¿Cuál es la pintura dentro de este siglo XVII? ¿cuadro?

Esta no es una pintura famosa representada como una imagen en imagen. Es un tropo repetido a menudo popular entre muchos pintores en el momento que fue desarrollado por primera vez por Frans Francken II. La imagen exacta es una variación del tema, con sus elementos concretos repetidos a menudo en otros lugares, pero la escena en sí no aparece exactamente en o como una "pintura real" en sí misma.

El tema a buscar es 'Anes Iconoclastes', los burros iconoclastas. Y eso de hecho se repite en otra imagen que es casi idéntica a la que aquí se trata. El 'original más antiguo' está ahora en el Prado, la variación más joven en Baltimore (aparentemente se hicieron bastantes copias instantáneas de cada uno, además de otras variaciones).

Es la imagen completa en sí misma la que forma parte de una serie de pinturas, atribuidas de diversas formas, por ejemplo, a Stalbemt, Brueghel el Viejo y el Joven, y Frans Francken II, así como a Hieronymus Francken. Dentro de esta serie, la característica del motivo de una imagen dentro de una imagen se presenta, o incluso se copia, como 'cabezas de burro destrozando cosas bonitas'. Sin mucha evidencia para la prueba, los historiadores del arte generalmente dan a Frans Francken II el crédito como el creador de este género de galería de arte/gabinete/constkamer/colección, así como la imagen de 'cabezas de burro' dentro de muchos de ellos.

Lo que vemos en la destrucción del arte que se exhibe dentro de la imagen es un mensaje político:

Un grupo de académicos discute varias cuestiones en una sala. Algunos están sentados alrededor de mesas mientras que otros contemplan algunas de las muchas pinturas y objetos de arte esparcidos por la sala. Las representaciones de diletantes o aficionados en galerías de coleccionistas o salas adornadas con objetos de arte constituyeron un género habitual entre los pintores flamencos del siglo XVII, glorificando la práctica del coleccionismo como una actividad culta y sofisticada.

Si bien la estética del artista está en consonancia con las representaciones sencillas de la familia Francken, Stalbent muestra más ambición intelectual al ofrecer aquí un mensaje con contenido político.

Las dos figuras centrales contemplan una pintura que recuerda la destrucción de obras de arte por parte de los protestantes a finales del siglo XVI. Una Pintura en la pared del fondo muestra a Minerva y la Fama salvando a la Pintura del ataque de otra figura que representa a la Ignorancia. Son alusiones a cómo se protegieron las Ciencias y las Artes en los Países Bajos católicos pero no en el Norte protestante.

— Las Ciencias y las Artes. California. 1650. Óleo sobre tabla. Sala 077, Museo del Prado

La imagen en sí no muestra una galería real con imágenes reales:

En las mesas, distinguidos caballeros se ocupan de las ciencias. Para el trabajo se utilizan libros, globos terráqueos, mapas, brújulas, instrumentos musicales, conchillones y otros equipos. Ninguna de las personas presentes tiene rasgos figurativos. Brueghel también utiliza algunas de las pinturas que aparecen aquí para una nueva impresión en una imagen de galería simultánea y completamente alterada, por lo que es posible que no reconozcamos el retrato de una galería anteriormente existente en este trabajo. […]

Los cuadros de delante de la pared se disponen alrededor del grande del centro, cuyo contenido, junto con el del cuadro del suelo, también resaltado, nos ayuda a descifrar todo el tema. Allí abajo, unos hombres con cabeza de burro destrozan cuadros, instrumentos musicales y globos terráqueos en una sala que se parece a la integral.

— Matthias Ganador: "Gemalte Kunsttheorie. Zu Gustave Courbets "Allégorie réelle" und der Tradition" , Jahrbuch der Berliner Museen, 4. Bd. (1962), págs. 150–185.

Sin embargo, recordar que 'las imágenes en esa imagen' se usan en otra pintura también es cierto: la imagen completa se repite en una obra atribuida a Stalbemt y Brueghel:

La versión Prado:

Y la versión de Baltimore: — Adriaen van Stalbemt y Jan Brueghel (atribuidos), el archiduque Alberto y la archiduquesa Isabel en una galería ~ 1620. Óleo sobre tabla, 94,2 x 123,4 cm. Baltimore, Galería de Arte Walters, Inv.nr. 37.2010.

Descrito en detalle en:
— Victor Stoichita: "Cabinets d'amateurs et scénario iconoclaste dans la peinture anversoise du XVIIe siècle", en Serguiz Michalski (ed): "L'art et les Révolutions", Societe Alsacienne Développement des art Strasbourg, 1992 .pdf .pdf _

A continuación, se conocen una serie de imágenes para los topos principales y los temas menores:

Uno de los tipos de cuadros más intrigantes que surgieron en los Países Bajos durante la Edad de Oro muestra a los amantes del arte contemplando el arte en el gabinete de un coleccionista o en el estudio de un artista. Por ejemplo, una pintura de Jan Breughel el Viejo y Hieronymus Franken representa al archiduque Alberto y la archiduquesa Isabel junto con un grupo de hombres y mujeres elegantemente vestidos en un gabinete de colección.

A pesar de la verosimilitud de tales escenas, muchos elementos representados eran casi con certeza fantasiosos. En este caso, la grandiosidad del entorno arquitectónico no se corresponde con el tamaño de las residencias privadas de la época, y el hecho de que el mismo entorno se haya utilizado en otros dos cuadros que muestran a diferentes amantes del arte también sugiere que la escena es imaginaria.

En lugar de registros de eventos reales, tales imágenes eran presumiblemente variaciones de un tema popular. A los amantes del arte les debe haber gustado mirar fotos de otros amantes del arte contemplando el arte.

Una mirada cercana a la imagen de Breughel y Stalbemt presumiblemente animó a los amantes del arte a discutir las actitudes positivas y negativas hacia las artes liberales.

Una imagen dentro de esta imagen (ubicada de manera prominente en primer plano) muestra una contrapartida negativa de la escena principal: figuras rompiendo pinturas e instrumentos en el gabinete de un coleccionista (lo que recuerda la violenta iconoclastia de 1566, cuando muchas obras de arte fueron destruidas).

Si bien su ropa puede sugerir que estas figuras son humanas, sus cabezas las delatan: la figura que está de pie sobre la mesa es un burro, el que destroza las imágenes en el suelo es un mono, animales asociados con la ignorancia y la mala educación.

La actitud positiva de los amantes del arte en la escena principal se ve así reforzada por el contraste con la ignorancia y la grosería. Tales comparaciones explícitas son raras en las imágenes del siglo XVII de amantes del arte. La mayoría de ellos simplemente muestran a personas contemplando respetuosamente el arte sin una contrapartida negativa (cf. Pieter Codde, Amantes del arte en el estudio de un pintor, c. 1630 Staatsgalerie, Stuttgart).

Los amantes del arte representados suelen ir bien vestidos y parecen estudiar las obras a fondo, de vez en cuando desde muy cerca. Además, a menudo señalan las pinturas, lo que sugiere que están hablando de las obras. Sin embargo, a pesar de estas animadas referencias a conversaciones sobre arte, las pinturas mantienen un tentador silencio sobre lo que habría implicado exactamente una actitud tan interesada y respetuosa hacia las pinturas.

- Anna Tummers: "¿El pintor versus el conocedor? El mejor juez de imágenes en la teoría y la práctica del siglo XVII", en: Anna Tummers y Koenraad Jonckheere (eds): "Art Market and Connoisseurship. A Closer Look at Paintings by Rembrandt, Rubens y sus contemporáneos", Amsterdam University Press: Amsterdam, 2008. doi

Frans Francken II es entonces fundamental para el desarrollo:

Solo los ignorantes destruirían los objetos materiales con la vana suposición de que podrían purificar la religión. En ese sentido, es revelador que los burros iconoclastas en esta pintura de galería no se representen como figuras vivas sino como meras representaciones. En la pintura apoyada en una silla, cuatro hombres con cabeza de asno están destruyendo los objetos en un gabinete de coleccionista que no es diferente al gabinete de coleccionista real que es el tema de la pintura. Las figuras con cabeza de asno se han convertido en parte de la segunda capa de la exhibición de exhibición: esta imagen dentro de una imagen no es solo una reflexión sobre la pintura en sí misma sino también, a través de su tema, una reflexión sobre la exhibición de exhibición. Contrariamente a las acciones violentas de los iconoclastas (que están presentes meramente como una imagen),

— Marlise Rijks: "Defensores de la imagen. Gabinetes de coleccionistas pintados y exhibición de exhibición en la Contrarreforma de Amberes", en: H. Perry Chapman, Frits Scholten Joanna Woodall (eds): "Arts of Display. Het vertoon van de Kunst", Brill: Leiden, Boston, 2015.

El burro en el extremo derecho de la pintura de Francken: — Frans Francken el Joven (1581–1642), "A Collection" , 1619, óleo sobre tabla, 84 × 139 cm, Museo Real de Bellas Artes de Koninklijk

Y de nuevo los idiotas con cabeza de burro de la derecha en Francken: — Frans Francken II, "Kunstkabinett mit ikonoklastischen Eseln", um 1615 . (Imagen: Bayerische Staatsgemäldesammlungen – Staatsgalerie Neuburg) src

Como de costumbre, a la derecha los destructores del arte con cabeza de burro:

— Frans Francken el Joven (Amberes 1581–Amberes 1642) El gabinete de un coleccionista Firmado y fechado en 1617 Óleo sobre tabla | 76,7 x 119,1 cm (soporte, lienzo/panel/carril externo) | RCIN 405781

En cambio, las criaturas con cabeza de animal, los llamados "ânes iconoclastas", actúan de forma bárbara sobre un cuadro apoyado en una silla destruyendo cuadros e instrumentos musicales. Este motivo, inventado por Frans Francken el Joven y retomado una y otra vez, es probable que se entienda como un elemento satírico, una advertencia contra la tontería de ignorar el alto contenido humano de las artes. Es posible que el propio pintor tuviera en mente a los iconoclastas protestantes cuando desarrolló las figuras con cabeza de burro para las pinturas de su galería.

— John Anthony Nicholls: "Das Galeriebild im 18. Jahrhundert und Johann Zoffanys ”Tribuna“", disertación, Rheinischen Friedrich-Wilhelms-Universität zu Bonn, Bonn, 2006.

En cuanto a la veracidad de las imágenes presentadas en la galería: En el "Interior de la Galería Linder" ~1620, vemos un detalle oscuro en las lunetas sobre la vista del jardín, nuevamente con burros destructivos:

En la luneta sobre la ventana que da al jardín de la Galería Linder, puedes distinguir a algunas personas con cabezas de burro involucradas en actos de destrucción sin sentido. Están destrozando laúdes y globos y quitando cuadros de la pared. Estos “burros iconoclastas” se encuentran a menudo en las pinturas de las galerías de Amberes de principios del siglo XVII, y representan la ignorancia que destruye las artes y las ciencias y quizás también se remontan a la iconoclasia de Amberes de 1566, que tuvo un efecto profundo en los artistas de la ciudad. Algunos de los iconoclastas parecen estar vistiendo túnicas clericales y tienen rostros humanos. Es interesante que el efecto grisalla (único entre las representaciones de la iconoclasia) da la impresión de que los mismos iconoclastas están “pintados” fuera de la galería, no a la par de las otras pinturas que se muestran.

— ¿ Iconoclasia en la galería Linder?

En ese panorama general vemos libros con nombres legibles, con títulos que coinciden con los de Kepler. Pero la conexión que Brueghel tiene con esta pintura es que uno de los cuadros en la pared simplemente se parece a uno de los suyos, cayendo en un patrón:

La pintura pertenece al género de los cuadros de colecciones, que se inventó en Amberes. Fue encargado por Peter Linder, un comerciante alemán residente en Milán. Gorman y Marr fechan la pintura en la década de 1620, justo después de que Brueghel terminara su Alegoría del aire para Borromeo. Todavía se desconoce la identidad del pintor, pero debió ser un artista flamenco que conocía a fondo los talleres de Brueghel y los Francken en Amberes. Gorman y Marr argumentan que no se puede excluir que Brueghel estuviera involucrado de alguna manera con la comisión.

Brueghel no solo está representado por una pintura ficticia en el interior de la Galería Linder; era un amigo cercano de Ercole Bianchi, quien compró obras de Brueghel en nombre de Borromeo.

— Sven Dupré: "The Transnational Galileo: A Telescopic View from Somewhere", Nuncius Vol 28, 2013, p465–476, 2013 DOI 10.1163/18253911-02802004 (énfasis feo añadido)

La pintura en cuestión está en Wikipedia a veces llamada no "Anes iconoclastes" sino "Alegoría de iconoclams", en una versión de la gran imagen, ahora atribuida a Hieronymus Francken y la versión del anciano Brueghel de "Los archiduques Alberto e Isabel visitando un gabinete de coleccionista" . " . La versión de Alegoría de la iconoclasia" de Marcus Gheeraerts el Viejo (todas las atribuciones a él son inciertas, peor que con los otros pintores discutidos aquí hasta ahora) es mucho más antigua, pero parece bastante diferente en estilo, y no muestra un mono sino entre obispos varios monjes y una cabeza de monje podrida:

¿Se puede suponer, entonces, que se trata de una representación de una colección real y que registra una visita real de los Regentes? Probablemente no.Las grandiosas proporciones de la sala y la extraordinaria riqueza y variedad de su mobiliario argumentan en contra de esto. Parece más probable que la pintura de Baltimore transformara el escenario prefabricado en un tributo a Albert e Isabella como mecenas de las artes y el aprendizaje. Recíprocamente, la presencia de los Regentes dignifica las artes y los quehaceres intelectuales. En contraste con su protección ilustrada está el comportamiento bárbaro de las criaturas con cabeza de animal que destruyen pinturas e instrumentos musicales en la pintura del suelo cerca del centro de la composición. Este tema, uno de los favoritos de Frans Francken II, transmite satíricamente el mismo mensaje que la imagen de la galería proclama de manera positiva. El arte pertenece a las funciones superiores de la humanidad. Destruirlo es estúpido y bestial.

— Madlyn Millner Kahr: "Velázquez and Las Meninas", The Art Bulletin, Vol 57, No 2, p225–246, 1975 DOI:10.1080/00043079.1975.10787153

Más sin rodeos al grano:

Casi al mismo tiempo que el apogeo de las pinturas de gabinete de figuras pequeñas alrededor de 1600, sus colecciones también se convirtieron en el tema de las pinturas de pequeño formato. 11Francisco Francken II. (1581-1642) es considerado el inventor del cuadro de galería, aunque no hay pruebas de ello. Ursula Härting fechó la creación de este género de pintura entre 1605 (Francken's Freimeisterschaft) y 1610 (el tiempo aproximado de creación de pinturas de galería ya distintas, por ejemplo, su "Interior de galería con R. Dodoens" [Colección de Lande-Long], el " Interior de la galería con Justus Lipsius y Abraham Ortelius" [Colección Widener] o el "Interior de la galería con Justus Lipsius" [Subasta de Bruselas 1959]). La imagen de galería más antigua (1612) fue creada en colaboración entre Francken y Jan Brueghel el Viejo; muestra una "Cámara de Arte con Discutiendo Académicos".

Ya en las primeras imágenes de galería, los siguientes aspectos son decisivos: a pesar de las personas identificables, se presentan colecciones ficticias. Todos los géneros pictóricos están representados, pero la pintura de género se descuida en gran medida. Se dio preferencia a las representaciones de temas bíblicos, que se agrupan alrededor de una pintura de historia más grande que cuelga en el centro de la pared del fondo; en las pinturas de la galería de Francken, las pinturas siempre son una composición propia. En su mayoría son obras flamencas al estilo de Osias Beert, Paul Bril, Joost de Momper, Peeter Neeffs, Clara Peeters o Sebastian Vrancx. Además de los cuadros colgados en la pared, se muestran cuadros individuales de pie en el suelo, así como estatuillas, jarrones con flores, conchas y monedas sobre mesas y semiarmarios. […]

Comparada con la Kunstkammer, la galería se caracteriza por una exhibición preferencial de obras de bellas artes, especialmente numerosas pinturas, así como por un diseño monumental y representativo del interior. Diferentes figuras del personal asignaron las pinturas a diferentes géneros y niveles de representación: uno reconoce a académicos que discuten, amantes del arte, visitantes adinerados, incluidas personalidades y dignatarios a veces identificables, pintores frente al caballete, marchantes de arte, coleccionistas y colecciones supuestamente identificables ,o incluso figuras mitológicas. Que la representación de una galería y las personas presentes en ella solo podían tener una relación vaga se aclara al comparar la pintura Ciencia y arte de Adriaen van Stalbemt (Madrid, Museo del Prado) con La visita del archiduque Alberto y su esposa Isabella a un Collector (Baltimore, Walters Art Gallery), obra fechada hacia 1620 por el mismo pintor en colaboración con Jan Brueghel el Viejo. La habitación y su mobiliario son idénticos, solo el retrato de grupo en el centro y las figuras individuales del personal fueron utilizadas por Brueghel en el segundo caso.

El tema se puede encontrar no solo en pinturas sino también en dibujos, por ejemplo, en Frans Francken II, "Painting Gallery with Painter before the Easel" (Washington, National Gallery of Art), Frans o Hieronymus Francken, Idea Sketch for the Gallery Picture Snellinck (Londres, Museo Británico) o Joseph Arnold, "Die Kunstkammer der Regensburger Gußeisenhändler- und Gewerkenfamilie Dimpfel", antes de 1671, colores opacos (Ulm, Ulmer Museum). En la colección Carniola de Johann Weichard Freiherr von Valvasor (Zagreb, Archivos del Estado de Croacia), un dibujo preparatorio de lavado en grafito para la primera versión (vienés) de las imágenes de la galería de David Teniers el Joven, c. 1650, se ha conservado; ya se indica la posición y un dibujo interno esquemático de las pinturas individuales reproducidas en él.

— Dieter Beaujean, Galeriebild, en: RDK Labor (2017), [09.02.2021]

Para aquellos alérgicos a leer sobre alegorías en citas de artículos académicos, aquí hay una conferencia en video realizada por James Simpson del Museo Peabody, "esto es algo nuevo"...:

Entonces hay una imagen, y es esta de aquí abajo, que es excepcional a las otras imágenes, que es oblicua a todas las demás, y es esta imagen de aquí, que representa una escena de iconoclasia. En 1566 hubo un período de iconoclastia salvaje y sin licencia en los Países Bajos, y hay iconoclastas pintados como burros destruyendo instrumentos musicales, destruyendo pinturas.

— James Simpson: "Destruir imágenes: Iconoclasia actual en contexto" ( original ; ahora en Youtube, min47–51 ), 2016.