¿Existen guías escritas o reglas generales para establecer la saturación del color, la claridad, la intensidad, etc. en el posprocesamiento (o en general)?

La mayoría de las decisiones son artísticas y dependen de su estilo y visión personal y, hasta cierto punto, del género de la fotografía, ya sea paisaje o retratos, comercial o no comercial.

Antes de comenzar, debe tener una idea de cómo desea que se vea su imagen. ¿Clave alta o clave baja? ¿Nítido y contrastado, o ligero y etéreo? Cada imagen es diferente, por lo que no se aplican reglas establecidas a cada imagen. Pero intentaré dar algunas pautas generales.

Usando Lightroom o Camera Raw, trabajo los controles deslizantes de arriba a abajo.

Balance de blancos

Diría que en la mayoría de los casos se trata de una decisión artística. Sí, puede usar la herramienta cuentagotas de balance de blancos para estimar el balance de blancos "correcto", pero eso a menudo absorbe la calidez de una buena imagen. A menudo utilizo la herramienta de balance de blancos para comprobar cómo afecta a la imagen y, para ser honesto, no me excedo en el calentamiento, pero la mayor parte del tiempo aumento el calor hasta que lo exagero, luego retrocedo un poco. un poco.

Contraste

Nunca toco el contraste en la etapa de conversión sin formato. Uso Photoshop y prefiero aplicar capas de ajuste de curvas que puedo enmascarar/cepillar donde sea necesario. Si fuera a procesar solo a través de Lightroom, probablemente pasaría por alto el control deslizante Contraste y volvería a él después de realizar los demás ajustes relacionados con la exposición.

Exposición, Luces, Sombras, Negros, Blancos

Para la mayoría de las imágenes, quiero una gama completa de tonos, desde el negro hasta el blanco. Es decir, para la mayoría de las imágenes quiero que el histograma se extienda de izquierda a derecha. Suponiendo que estoy tratando de lograr esa imagen, mi pensamiento sería algo como esto:

¿La exposición general es más o menos correcta?

Si la imagen es demasiado oscura, aumentaré la exposición. Demasiado claro, lo reducirá. Obviamente, no para lograr un histograma atractivo, sino una imagen atractiva. Una imagen de clave alta puede estar muy a la derecha, por ejemplo. Intento fijar la exposición en la cámara, pero hay momentos en los que no puedes, o expones intencionalmente a la derecha . Además, si algo está recortado en cualquiera de los extremos, puedo ajustar la exposición general. Por lo general, no necesito tocar el control deslizante Exposición.

A continuación, ¿cómo son los puntos finales de mi histograma?

Si los negros o los blancos siguen recortados después de ajustar la exposición, o más comúnmente si no se extienden hasta los bordes del histograma (lo que significa que no tengo blancos o negros puros), usaré los controles deslizantes Blancos/negros para extender el histograma hasta que tenga el rango tonal completo. Obviamente, esta es una decisión algo artística, pero para aquellas imágenes en las que desea un rango tonal completo, creo que esta es la mejor manera de lograrlo.

¿Cómo se ven las luces y las sombras?

Utilizo con moderación los controles deslizantes Luces y Sombras para afinar las áreas claras y oscuras. Esto no es necesario en absoluto en la mayoría de las imágenes. Aumentaría el control deslizante Sombras, por ejemplo, en una imagen retroiluminada para iluminar el sujeto, y podría disminuir el control deslizante de luces altas si tuviera una gran extensión de nubes blancas y quisiera resaltar un poco el contraste.

Claridad

El aumento de la claridad puede dar la impresión de un mejor contraste y detalle. Bajar la claridad puede dar un bonito aspecto de ensueño, especialmente al agua o las nubes. Creo que esto es una elección pura y artística. Por lo general, no realizo ajustes de claridad en el convertidor RAW y dejo esto para más tarde, en Photoshop, donde puedo usar ajustes de nitidez, curvas locales o filtros de efectos como Topaz Detail/Adjust para lograr efectos similares localmente.

Saturación/Vibración

Raramente uso saturación o vibración en Camera Raw. Si el color de una imagen se ve plano, puedo aumentar la vitalidad, pero normalmente lo haré en áreas selectivas o en colores selectivos, más adelante en Photoshop. Otra elección artística: haz lo que te parezca correcto. Solo tenga cuidado de no recortar ningún canal. Vibrance es una opción un poco más segura .

No, realmente no existen tales reglas. Aquí es donde entra en juego tener ojo para estas cosas, ya sea a través de una habilidad natural o a través de la práctica (o ambas). Es subjetivo , pero no arbitrario , y es arte pero no arte negro .

Con el tiempo, desarrollará un estilo personal para lo que le parezca correcto. Muchos fotógrafos desarrollan una mirada personal muy distintiva. Mencionas "pros", y vale la pena tomarse un segundo para pensar en eso, porque allí, lo más importante es el gusto de tus clientes. Si está fotografiando retratos de pueblos pequeños, una mirada sencilla con un poco de "pop" adicional es probablemente lo que desea. Hace unos años, mis abuelos se hicieron retratar y, aunque el fotógrafo insistió en que el aspecto de enfoque suave era una elección artística, mis abuelos estaban molestos porque no era de su agrado en absoluto. Pero si eres un fotógrafo de bodas, una mirada "de ensueño" probablemente no te hará mal. O, si por el contrario, busca ventas de "arte" en el mercado masivo, A juzgar por lo que vi en una galería en Las Vegas, probablemente quieras aumentar la saturación hasta que te sangren los ojos y el mapa de tonos hasta que los halos estrangulen toda la escena. Si está buscando representación en una galería, le ayudará conocer las tendencias actuales en bellas artes (incluso si, con suerte, su propio trabajo va más allá). Pero si buscas un tipo de arte más duradero, o si trabajas para tu propia satisfacción personal, tendrás que ser tu propia audiencia.

Creo que las "reglas" son comunes para la composición porque la cámara no puede hacerlo automáticamente por ti. La cámara puede equilibrar la exposición de forma aceptable, pero no puede elegir dónde centrar el sujeto . Esas reglas de composición suelen ser dudosas , pero proporcionan un marco básico y cómodos puntos de partida cuando no sabes por ti mismo lo que quieres.

Sin embargo, si no sabe qué estilo visual busca , puede elegir un ajuste preestablecido, ya sea "estilos de imagen" en su cámara o configuraciones preempaquetadas en su convertidor RAW. En los primeros días de la fotografía cinematográfica en blanco y negro, ese no era el caso, y puedes encontrar mucha sabiduría recopilada (y, como siempre, afirmaciones prescriptivas más dudosas) de esa época. A medida que se empezó a utilizar una película en color menos flexible, ese enfoque sufrió un grave perjuicio y, si bien lo digital trae de vuelta la flexibilidad, también trae "apariencias" prefabricadas fácilmente empaquetadas, por lo que es poco probable que el paciente se recupere por completo.

Dicho esto, puedo pensar en una pauta mientras trabajo hacia ese estilo: todo con moderación. Esto a menudo se expresa como algo así: después de obtener un efecto especial que te gusta, vuelve a marcarlo a la mitad de esa fuerza y ​​sigue con eso. Pero, como esas reglas de composición, esta es una línea conservadora, y conservador rara vez es un valor célebre en el arte. Por lo tanto, puede intentar lo contrario: ser audaz . Claro, en unos años puede que mires hacia atrás en tu trabajo con algo de vergüenza, pero al menos no te acusarán de ser tímido.

Ayuda a ser deliberado. Aquí, la flexibilidad infinita es tu enemigo. Te permite hacer lo que quieras, y eso puede dificultar que te adaptes a tu ritmo personal. Entonces, aquí hay un enfoque para probar.... Deje la cámara digital y tome un cuerpo de película viejo. Pentax K1000, Nikon F, tal vez un telémetro Canonet. Elija varios rollos de Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS e Ilford Delta 1600. O, al menos, deje el convertidor RAW y elija algunos de esos estilos de imagen: se dedica mucha I + D, por lo que en realidad son bastante buenos. . Si su cámara le permite (esperemos que lo haga) modificarlos según sus preferencias personales (aumentar el contraste, por ejemplo), pero una vez que haya realizado algunos ajustes, déjelo así por un tiempo. Es posible que incluso desee sacar los, um, "filtros artísticos", si su cámara lo hace. Efectivamente,las reglas generales que está buscando, hechas programáticamente.

Pasar una semana disparando intencionalmente con la regla de los tercios no lo convertirá automáticamente en un mejor fotógrafo, pero sigue siendo un buen ejercicio, porque si lo hace y revisa cuidadosamente los resultados (evaluando no solo la aplicación de la regla sino el efecto general ), sabrá mejor qué es lo que quiere hacer en su lugar y por qué . Del mismo modo, grabe algunos rollos de película de diferentes tipos, o elija un conjunto de ajustes preestablecidos y manténgalo durante un tiempo. (Si esto es demasiado doloroso, siempre puede optar por RAW+JPEG para que tenga una "salida" si obtiene una toma única en la vida que realmente, realmente no debería haber tenido ese tono verde aplicado.) Tener hecho ese ejercicio, probablemente no querrás seguir trabajando de esa manera para siempre, pero creo que te ayudará a descubrir cómo lo haces.quiere que sus imágenes se vean.

Lo que importa más que la forma en que califica el color es que tenga consistencia en su calificación de color dentro de una serie. En general, querrás asegurarte de que una serie de fotos fluya bien, aunque puede haber ocasiones en las que también quieras que sean muy diferentes.

Como han mencionado otros, aquí no hay reglas aparte de la estética general. O tienes ojo para ello o no lo tienes. Usa tu sentido artístico y colorea en consecuencia. Si está tratando de desarrollar sus habilidades, dedique tiempo a observar los trabajos que le gustan y ver cómo están equilibrados, luego intente replicarlos.

Después de un tiempo, aprenderá a identificar qué partes de una imagen están fuera de lugar de donde las quiere y se convierte en una simple cuestión de ajustarlas como mejor le parezca para lograr el aspecto deseado.

Además, no tengas miedo de seguir tu propio camino. La forma en que las personas califican el color es probablemente más una indicación de quién es el fotógrafo que cualquier otro aspecto de la fotografía. Las personas definitivamente desarrollan un aspecto que les gusta y si son buenos en la gradación de color, muchas de sus fotos tendrán un aspecto general similar. Tiene que variar un poco de una toma a otra, ya que los sujetos difieren y, por lo tanto, la estética puede requerir ligeras diferencias de estilo, pero generalmente hay cosas que lo hacen reconocible.

Personalmente, tiendo a sobrecontrastar ligeramente, buscando un punto negro rico, sombras detalladas pero razonablemente fuertes, reflejos justo antes del pico y una imagen general bien saturada (pero no sobresaturada) y con colores fuertes. A veces agrego un pequeño detalle a los reflejos exagerados, pero generalmente trato de evitarlo en su mayor parte.

Algunas personas prefieren niveles de contraste más oscuros, otros más brillantes, algunos surrealistas, otros un aspecto más descolorido y desgastado. En el lado artístico extremo, algunos incluso llegan a distorsionar el color hasta el punto de ser irreconocible para la escena original. Depende totalmente de ti, el artista, decidir lo que te gusta.

En realidad no hay pautas. Necesitas aprender a posicionar, recortar, componer. Los movimientos artísticos tienen pautas que no son tan estrictas en cuanto a tono y enfoque. Para la fotografía puedes mirar y buscar a los aviadores o pioneros del estilo que quieras practicar. desde el principio hasta hoy. Como ejemplo de Richard Avedon a Patrick Demarchelier para la fotografía de moda. Y como consejo de un fotógrafo profesional -yo mismo :D- siempre usa blanco y negro en tu foto si no te estás acercando para productos de publicación fuera de contraste.