exactamente qué tan fuerte es eso? ¿Debería ser ese fuerte un nivel específico de decibelios? ¿Debería decaer la nota después del ataque inicial? ¿A qué ritmo debe ocurrir la descomposición? ¿Y si cambia la acústica de la sala? ¿Y es forte en una parte de una pieza lo mismo que forte en otra parte? ¿Cuánto más alto que forte es fortissimo ?

Las partituras, en última instancia, son solo una guía sobre qué tocar, razón por la cual muchos músicos investigan piezas para obtener indicaciones de cómo las interpretó el compositor, o cómo las tocaron las personas con contacto directo con el compositor (por ejemplo, los estudiantes).

Este "problema" de dejar tanto abierto a la interpretación ha sido una preocupación para muchos compositores. La música antigua a menudo se entendía como solo un boceto, y se esperaba que los músicos improvisaran a su alrededor. En la época de Bach, los compositores comenzaban a anotar exactamente lo que querían que se tocara.

A Beethoven se le atribuye ser el primer compositor en enfatizar en gran medida la ubicación de marcas expresivas específicas, con la idea de que debían interpretarse "exactamente".

En el siglo XX, los compositores de la escuela del "serialismo total" intentaron tener un control absoluto sobre todos los aspectos de la música. Uno de los enfoques de los compositores más destacados, Pierre Boulez, reconocería más tarde que la música no funcionaba, aunque era necesario realizar los experimentos, aunque solo fuera para descubrir que no funcionaba.

"No solo puede cambiar el volumen/suavidad de una nota a otra": de hecho, puede cambiar dentro de una sola nota.
¿Por qué no hay indicación de volumen relativo en la partitura?
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