Sé lo que es una mala foto, entonces, ¿por qué sigo tomándolas?

Práctica práctica práctica. Esto es algo que me propuse hacer y está progresando, aunque no tan fácilmente como se esperaba.

Al igual que usted, decidí simplemente no tomar las malas tomas después de haber desarrollado un ojo para lo que es una buena foto en mi visión. Empecé con una proporción de alrededor de 100:1 antes de saber lo que es una buena foto. Con una mejor idea de la exposición y la composición, no tardé mucho en llegar a 10:1, pero de ahí ha sido muy difícil, me llevó años llegar a 8:1 y ahora alrededor de 6:1. Tenga en cuenta que esta es una proporción promedio y algunas situaciones son simplemente más difíciles. Cuanto más movimiento haya en la escena, mayor será la proporción de errores y éxitos.

Cosas que marcaron la mayor diferencia:

1. Pre-visualización. Mirar elementos a tu alrededor y decidir si hay suficiente para hacer una escena.
2. Inspeccionando todo el cuadro. La mayoría de las personas disparan cuando ven algo que les gusta en el encuadre. Es mucho mejor disparar cuando solo ves algo que te gusta en el encuadre.
3. Bordes revisados ​​dos veces. Usar una cámara con un visor de cobertura del 100 % es un gran alivio para esto. Me aseguro de que nada ni nadie cruce el borde de mis encuadres, a menos que se disparen patrones de objetos o multitudes.
4. Presione el obturador lentamente. Mientras suelta el obturador, observe cuidadosamente si algo se acerca al borde de su marco y si su cámara está nivelada y asegúrese de que permanezca así.
5. Aprende a ver la luz en una escena. Particularmente contraste, ya que las cámaras tienen un rango dinámico limitado. Tendrá una mejor idea de cuándo una toma no se puede exponer correctamente. Ahora suelo prestar especial atención a la hora del día y en qué dirección está mirando un sujeto para adivinar cuándo le dará mejor la luz, ya que la luz cambia a lo largo del día.
6. Revisa tus tomas lo antes posible. Aprende de ellos y repite. Esto es esencial al pasar el nivel 10:1. Muchas tomas parecían pensadas en ese momento, pero al verlas en contexto, comencé a ver por qué algunas eran mejores.

Totalmente no soy un experto en fotografía, pero aun así me gustaría ofrecer mis 2¢. El error que suelo cometer es incluir demasiada parte de la imagen que no es relevante para la escena, solo porque hay algunos detalles agradables allí. En general, eso suele significar "demasiada tierra, poco cielo" o "tengo que mirar 'hacia arriba' para ver el horizonte". En tu caso, siento que te enfocas demasiado en las algas en la acera (que estoy de acuerdo se ve bien como elemento, pero no necesariamente la única característica interesante en tu foto). El problema con eso es que extrañas por completo a la persona sentada en el borde. Y si incluye un poco de algas, pero aún en proporción con el resto de los elementos de la imagen, sigue siendo un buen toque.

Considere el siguiente cultivo en su lugar

Los fotógrafos profesionales pueden no estar de acuerdo, pero para mí este es un enfoque más interesante del conjunto.

En primer lugar, simula lo que realmente haríasver como un ser humano. El foco es el niño. Todo a su alrededor, en la visión de la vida real, se desvanece en una resolución completamente baja; tendrías que enfocarte en la escena para ver otros detalles. Además, tendemos a percibir las cosas más a lo largo de un eje horizontal que en un eje vertical. Esta es la razón por la que las fotos de relación amplia funcionan mejor (en mi opinión). Simplemente se sienten más 'naturales'. También es por eso que los humanos en general tienden a ignorar las cosas que suceden por encima o por debajo de su campo visual (a menos que sean realmente tímidos). De hecho, esa es la otra cosa acerca de incluir demasiados 'detalles de fondo': el observador tiene la incómoda sensación de que estaba agachando la cabeza por timidez. Al enfocarte en el nivel del horizonte, literalmente levantas la mirada del espectador y también su espíritu. Tú'en la escena ahora, no es solo algo que sucede en el fondo mientras miras tímidamente al suelo.

En segundo lugar, de repente, hay muchos elementos interesantes aquí que se mantienen aislados cuando te preocupas de buscarlos. Las algas, los arbustos, la luz, los edificios y el horizonte, etc. También hay algunas simetrías de línea agradables en juego (regla de los tercios en términos de mar/edificios/cielo, así como las líneas de 'punto de fuga' causadas por el paseo marítimo , barandillas y copas de los árboles). Además, el niño es el 'foco central', pero tampoco el 'punto muerto', que sería el equivalente a un tiro de un equipo de fútbol.

Por último, como señaló otra persona, hay una gran cantidad de procesamiento posterior agradable que resaltará los elementos (he realizado un procesamiento posterior muy básico aquí en GIMP como ejemplo): contraste / brillo, para resaltar más detalles en el por lo demás follaje oscuro; balance de blancos / estirar hsv para deshacerse de esa textura aburrida y ruidosa en general; juegue con el equilibrio de color para resaltar ese bonito rosa en el cielo y el contraste con los arbustos verdes y la acera azulada. Y, por último, puede simular la profundidad de campo desenfocando un poco los bordes de la imagen; esto simula toda la "baja resolución a medida que te desenfocas" que se siente natural para la visión humana, y también ayuda al espectador a sentir mentalmente que el niño es de hecho el foco de la imagen, en lugar de una gran colección de cosas que suceden, todo igualmente ponderado.

EDITAR: muestra dos posibles interpretaciones / enfoques más de la foto, según los comentarios a continuación:

Izquierda : Centrarse en la textura (intento de fondo de escritorio). Derecha : Ángulo de cámara inferior simulado

Tu foto también se parece mucho a mis fotos de "ojalá lo hubiera hecho mejor". Lo primero que me viene a la mente es que estás tratando de equilibrar un par de ideas/reglas y terminas siendo soso. Como el que tiene un pie en la barca y el otro en el muelle: si no te comprometes con lo uno o con lo otro, te caes al agua.

En este caso, si realmente quisieras concentrarte en el agua, me habría puesto de rodillas y codos para acercarme mucho al agua y al musgo. Tal vez haga zoom un poco para hacer los edificios más grandes.

O sostenga la cámara sobre el agua pero apúntela más hacia la derecha. Recorta el paisaje urbano por completo y concéntrate en el agua y el contraste con el camino/las luces/el cemento.

Tienes tu línea de retroceso/convergencia en la orilla del agua, el agua expuesta en el tiempo, el paisaje urbano, el grafiti/hormigón, el camino y las luces... y todo se funde en un medio-de-la- guiso de camino. Lo he hecho mucho con videos en los que, por ejemplo, estoy tratando de entrevistar a alguien y tratando de equilibrar el fondo, etc., etc., y de alguna manera convencerme de que una pared en blanco detrás de ellos funciona.

Bueno, el primer pensamiento que tendría es que esto está rogando por un procesamiento posterior.

Estás desperdiciando por completo los reflejos en esa imagen que esconde un cielo fabuloso. Hay muchas formas de resaltar esos reflejos sin perder los medios tonos y las sombras.

La imagen que publicaste está bien, pero no la has explotado en todo su potencial. El posprocesamiento ofrece enormes oportunidades para obtener el máximo impacto de lo que captura (incluidas excelentes opciones en blanco y negro de cualquier toma en color).

Esto es lo que producen algunos trabajos en GIMP (desde su JPEG cargado básico) y tenga en cuenta que este no es el archivo de mejor calidad para comenzar a trabajar.

En general, es posible que deba pensar en disparar como solo la primera parte de producir una toma. Luego trabajas en él para extraer lo que quieres/sientes cuando disparas.

No siempre es posible conseguir lo que quieres. Algunas tomas parecen mejores ideas cuando disparas que más tarde. Pero siento que puede estar descuidando mucho potencial al no seguir con un procesamiento posterior básico.

Voy a agregar mis 2¢ también, incluso si es probable que repita lo que otros han dicho.

POST PROCESAMIENTO FTW!!!

No debería avergonzarse / asustarse del procesamiento posterior. Incluso antes de que los fotógrafos profesionales digitales publicaran sus imágenes. También toman cientos de imágenes y seleccionan solo algunas para presentar, así que tenga en cuenta que incluso descartan 99 de 100 imágenes (he inventado ese número, pero estoy seguro de que no está demasiado lejos).

Me di cuenta de esto por primera vez cuando compré mi primera DSLR. Todas las imágenes salieron insípidas en comparación con mi objetivo y disparo de gama alta . Eventualmente me di cuenta de que mi apuntar y disparar probablemente estaba haciendo más procesamiento posterior en la cámara para hacer que mis imágenes resaltaran más. Por supuesto, solo imágenes más contrastadas no significa que mi composición fuera buena, pero fue una señal de que el procesamiento posterior es importante.

Solía ​​publicar el proceso a veces en Photoshop, pero recomiendo encarecidamente Adobe Lightroom porque está diseñado para permitirle publicar rápidamente muchas imágenes. Puedo revisar las imágenes y retocarlas al menos 30 veces más rápido en Lightroom que en Photoshop y al menos probar las cosas es muy fácil. Puedo salir, tomar de 30 a 100 imágenes, regresar y mirarlas todas, probar diferentes cosas en muchas de ellas y elegir algunas para presentarlas en menos de 30 minutos.

No soy un profesional de ninguna manera, pero aquí está mi intento de postprocesar tu foto en Lightroom. No estoy afirmando que esto sea bueno, pero explicaré por qué/cómo llegué a esto, ya que tal vez enumerar mis pasos sea útil.

Primero intenté simplemente ajustar la exposición, el contraste, la claridad y la configuración relacionada. Tal vez porque no soy un profesional, pero nada de lo que hice hizo que la imagen funcionara para mí. Supongo que personalmente quería que tuviera más contraste, pero no me gustaba hacia dónde iba. Si eso es solo gusto o mi falta de habilidades con Lightroom o el bajo contraste de la imagen, no estoy seguro.

Probé varios ajustes preestablecidos y blanco y negro, pero no estaba muy seguro, no me funcionaba.

Luego intenté recortar el lado izquierdo de la imagen. Para mí, los edificios altos de la izquierda eran una distracción. He visto muchos consejos de que, a menudo, cuanto menos cargada sea una imagen, mejor. Desafortunadamente, cuando hice eso, la imagen no parecía funcionar sin más agua frente a la costa.

Entonces, noté a la persona en la imagen, ¿es ese el sujeto? La mayoría de las veces, cuando hay una persona en una imagen, termina siendo el sujeto, aunque yo no quisiera que lo hiciera. Sin embargo, al ser tan pequeño, era difícil ver a la persona.

Recorté más ancho que esto al principio. Nuevamente noté cosas que me distrajeron. Los edificios todavía estaban a la izquierda, así que los recorté. Entonces noté el graffiti en el concreto. Era grande y contrastante y parecía otra distracción, así que lo recorté. Luego ajusté los colores nuevamente y me decidí por un mayor contraste en blanco y negro, aumenté un poco la claridad y agregué un poco de viñeteado para enfocar a la persona. En ese momento, la lámpara debajo de los árboles también parecía una distracción. Recortando eso, estaba personalmente feliz con eso. Podría haber preferido que la persona estuviera más descentrada, con más agua al frente, pero eso habría vuelto a poner los edificios en la imagen. O eso o podría haber recortado más a la derecha, pero sentí que ya había recortado tanto que probablemente no podría ir allí.

Ya sea que te guste o no el resultado, el punto que quería señalar es que el procesamiento posterior y el recorte son tus amigos.

Su pregunta y explicación implica por qué . No puedo comenzar a responder esa pregunta aquí. Nadie puede. Incluso podría estar fuera de tema; pero, es una de las preguntas más intrigantes.

Cada fotografía responde a su propio "por qué"; sin embargo, te propongo una situación que quizás te permita decidir mejor por ti mismo:

La próxima vez que vayas a capturar tu milagro, limítate a un solo disparo .

Mi razonamiento basado en la experiencia : durante años, tuve un soporte para películas y una cámara de visualización de 8"x10". Descubrí que mi elección de cuándo hacer mi tiro se volvió diferente de cuando tenía la capacidad de hacer muchos. El (esfuerzo de usar una) cámara de visualización en el campo cambió la forma en que configuré, apunté, enfoqué y expuse mi única toma. El alto costo de la película y el largo tiempo necesario para procesar mi película a mano cambiaron el valor de la toma. Tuve que planificar quién, qué, dónde, cuándo y cómo incluso antes de levantar mis bolsas de equipo.

Este ejercicio (no es broma) me permitió examinar cuidadosamente mi respuesta a por qué estaba a punto de presionar el disparador.

Intentalo. Esa es mi sugerencia sobre cómo responder a su pregunta de por qué .

Esta es la misma imagen recortada para seguir la regla de los tercios. Puede tener en cuenta la regla de los tercios cuando lo tome por primera vez.

En la foto original, la mitad izquierda es agua y la mitad derecha es tierra, que es como una división gigante por la mitad. Así que el espectador tiene que elegir entre izquierda y derecha. Es como si el artista estuviera presentando una elección al espectador: izquierda o derecha. Podría haber un momento para esto (creo que la palabra es "yuxtaposición"), si desea comparar deliberadamente dos cosas. Pero estas dos cosas no buscan ser contrastadas o comparadas, por lo que el espectador simplemente está confundido.

Y verticalmente, creo que los edificios están demasiado lejos, casi como una ocurrencia tardía, lo que deja la parte inferior izquierda muy vacía. Así que verticalmente está desequilibrado. Y horizontalmente estaba demasiado centrado. 3rds ofrece un buen equilibrio entre "demasiado lejos" y "demasiado centrado".

Cosas para pensar:

• El dominio de la técnica es primordial. Olvídate del "arte". Vuelve a leer el manual de tu cámara.

• ¿Has calibrado el color de tu cámara? ¿Has medido los niveles de luz en la escena? ¿Obtuviste el espectro de luz ambiental y superior para tu escena?

• La escena está sobresaturada en azul debido a la luz del atardecer. Deberías haber usado un filtro para bloquear esta luz. El ojo humano hace esto naturalmente. Si quieres que una foto se vea bien, tienes que hacer lo que hace el ojo: bloquear las sobresaturaciones y equilibrar el color. Esto se puede hacer con precisión con filtros técnicos y un espectrómetro, o puede improvisar con experiencia.

• La imagen está desenfocada (excepto el primer plano). Algunas personas piensan que las imágenes fuera de foco son geniales. Trato de hacer lo que hace el ojo: mantener todo enfocado. Difícil conseguir algo más básico que eso. Enfoque.

• La exposición es mala. Los árboles están oscurecidos y el agua tiene resplandor. Obtenga más información sobre el horquillado de exposición y la composición de varias imágenes con diferentes exposiciones. Mejor aún, aprenda a usar sus lentes y cámaras para obtener la mejor exposición posible en cada imagen. HDR no es mágico, si introduce imágenes malas, obtendrá malas composiciones.

• Estás disparando en la escena. La mayoría de las cosas se ven horribles cuando las miras con desprecio. Intenta mirar hacia arriba en su lugar. Cuando tomo fotos de personas, me arrodillo.

Cierra un ojo antes de tomar la foto. Algunas imágenes pueden verse espectaculares cuando se ven en el glorioso 3-D que te dan tus dos ojos, pero son un poco más apagadas o aburridas en el 2-D aplanado que aparece en una fotografía.

Cerrar un ojo le muestra cómo se ve en 2-D y, por lo tanto, es una mejor representación de la foto.

En pocas palabras, la fotografía es diferente de la visión humana. El cerebro hace mucho preprocesamiento, posprocesamiento, llena los espacios, etc. Produce una imagen "idealizada" en la mente. La cámara es básicamente un globo ocular. No podrá capturar "lo que ve" con una cámara. Entonces, haga lo que hace el cerebro: tome muchas imágenes, ignore la mayoría y manipule las que son buenas.

Soy fotógrafo callejero, por lo que mi proporción de "buenas" tomas es trivial (quizás 1:100). Mi definición de una buena toma no es solo una toma enfocada o con una composición decente, sino una toma que es más que el contenido. Este tipo de tomas dependen de modificar algo dentro del espectador que hace que la toma sea significativa de alguna manera, intelectual, psicológica o emocionalmente.

Mis tomas 'malas' son aquellas que no tienen ese algo extra, las tomas 'buenas' son aquellas que resuenan no solo conmigo sino, espero, con las mentes de una buena proporción de los espectadores. El buen tiro pega en puntos universales.

La respuesta a por qué es porque entender una buena foto y tomar una son habilidades diferentes. Piénsalo de esta manera: ¿puedes decir cuándo alguien toca mal un instrumento musical? Probablemente. ¿Puedes tocar ese mismo instrumento mejor? A menos que haya realizado algún entrenamiento en ese instrumento en particular, probablemente no. ¿Alguna vez has pensado que un largometraje es malo? ¡Tengo! ¿Podría escribir, dirigir o actuar bien en un largometraje? No.

Las habilidades involucradas en criticar una foto tienen que ver con reconocer cosas como la composición, la iluminación, el enfoque, etc. Las habilidades involucradas en tomar una foto tienen que ver con capturar una buena composición con buena iluminación y buen enfoque.

La forma de mejorar en la mayoría de las cosas es con práctica deliberada . Elija una pieza del rompecabezas con la que tenga problemas y tome un montón de fotos en las que intente mejorar ese aspecto. Hice esto con el enfoque, por ejemplo. Estaba teniendo muchos problemas con el enfoque en mis imágenes, así que leí sobre diferentes técnicas para mejorar el enfoque. Luego salí y tomé un montón de fotos en las que traté de mejorar el enfoque en la toma usando esas técnicas. Eventualmente llegué a un punto en el que estaba feliz con lo que estaba capturando y era hora de mejorar lo siguiente en mi lista.

Hace unos 15 años tomé un curso de fotografía. Seguíamos usando película, ya que las cámaras SLR digitales eran demasiado caras. Uno de nuestros maestros nos dijo que no esperáramos más de una buena toma por rollo de película (de 36 tomas). Esto significaba que cargar un rollo en la cámara, tomar fotos y revelar la película daría como resultado, como máximo, una toma utilizable.

Creo que la misma regla todavía se aplica hoy. Tienes que tomar montones, montones de fotografías para obtener sólo un par de buenas. Después de años de práctica, esta proporción mejorará ligeramente, pero espere tomar muchas fotos malas y solo unas pocas buenas.

Se parece mucho a que eres un fotógrafo de paisaje/calle/arquitectura. Algunas reflexiones para esta disciplina.

Cuando encuentre una escena que le atraiga, intente fotografiar algunas perspectivas totalmente diferentes en lugar de solo la que parece ganadora . A menudo, la mejor imagen se trata más de capturar alguna cualidad inefable de la escena que de ser técnicamente interesante .

Otro gran ejercicio es disparar con una sola distancia focal por un tiempo, eventualmente con la práctica podrás anticipar las imágenes antes de levantar la cámara.

Esto siempre requiere práctica, para todos, incluso para los maestros.

Nadie toma imágenes 100% perfectas.

Teniendo en cuenta la foto en la pregunta. Las exposiciones largas por la noche tienden a tener una luz incolora muy plana, aunque a los ojos del fotógrafo se ven fabulosamente coloridas. Probablemente viste colores increíbles reflejados en el agua y presentes en el cielo que dieron sentido a esta composición.

Creo que se necesitan fotos "malas" para comparar. Sin prueba y error, uno no sería capaz de definir lo que es bueno o malo.

En mi opinión habría que combinar los avances de ambos: la impulsividad y la fotografía más reflexiva. Por lo tanto, se recomienda encarecidamente llevar una cámara de bolsillo (o una cámara de teléfono de buena calidad) con usted todo el tiempo. Siga tomando instantáneas impulsivas de cualquier cosa que le interese y luego, si tiene tiempo, verifique los resultados allí mismo y vea si puede hacerlo mejor. No es necesario guardar todas las fotos tomadas.

¡Además, consume imágenes! Personalmente, aprendí más sobre fotografía cuando participé en el desafío de la imagen 365 en las redes sociales, donde un grupo de personas intenta tomar una foto cada día del año, publicarlas en un grupo y discutir sobre ellas. Ver fotografías tomadas por otros y recibir algunos comentarios es el proceso más gratificante y educativo.

El arte es algo que puedes aprender y mejorar constantemente. No es que no dejes de hacer malas fotos (aunque sí, algún que otro error seguirá apareciendo), es que tu opinión sobre lo "bueno" y lo "malo" cambia drásticamente a medida que aumenta tu habilidad.

Hago fotografía profesionalmente como un trabajo secundario y tengo fotos que descarto como "malas" que otros piensan que son fotos geniales. Del mismo modo, si reviso fotos antiguas, me pregunto cómo pensé que muchas de mis primeras fotos eran buenas.

En mi experiencia, las tasas de aciertos mejoran bastante, pero nunca te deshaces de las fotos "malas" por completo porque parte del proceso de aprendizaje es capturar imágenes y luego ver qué funcionó y qué no. A medida que aprende más sobre lo que funciona y lo que no, evita las cosas que sabe que no funcionan y la calidad aumenta, pero también lo hace su habilidad, por lo que comienza a buscar cosas nuevas para descalificar su trabajo como "malo". ".

La proporción de aciertos y errores es más pronunciada al fotografiar personas, especialmente más adelante en el desarrollo de su habilidad, ya que las personas tienen momentos mucho más fugaces en los que se pueden tomar excelentes fotos, pero el principio aún se aplica a los paisajes. Personalmente, en este punto, generalmente llego a una proporción de 1:5 para bodegones y entre 1:5 y 1:10 para eventos. (De ninguna manera soy un profesional de alto nivel, pero me clasificaría en el medio del grupo en el ámbito profesional). Sin embargo, mi punto es que incluso cuando te vuelves realmente bueno en el oficio, todavía tienes muchas fallas. porque estás constantemente subiendo el listón para hacerlo mejor. (También depende de lo que considere éxitos. Para mí, cualquier cosa que califique con 5 estrellas cuenta como un éxito, pero todavía hay una gran variedad dentro de ese rango).

Una tasa de aciertos de 1:10 para bodegones es bastante respetable. Simplemente significa que todavía estás aprendiendo a un ritmo rápido. Es bueno que todavía estés aprendiendo a mejorar en lugar de algo malo que "todavía tomas malas fotos". Solo es algo realmente malo si puedes mirar hacia atrás en tus fotos de hace 5 o 10 años y no ver lo lejos que has llegado en ese tiempo.

Aquí están mis pensamientos divagantes:

Creo que la idea de una imagen "buena" o "mala" es contextual: si planeabas exhibir la imagen de arriba, entonces sí, es mala. Si simplemente estabas tomando una foto del área con una cámara de película y no ibas a procesarla tú mismo después, entonces está bien. Pero si, como yo, al tomar fotografías digitales encuentra que las primeras 6-8 son fotografías de "calentamiento", entonces este es un buen comienzo. Desde aquí bajaría más, pondría algo en primer plano para ayudar a atraer la atención de los espectadores hacia la escena (rocas, más musgo, un bote). Descubrí que cuando tomo fotos de película, simplemente quiero que la escena esté enfocada y no oscura, pero cuando tomo fotos digitales, quiero que toda la escena esté enfocada, las luces recuperadas, las sombras visibles, etc.

Cuando tomo una foto de película, siempre pienso para mis adentros "¿Me encanta esta composición/luz/contraste/lo que sea". Si no, o tengo que pensarlo, entonces no tomo la foto, pero trato de encontrar la razón por la que puse la cámara en mi ojo en primer lugar dentro del cuadro y me concentro en eso. Hago fotografías de paisajes, así que esto es más fácil que la fotografía de personas/mascotas/deportes. También trato de mantener esta mentalidad con la fotografía digital, a menudo tomo una foto digital y simplemente acepto que la luz es correcta, etc. A menudo no veo la imagen hasta que vuelvo a la PC.

A menudo, trato de "ver" la escena primero, no me refiero solo a las cosas técnicas, sino a ver y sentir la escena: ¿hay una brisa moviendo los árboles? ¿Quiero capturarla? ¿Hay bandadas de pájaros alrededor, de dónde viene la luz, cómo son las nubes? Si esta será una exposición larga (como la tuya), ¿qué harán las nubes? ¿En qué dirección se están moviendo? etc. Es un proceso meditativo; Estoy tratando de capturar la esencia de una escena. Muchas veces es más fácil hacer clic en el botón y depender de Photoshop/Lightroom después. Personalmente, usar la cámara es lo último que hago cuando tomo una foto en el campo.

Nunca he borrado una imagen; Encuentro que los "basura" son de los que más se aprende. Y a menudo, mirar imágenes que pensé que eran basura hace 5 años con nuevos ojos te hace apreciarlas más.

Al igual que tú, yo también sufro de una frustrante incapacidad para producir "buenas" fotos. Admitió que es un 'estudiante de doctorado que estudia la neurociencia cognitiva de la visión'. Quizás pueda ayudarlo a apreciar su situación desde el lado "científico":

Cuando decide tomar una fotografía, experimenta todo el entorno de una escena de primera mano. Tus ojos y tu cerebro están haciendo un trabajo fantástico al resolver lo que más te interesa, pero otras partes de tu cerebro/cuerpo también están haciendo contribuciones enormes y poco apreciadas.

Estás oliendo el aire, sintiendo la temperatura, absorbiendo toda la escena mientras giras la cabeza; su estado de ánimo en ese momento y las personas que están o no presentes también influyen en sus sentimientos en ese momento.

Cuando llegas a casa, a tu fotografía le faltan todos esos datos "adicionales". A pesar de que puede ser una medida muy precisa de los fotones en la escena, su imagen yace allí, muerta, como la foto de las vacaciones de un extraño.

La cámara ha aplanado la gama de colores y el rango de exposición. No tiene la capacidad de resaltar y mejorar esas pequeñas partes de la escena que su ojo/cerebro hizo instantánea e instintivamente. La cámara ignoró por completo el olor del aire y el toque de la brisa en tus mejillas. Te quedas, junto con tus espectadores, con algo menos que una vista a través de un simple tubo de cartón.

Hasta que desarrollemos un dispositivo que capture toda esta información adicional, debemos apoyarnos en Art para ayudar a recrear ese estado de ánimo. Las técnicas artísticas extraídas de miles de años de experiencia humana pueden ayudar a insinuar o inculcar sentimientos desconocidos para la cámara. La composición, la mejora del color, el enfoque, la iluminación y muchos más pueden ayudar a compensar las pérdidas, pero requieren habilidad para usarlos.

Con ganas, paciencia y tiempo puedes aprender a utilizar las técnicas artísticas que pueden ayudarte a compensar lo filtrado de tu experiencia.

Deséanos suerte a los dos.

Creo que tiene razón en que no puede "ver el bosque por los árboles", lo que también se conoce como "visión de túnel" o, en combate, especialmente en la aviación de combate, como "fijación de objetivos".

Tengo el mismo problema en otro dominio, diseño de software y hardware, lo que hace que me obsesione con componentes a menudo triviales y termino con un diseño demasiado complejo y frágil... que luego me quemo y empiezo de nuevo con algo mejor. integrado y más simple.

Yo también iba originalmente a las ciencias cognitivas, pero las computadoras pagaban mucho mejor en los años 80, pero sigo participando. Nadie ha investigado más sobre la percepción y la toma de decisiones que los militares, así que revisé fuentes militares para ver cómo obtener fuera de mi enlace de diseño.

El ejército entrena a los pilotos para que rompan la fijación del objetivo obligándose a apartar la mirada del objetivo, a menudo por encima del hombro, y luego de nuevo. Esto se realiza constantemente, la cabeza del piloto nunca está quieta. Podría ser el origen real del término "cuello de goma"

Un método secundario es mirar ligeramente hacia otro lado y luego hacia atrás, pero fijándose en una parte diferente del objetivo, por ejemplo, la punta del ala izquierda.

Ambos métodos parecen funcionar forzando una reevaluación del objetivo en su totalidad. El primer método parece hacer que el cerebro vea el objetivo como algo nuevo. También fomenta la conciencia del objetivo dentro del contexto total del espacio de batalla, lo que permite al piloto decidir mejor si el objetivo es realmente la prioridad. El segundo método va más bien al revés, provocando una reevaluación de abajo hacia arriba, que vincula las partes más pequeñas con el todo mayor y el espacio de batalla en general.

En el caso de la fotografía, uno apartaría la vista de la imagen objetivo que se muestra en la cámara y/o enfocaría intencionalmente su atención en subáreas aleatorias del área enfocada. Mirar hacia otro lado y alrededor activaría la reevaluación y lo ayudaría a evaluar con qué fuerza el general... llámelo "espacio estético"... influye en su percepción de la calidad del área real fotografiada. Centrarse en subáreas aleatorias podría desencadenar una mejor conciencia de la composición interna, la creada por los diversos elementos dentro de la foto más grande.

Sin embargo, todo es solo una suposición. No tengo conocimiento de ninguna investigación sobre el tema, pero he tenido éxito con ella.

¿Qué es lo que te gustaría mostrar? El movimiento del agua, la puesta de sol, la naturaleza/los árboles, las líneas, los colores, etc.

¿Qué posición o ángulo mejoraría la toma? Por ejemplo, su cámara está apuntando un poco hacia abajo, lo que hace que los postes de la cerca no estén en posición vertical. Si el enfoque fueran quizás las líneas, entonces quizás estas funcionarían mejor en posición vertical, más agradables a la vista.

Trípode, no te apresures, toma más de una foto. Cuando mire a través del visor/pantalla LCD, visualice la imagen final.

Un dicho:

La persona toma la gran foto, Photoshop puede hacerla increíble.

Si la foto no es nítida, tiene una mala composición, etc., Photoshop no puede ayudar.

Jugar: La fotografía es divertida, a algunos de nosotros nos pagan por hacerlo, sigue siendo divertido. Algunos consejos:

disparo remoto del trípode o configure la cámara en obturador de 2 segundos use el zoom en la pantalla LCD para obtener la imagen realmente nítida para tomas amplias como su publicación, obtenga esa apertura pequeña. f22, etc. intenta hacer fotos desde diferentes alturas, desde el suelo/cintura/cabeza, etc. intenta hacer fotos manteniendo la cámara perfectamente nivelada, mira el resultado si no tienes un trípode, apoya los brazos en un objeto, apóyate contra algo. finalmente: aprende todo lo que puedas sobre tu cámara y juega/juega/juega

¿Qué haces que te permite pensar críticamente y ver toda la escena objetivamente antes de desperdiciar película o megabytes?

Confirmo la presencia de componentes básicos como la calidad de la luz, un tema que puedo aislar y priorizar visualmente , la ventana de tiempo ideal y, por último, pero no menos importante, es incluso interesante.

Ya que soy completamente capaz de identificar una mala foto, ¿por qué no puedo dejar de presionar el botón del obturador cuando la veo en el visor?

Por todos los medios, presiónalo. Entonces busca algo mejor. Está bien abandonar su tema/enfoque original.

¿Será que los grandes como W. Eugene Smith de alguna manera aprendieron a ver rápidamente cada parte de una escena y pudieron decidir si era una buena toma o no antes de que pasara el momento? ¿Es esta una habilidad que está naturalmente presente en algunas personas, o la mayoría de los fotógrafos tienen que hacer algún tipo de entrenamiento ocular riguroso para lograrlo?

No tienes que ser un grande. Hago esto, pero gran parte del pensamiento es realmente previsión y anticipación. Ligero, puedes evaluar constantemente a medida que avanzas. Ir hacia o permanecer en la buena luz. Administre su distancia de trabajo de acuerdo con la distancia focal elegida y el sujeto que anticipa, sobre la marcha. Cuando salgo de casa con una cámara, configuro el ISO en función de las condiciones de iluminación esperadas, y tal vez también de la exposición. Sigo adelante y me preparo para lo que sé, así tendré lo menos posible para pensar cuando suceda lo inesperado.

Mencionas el retrato. Bestia diferente con sus propias reglas, pero en realidad los mismos bloques de construcción.

Para mí se trata de confiar en mi gusto, que me guste lo que me gusta y elevarlo cuando lo encuentro. Otras pasiones como la ciencia ficción contribuyen. Definitivamente otros fotógrafos ("¿Qué haría Doug Menuez?").

Además, mira esto .

Desde tu especialización en la neurociencia cognitiva de la visión, ya sabes todo sobre la composición, los principios de la gestalt y las muchas otras teorías sobre cómo el cerebro juega con nuestra visión y qué le agrada.

¿Por qué disparas cuando sabes que la fotografía será un desperdicio? Solo puedo suponer que se debe al medio en el que las estás tomando, digital. Si ya eres experto en el aspecto técnico de tomar una fotografía, simplemente te estás apresurando, porque el costo de oportunidad de estas tomas es cercano a cero.

Si quieres aprender a disparar con más determinación, puedes intentar pasar a la película por un tiempo. Allí solo tienes 36 tomas por rollo y cuestan tanto en dinero como en tiempo para revelar y ampliar una copia. También puede optar por cámaras de visualización de gran formato (solo dos tomas por chasis y cada chasis ocupa mucho espacio y algo de peso), lo que en su mayoría indica que sus sujetos estarán mayormente quietos (retratos, paisajes y arquitectura) , no quiere decir que no pueda tomar una foto de un sujeto en movimiento, pero solo configurar la cámara lleva un poco de tiempo.

No olvide que los maestros con suerte obtuvieron alrededor de 3 selecciones de un rollo completo de película. Pero ellos y sus editores probablemente fueron mucho más estrictos que los que tenemos hoy.

Impresión de hoja de contacto: Audrey Hepburn en Funny Face David Seymour - Cortesía de Magnum Photo